Лекция 2. ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы

Автор: Наволоцкая Анна Валерьевна
Дата публикации: 05.02.2017 (19:10)

Информация помечена тегами:

ремёсла художественные промыслы кустарные промыслы НИИХП Наволоцкая Инфонарод

5374
* количество прочтений.
В 1960 году постановлением правительства была ликвидирована опекавшая артели промысловая кооперация, а сами артели преобразованы в комбинаты и фабрики. Термин «кустарные артели» был вообще изъят из употребления. 1960 год войдёт в отечественную историю как год искусственного разрушения ремесленного способа производства с артельной формой организации и принудительное вливание артелей в государственную промышленность.
Начинается новый этап развития народно-художественных промыслов в стандартной упаковке советского предприятия. Надо сказать, что такие преобразования были поддержаны работающими на промыслах. Огосударствление они воспринимали как движение к большей стабильности.
В течение ряда лет промыслы, НИИХП, учебные заведения предавались в связи сликвидацией Промкооперации из одного ведомства в другое и, наконец, вошли в систему Министерства местной промышленности. Народные промыслы (или артели) были преобразованы в фабрики. Министерство местной промышленности добросовестно выполнило свои обязанности пофинансовой и хозяйственной поддержке промыслов. Это касалось строительства, снабжения предприятий сырьём, необходимой техникой, организации выставок. Но ожидать проникновения во все специфические особенности проблем художественного творчества, конечно, не приходилось.
Министерство более всего было заинтересовано в массовом выпуске товаров, что должно было коснуться и промыслов, чьё уникальное искусство было приравнено к поточному выпуску стандартных сувениров.
 
Скопинская керамика
 
С этой целью в некоторых промыслах исполнение изделий вручную заменялось иным. Так введено литье глиняной массы в гипсовые формы в Скопине, известном как центр исполнения лепной фантастической скульптуры, фигурных сосудов. Теперь же из литья выходили серии совершенно одинаковых обтекаемых кувшинов, лишѐнных пластического декора. Спроса на них почти не было: так и стояли они на магазинных полках.
Промыслы испытывали тяжесть налогов, давление планов, не оставлявших мастерам возможности спокойно заниматься творчеством, обязывавших непрерывно выдавать изделия (сувениры) в наибольшем количестве. Они вынуждены ориентироваться на валовый выпуск продукции, конкурировать с промышленными предприятиями.
Большую роль в поддержке и развитии сложившихся, в становлении новых предприятий народно-художественных промыслов, продолжал играть Научно-исследовательский институт художественной промышленности (НИИХП). Он вместе с промыслами прошёл через все перепитии реформ. Его история — это история советских промыслов.
 
Научно-исследовательский институт  художественной промышленности
 
Старое здание Кустарного музея, 1885 
 
История рождения института художественной промышленности связана с именем русского предпринимателя, мецената и благотворителья, мануфактур-советника Саввы Тимофеевича Морозова, который предоставил для расширения кустарного музея купленный им дом Саввы Ивановича Мамонтова в Леонтьевском переулке.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Кустарный музея, Леонтьевский переулок, 7 
 
Он заказал проект реконструкции дома №7 известному архитектору С.У. Соловьеву. Старинным палатам придали вид древнерусского терема. Пристройку к зданию возвели в 1911 году по инициативе самого С.Т. Морозова, а её проект подготовили архитекторы Адольф Эрихсон и Василий Башкиров. Вход был оформлен в виде крыльца с колоннами-бочками.
Зал игрушки Кустарного музея, 1913
 
Таким образом, музей, созданный в 1885 году московскими губернскими властями, благодаря дару мецената перешёл в начале 20 века в более просторное помещение. Музей стал очень популярным в среде москвичей, тем более, что там же был организован магазин кустарных изделий.
 
Сотрудники Кустарного музея (слева направо)
А.Г. Доливо-Добровольская, З.Д. Кашкарова, Е.Г. Теляковский, Б.Г. Ланге, З.Н. Попова, 1925
 
 
С годами деятельность музея усложнялась. В первые десятилетия ХХ века он «оброс» мастерскими и отделами. В качестве методистов-консультантов с мастерами народных промыслов в музее работали опытные художники. Следует вспомнить, что кустарные промыслы числились в ведомстве промысловой кооперации. Соответственно, это относилось и к музею. В 1918 году музей был преобразован в музей народного искусства.
 
В 1931 году для расширения деятельности музея  в нём же был организован Всесоюзный научно-исследовательский и экспериментальный институт промысловой кооперации или кустарной промышленности — НЭКИН.
А уже в 1932 году на базе художественно-промышленного отдела НЭКИНа возник НИИХП — Научно-исследовательский институт художественно-кустарной промышленности. Вот как об этом пишет современник этих событий, тогда начинающий, а в дальнейшем один из самых выдающихся учѐных в области народного искусства В.М. Василенко: «Институт был создан как первый и единственный в стране научный центр, целиком посвятивший себя изучению народного декоративного искусства иоказанию творческой помощи художественным промыслам».
Кустарный музей, получивший наименование музея народного искусства стал одним из отделов института. Некоторые из художников, работавших в музее, стали сотрудниками института, другие — преподавателями художественно-промышленных училищ. И почти все вошли в состав художественного и учёного советов НИИХП, как неизменные участники его деятельности. В становлении института как научного центра принимали деятельное участие такие учёные, как Л.В. Бакушинский, В.С. Воронов, А.И. Некрасов.
Как наследник Кустарного музея Институт принял собранную в нем уникальную библиотеку и разнообразные материалы. В Институте формировались лаборатории в соответствии с основными видами народного искусства: строчевышивки, ткачества, ковроделия, обработки дерева и лаков, металла, камня, кости, керамики. В каждой лаборатории работал научный сотрудник-искусствовед, а основное её «население» составляли художники, чаще всего владевшие не только кистью и красками, но и навыками изготовления декоративно-прикладных изделий. Так работали скульпторы в дереве, камне, керамике, кости. В текстильной лаборатории стоял для исполнителей ткацкий станок, в керамической — гончарные круги. Отдельно работали технологические мастерские. В керамике, например, требовался труд технологов в составлении сырья, подборе глазурей, проведении обжига изделий.
Большинство художников были выпускниками московского художественно-промышленного училища им. М.И. Калинина.
В институте работала аспирантура. Первая защита кандидатской диссертации, посвящѐнная искусству Хохломы, состоялось в 1952 году.
В послевоенные восстановительные годы деятельность Института становилась все более интенсивной в соответствии с повышением статуса народного творчества. Сами формы работы приобретали все большее разнообразие.
При этом Институт неизменно следовал задаче — развивать творчество мастеров промыслов, отнюдь не создавая для них образцы (как это практиковал Кустарный музей), но способствовать развитию в промыслах активного творчества, чтобы новые образцы рождались только так, на почве местных традиций.
Формы деятельности НИИХП, это — издания, посвящённые народному искусству: сначала — серии скромных брошюр, затем — монографии со ссылками на исторические источники, на музейные коллекции, с подробным анализом творческого процесса. Потом появились капитальные труды — монографии, посвящённые одному виду художественного творчества.
Особое значение для Института имело издание сборников научных трудов. Первый такой сборник вышел в 1962 году, затем они выходили регулярно. Сборники пользовались неизменным спросом. Они рассылались в музеи, библиотеки, художественные училища, в ряд промыслов.
Особый интерес вызывали публикации итогов деятельности в экспедициях, которые институт направлял и в ближайшие и в дальние регионы России. В состав экспедиции входили: научный сотрудник, как её руководитель, и 3—4 художника разных специальностей. Выезду предшествовала тщательная подготовка. Так, большую пользу удавалось извлечь из, казалось бы, устаревших изданий земств, чьи деятели оставили многочисленные описания промыслов, трудившихся в те отдалённые годы по всей России. «Трофеями» экспедиций были многочисленные записи, фотографии, зарисовки художников и, конечно, подлинные предметы народного творчества.
В 1950—1960-е годы институт широко занимался выставками. Специальный выставочный фонд формировал собрания предметов народного искусства, рассылаемые в сопровождении искусствоведов и художников для демонстрации не только в нашей стране, но и за её пределами.
 
Выставка-смотр народных художественных промыслов в здании московского Манежа, 1960 
 
В 1960 году открылась всероссийская Выставка-смотр народных художественных промыслов в здании московского Манежа. Один из залов выставки был предоставлен самому Институту для демонстрации его деятельности. Это было бесспорным признанием полной причастности НИИХП к судьбам народных промыслов. В то же время выставка завершала очень значительный этап в развитии народного искусства.
На самом же деле наш коллектив искал возможности оказания промыслам существенной поддержки. Так в прессе появились тревожные публикации, привлекшие внимание общественности к положению промыслов.
В то же время сотрудники Института не прекращали свою деятельность консультантов, советчиков, стремясь поддержать народное творчество. Как и ранее, методы работы были весьма разнообразны в соответствии с профилем деятельности мастеров.
Несколько примеров. Так, сотрудница НИИХП А.А. Кораблёва сохраняла постоянно творческую связь с вологодскими кружевницами. У кружевниц возникали опасения, что их работы архаичны и не уживаются в современном быту. В сотрудничестве с Кораблёвой были найдены разнообразные орнаментальные мотивы ажурных дополнений к современным, модным туалетам. Кроме того на выставках блистали кружевные панно с новой символикой, искусно вплетённой в традиционные ажурные узоры.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Л.Я. Супрун, Точеная расписная чашка. БХО «Агидель», 1979                                   З.А. Архипова, В. Бабаева. Расписные ложки. БХО «Агидель». 1975
 
Иногда сотрудниками НИИХП приходилось отвечать на самые неожиданные запросы промыслов. В институт обратилось Башкирское художественное объединение «Агидель». В стремлении обновить ассортимент традиционной токарной посуды в Башкирии стали осваивать технику хохломской росписи, в чём потребовалось содействие Института. Однако опытные художники З.А. Архипова, А.В. Бабаева, искусствовед Л.Я. Супрун сумели тактично убедить промысел не подражать другому, пусть знаменитому. Но уделять больше внимания наследию своего исконного творчества. В подтверждение ценности местных традиций З.А. Архипова и А.В. Бабаева выполнили в материале экспериментальные образцы башкирской посуды, с орнаментальной росписью на цветных фонах. И только в окаймлении нашла применение лёгкая почти ажурная позолота, ничуть не напоминавшая яркое золото Хохломы. В этой манере башкирский промысел стал с успехом развивать своѐ традиционное искусство.
 
 
 
 
 
       
 
 
 
         Работы Ирины Львовны Карахан
 
 
 
 Большое влияние на деятельность косторезных  коллективов оказала И.Л. Карахан, наделённая талантом скульптора, свойствами исследователя и наставника. Её консультации высокого ценили мастера Холмогор, Тобольска. Многолетней, сложной требовавшей особого подхода была работа с косторезами Чукотки. Чукотские мастера использовали моржовую кость для исполнения скульптур и моржовые клыки для гравировки. Изображались сцены охоты на китов и моржей, оленеводов, сценки быта. И.Л. Карахан принадлежала и была принята идея использования в скульптуре скелетной кости кита. Мастера испытывали к ней полное доверие и уважение, тем более, что она сама владела костерезным искусством.
Именно в НИИХП молодёжь могла принять участие в прикладных мастер-классах (тогда это, как сейчас, не было широко распространено). Москвичи охотно участвовали в проведении так называемых «Дней школьника» устраиваемых во время каникул. В эти дни в музей приходили художники, вооружённые «техникой», и демонстрировали школьникам приёмы резьбы и росписи по дереву, лепку из глины, вышивание, кружевоплетение на коклюшках и многое другое. Под присмотром мастеров школьники сами пробовали освоить азы мастерства.
Институт поддерживал широкие связи с художественной общественностью. Постоянными были деловые и дружеские отношения с музейными сотрудниками, особенно Исторического музея и Загорского (ныне Сергиево-Посадского) музея-заповедника. Искусствоведы НИИХП читали курсы лекцийпо народному искусству в Технологическом, Текстильном институтах.
Специалисты института входили в состав государственных экзаменационных комиссий (ГЭК). Так в Абрамцевском художественно-промышленном училище председателем ГЭК назначался только искусствовед НИИХП.
В 1992 году Институт отметил в праздничной обстановке свой 60-летний юбилей. Но уже 1 декабря 1992 года постановлением Правительства было ликвидировано Министерство местной промышленности. Соответственно — подчинявшиеся ему учреждения, в том числе и НИИХП. Это было неожиданным и драматическим событием. Никакие формы протеста, заявление о необходимости сохранить Институт успеха не имели. Начались сокращения сотрудников, прекратили приѐм посетителей библиотека, фототека… Только Музей народного искусства продолжал работать как обычно. Наконец, пришло решение: все, что составляло институт передать Всероссийскому музею декоративно-прикладного и народного искусства. Музей сохранялся ещё некоторое время в неприкосновенности, но вскоре он был закрыт, и всё его собрание целиком вошло в фонды ВМДПНИ.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Само здание, построенное С.Т. Морозовым специально для Кустарного музея, некоторое время занимала Ассоциация народно-художественных промыслов, здесь же размещался музей русской матрёшки, после здание занял танцевальный ансамбль «Березка».
Ремёсла, как и оказывающая им поддержку структура НИИХП, за очень короткий период существования претерпели существенные революционные изменения, которые явились не естественным, а  анормальным революционным развитием.
В конце 80-х годов 19 века развернувшаяся государством и земствами программа поддержки кустарных производств, артелей, обернулась их ростом и поступательным развитием. В недрах Кустарного музея зарождается исследовательское подразделение.
В первые годы советской власти (начале 20-х годов двадцатого века), программа поддержки кустарных промыслов получила новый стимул к развитию, при  этом акцент был сделан на обобществление труда, укрупнение артелей. Частные ремесленные производства, семейные артели, малые артели исчезают. Сохраняются темпы роста крупных артелей. Государство продолжает оказывать всемерную поддержку обобществлённым промыслам: и материальную, и искусствоведческую, и в области сбыта. Всё большую роль в формировании лица промыслов играет НИИХП, родившийся в недрах Кустарного музея.

В начале 60-х годов артели реформируются в государственные предприятия, объединённые Минместпромом. Часть производств, не выдерживая конкуренции, переходят  с выпуска художественной продукции на утилитарную. Государство опекает промыслы. Государственные художественные предприятия обрастают инфраструктурой (ведомственным жильём, садиками, училищами, техникумами). Роль НИИХП ещё более возрастает. 

Государство резко сокращает поддержку промысловых предприятий в 1992 году, собственно как и других промышленных предприятий. Достигнув апогея в своём развитии, как государственные предприятия, они оказываются на рынке.  Ликвидируется Минместпром, НИИХП, Музей народного искусства (бывший Кустарный музей). Ниже приводится экспресс-анализ достижений, с которыми подошли предприятия к важному рубежу — 1992 году.   
 
ЭКСПРЕСС-АНАЛИЗ  ДОСТИЖЕНИЙ НАРОДНО-ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ПРОМЫСЛОВ, 1960—1992   
 
Матрёшка — русская деревянная игрушка в виде расписной полой куклы, внутри которой находятся подобные ей куклы меньшего размера. Традиционная роспись матрёшки часто изображает крестьянских девушек в традиционных нарядах. В последнее время возможный диапазон тем росписи ничем не ограничен, начиная от сказочных персонажей и кончая советскими лидерами. Этот символ России появился на свет не в старинные времена, как это принято считать, а лишь в 1891 году в Абрамцеве.
 
Первая матрёшка, выполненная в мастерской «Детское воспитание» художником С. Малютиным и скульптором В. Звёздочкиным
 
ООО «Художественные изделия и игрушки»
ООО «Художественные изделия и игрушки» является традиционным народным художественным промыслом, имеющим глубокие исторические корни и постоянное место пребывания. История предприятия насчитывает 110 лет с начала своего возникновения и делится на несколько этапов развития.
Для повышения качества игрушек, улучшения материального положения кустарей, Московское губернское земство открывает в 1891 году в городе Сергиевский Посад учебную игрушечную мастерскую.
В 1904 мастерская при магазине «Детское воспитание» А.И. Мамонтова была закрыта, и ассортимент ее изделий, вместе с первой матрешкой «Девушка с петухом», созданной в конце 1890-х годов художником С.В. Малютиным и токарем В.П. Звездочкиным, купили земские мастерские Сергиева Посада.
В 1913 году земство передает свою хозяйственную деятельность и весь ассортимент изделий в ведение организовавшейся «Кустарно-промышленной артели игрушечников». Артель становится полноправной преемницей игрушечной мастерской, так она в счет ссуды от московского земства не только получает в аренду само помещение мастерской, но и ассортимент изделий.
В 1929 году на базе кустарных артелей города была создана единая «Сергиевская кустарная промышленная артель», как символ коллективного труда. В 1930 году, когда город был переименован в Загорск,, артель получила название «Загорской», а немного позднее добавилось: «имени Рабоче-Крестьянской Красной Армии».
В 1945 году по постановлению СНК СССР, «для сохранения и развития традиций местных художественных промыслов» на базе артели была создана экспериментальная группа из ведущих мастеров «для создания творческих образцов и уникальных изделий».
 
ООО «Художественные изделия и игрушки»
 
В 1960 году на основе постановления Совета Министров РСФСР за №1478 артель им. РККА становится государственным предприятием и называется «Загорская фабрика игрушек №1».
Постановление Московского областного совета народных депутатов от 05.09.1990 г. за №543-Р «Загорская фабрика игрушек №1» отнесена к предприятиям народных художественных промыслов и переименована в фабрику «Художественных изделий и игрушек».
В 1992 году на основе приватизации фабрика была преобразована в ТОО «Художественные изделия и игрушки», а в 1998 году преобразована в ЗАО «Художественные изделия и игрушки». В 2014 преобразована в ООО «Художественные изделия и игрушки».
В настоящее время предприятие является официальным производителем традиционной сергиевопосадской (загорской) куклы-матрешки и кукол в этнографических костюмах разных губерний и уездов России.
 
Воронежская губерния
Смоленская губерния
Курская губерния
ООО «Художественные изделия и игрушки»
 
1891 — Сергиевский Посад учебная игрушечная мастерская, созданная Московским губернским земством Сергиевым Посадом
1904 — мастерская при магазине «Детское воспитание» закрыта, и ассортимент её изделий купили земские мастерские Сергиева Посада
1913 — «Кустарно-промышленная артель игрушечников»
1930 — единая «Сергиевская /Загорская кустарная промышленная артель им. РККА
1945 —  «для сохранения и развития традиций местных художественных промыслов» на базе артели создана экспериментальная группа из ведущих мастеров «для создания творческих образцов и уникальных изделий»
1960 — артель им. РККА  становится государственным предприятием и называется «Загорская фабрика игрушек №1
1990 — «Загорская фабрика игрушек №1» отнесена к предприятиям НХП и переименована в фабрику «Художественных изделий и игрушек»
1992  — на основе приватизации фабрика была преобразована в ТОО «Художественные изделия и игрушки»
 
Полхов-майдановская матрёшка
 
Полхов-майданская матрёшка
 
Полхов-майданская роспись -— производство расписных токарных изделий в селе Полховский Майдан, деревне Крутец и поселке Вознесенское Нижегородской области. Токарные изделия мастеров этого промысла — матрешки, пасхальные яйца, грибы, солонки, кубки, поставки, — щедро украшены сочной орнаментальной и сюжетной росписью. Среди живописных мотивов наиболее часто встречаются цветы, птицы, животные, сельские и городские пейзажи.
С середины 19 века в селе Полховский Майдан стали производить некрашеную токарную деревянную посуду, которая реализовывалась на ярмарках.
С начала 1920-х годов под влиянием аналогичных изделий сергиево-посадских мастеров, полхов-майданская посуда начинает покрываться выжженным контурным рисунком. Вскоре выжигание стали раскрашивать масляными красками, а в середине 1930-х годов анилиновыми красителями, разведенными на спирту. Постепенно выжженный контур рисунка вытесняется более экономичной и простой в исполнении наводкой тушью.
В 1928—1930 годах в Полховском Майдане из отдельных мастеров складывается артель «Красная заря». В это же время вырабатывается оригинальная художественно-декоративная система и обозначаются основные специфические приемы местной росписи. Эти приемы получили устоявшиеся местные названия: «цветы с наводкой» —- цветочная роспись очерчена четким черным контуром; «цветы без наводки» — рисунок выписывается по фону без линейного контура; прием «под масло» — роспись масляными или нитрокрасками по глухому цветному фону, «пестрение» — простейшая кистевая роспись мазками или точками. Крутецкие мастера В 1960 артель преобразуется в Полхов-майданскую фабрику игрушек.
В это же время изготовлением аналогичных токарных расписных предметов начинают заниматься в расположенной в нескольких километрах от Полховского Майдана деревне Крутец. Используя опыт, токарные формы и приемы росписи соседей, крутецкие мастера привносят незначительные изменения. Так, например, их матрешки по форме более округлы, а в росписи посудных изделий предпочтение отдается сюжетным мотивам.
В 1972 году в районном центре Вознесенское на базе игрушечной фабрики создается производственно-художественное объединение «Полхов-Майданская роспись», где работают художники, прошедшие профессиональное обучение. Несмотря на это, промысел продолжает существовать преимущественно на основе семейной организации производства. Мужчины занимаются изготовлением токарного «белья», а женщины выполняют роспись. Изделия, производимые объединением, носят более сувенирный характер, их роспись однообразнее, а рисунок менее свободен, чем в работах мастеров-кустарей.
 
XIX век — производство некрашеной токарной деревянной посуды, село Полховский Майдан,
20-е годы XIX века — деревянная посуда с выжигом, село Полховский Майдан,
середина 1930-х годов — деревянная посуда с анилиновыми красителями, разведенными на спирту, село Полховский Майдан,
1928 — артель «Красная заря», село Полховский Майдан,
1972 — на базе игрушечной фабрики создается производственно-художественное объединение «Полхов-Майданская роспись», районный центр  Вознесенское
c 1980-х — традиции промысла продолжают частные предприниматели.
 
 
Семёновская роспись (семёновская матрёшка)
 
Семёновская матрёшка
 
В советское время специализированный завод по изготовлению деревянных игрушек и матрешки был основана на базе отдельных кустарных мастерских, а также индивидуальных ремесленников. Ныне это фабрика под названием «Семёновская роспись» выпускает большой ассортимент изделий из дерева игрушки, матрешки, шкатулки, панно, вазы.
Первая Семеновская матрешка были ближе к духу старых традиционных семеновских росписей, однако роспись матрешек была графически простой, даже примитивной. С течением времени рисунок матрешек была наполнен растительным орнаментом, стал более плотным, красочным и живописным.
Деревня Семенов была одним из главных центров по изготовления и покраски деревянных игрушек и посуды. Знаменитый Хохломской стиль живописи родился именно в этих краях. Деревня Семенов была близка к Хохломе, и это во многом определило стиль живописи Семёновских игрушек. Они были ярко окрашены кистью из травы под названием «Белоус» в красных и зеленых  тонах, готовые изделия часто покрывались лаком.
Первая Семеновская матрешка была сделана  токарем Аверьяном Вагиным из деревни Мериново, которая была расположена в 8 км от Семенова. Его сын принес деревянную куклу, сделанные в Сергиев-Посаде
Происхождение живописи семёновской матрешки было также связано с потомственным мастером Арсением Майоровым. Однажды глава семьи Арсентий Федорович привез из Нижнего Новгорода пустую неокрашенные матрешку. Деревянная кукла была расписана его дочерью Любой. Люба использовала гусиное перо для нанесения контуров, а для заполнения рисунка использовала маленькую кисточку и анилиновые красители. Люба разместила в центре куклы большой ярко-красный цветок.
Постепенно был сформирован определенный семёновский стиль живописи матрешек, который в отличие от сергиево-посадского стиля росписи матрешек был более красочным и ярким. Художники Семёнова использовали старые традиции применения цветочного орнамента. Они оставляли большие неокрашенные участки дерева  и рисовали матрешку анилиновыми красками, а затем покрывали лаком. И поныне прежде всего рисуют тонкой кистью контуры лица, глаза, губы, затем окрашивают шарф на голове матрешки, юбку, фартук, рукава.
Именно в Семёнове была выточена самая большая 72-местная матрёшка, диаметр которой 0,5 метра, а высота 1 метр.
1930 — фабрика «Сувенир»,
1970 — фабрика «Семёновская роспись»
 
Вятский сувенир (нолинская матрёшка)
Нолинская матрёшка
 
ЗАО «Вятский сувенир» ведёт свою историю с июля 1930 года, в городеНолинске Вятской губернии была создана артель под названием «Свобода». Основной продукцией артели были различные изделия из дерева, необходимые в хозяйстве, детские игрушки на токарной основе. Традиционный ассортимент расширялся. Выпускались токарные изделия «Бочонок-копилка», «Набор хозяйки», свисток «Соловей». Квалификация токарей по дереву позволила создавать самые сложные токарные изделия — оригинальные деревянные матрёшки.
В 1958 годы сообщалось, что артель «Свобода» поставляет одну тысячу матрёшек на Брюссельскую выставку. Тогда и состоялось первое знакомство иностранных фирм с Нолинской матрёшкой. До 1960 года выпускались только два вида матрёшек 4 и 5 предметные. С созданием Кировского производственного объединения «Вятка» по выпуску игрушек в 1964 году артель «Свобода» реорганизуется в Нолинскую фабрику сувениров. Ассортимент значительно расширяется. В 1968 году была освоена технология оформления матрёшек анилиновыми красителями. В 1978 года начался выпуск инкрустированной соломкой матрёшки.
Главный секрет притягательности деревянной матрёшки в том, что её внешний образ-русской многодетной полной женщины-матери дополняется внутренним строением, в её повторениях-вкладышах, входящих друг в друга.
Вятская матрёшка-наиболее северная из всех Российских матрёшек. Она изображает девушку-северянку с мягкой застенчивой улыбкой. Её лицо завораживает, притягивает, настолько оно мило, приветливо. Особое своеобразие получила матрёшка, когда её начали инкрустировать соломкой.
Основой в композиции росписи нолинской матрёшки является образ северной девушки: рыже-русые волосы, большие голубые глаза.
В настоящее время численность работников предприятия составляет 133 человека.
1930 — артель «Свобода»,
1964 — Нолинская фабрика сувениров,
1998 — ЗАО «Вятский сувенир»
 
 
Хохломская роспись, ПХО, ЗАО (хохлома)
 
ПХО «Хохломская роспись»
 
Хохломская роспись представляет собой нижегородскую декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную чёрным и красным (а также, изредка, зелёным) цветом по золотистому фону. 
Предполагают, что хохломская роспись возникла в 17 веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта, куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается город Семёнов в Нижегородской области.
По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение промысла приписывалось старообрядцам.
Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.
В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII—XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти» и, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.
Но есть документы, свидетельствующие о другом. Способ имитации позолоты на дереве, родственный хохломскому, использовался нижегородскими ремесленниками в окраске деревянной посуды ещё в 1640—1650 годах, до появления старообрядчества. В крупных нижегородских ремесленных селах Лысково и Мурашкино, в заволжском «селишке Семеновское» (будущий город Семенов — один из центров хохломской росписи) изготовлялась деревянная посуда — братины, ковши, блюда для праздничного стола — окрашенная «на оловянное дело», то есть с применением оловянного порошка. Способ окраски деревянной посуды «на оловянное дело», вероятно, предшествовавший хохломскому, сложился из опыта иконописцев и местных поволжских традиций посудного ремесла.
Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной привозимого олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри. Так, села Хохлома, Скоробогатово и около 80 селений по рекам Узоле и Керженцу работали на Троице-Сергиев монастырь. Крестьяне этих сел вызывались для работы в мастерских Лавры, где могли познакомиться с производством праздничных чаш и ковшей. Именно хохломские и скоробогатовские села и деревни стали родиной оригинальной росписи посуды, так похожей на драгоценную.
Близость Волги поспособствовало развитию промысла: груженные «щепным» товаром. суда направлялись в Городец, Нижний Новгород, Макарьев, славившиеся своими ярмарками, а оттуда — в Саратовскую и Астраханскую губернии. Через прикаспийские степи хохломская посуда доставлялась в Среднюю Азию, Персию, Индию. Англичане, немцы, французы охотно скупали заволжскую продукцию в Архангельске, куда она доставлялась через Сибирь. Крестьяне вытачивали, расписывали деревянную посуду и везли её для продажи в крупное торговое село Хохлома (Нижегородской губернии), где был торг. Отсюда и пошло название «хохломская роспись», или просто «хохлома».
В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района. 
Для изготовления изделий с хохломской росписью сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем на токарном или фрезерном станке заготовке придают нужную форму. Полученные изделия — резные ковши и ложки, поставцы и чашки — основа для росписи, называются «бельё».
После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой. После грунтовки изделие 7—8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3—4 раза. Последний слой высушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его. Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. Кисти для росписи делаются из беличьих хвостов, так, чтобы ими можно было провести очень тонкую линию.
Выделяют роспись «верховую» (когда по закрашенному серебристому фону наносят рисунок (криуль — основная линия композиции, на неё «насаживают» такие элементы как осочки, капельки, усики, завитки т. д.) и «под фон» (сначала намечается контур орнамента, а потом заполняется чёрной краской фон, рисунок листа или цветочка остается золотым). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:
Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».
Расписанные изделия 4—5 раз покрывают специальным лаком (с промежуточной сушкой после каждого слоя) и, наконец, закаливают в течение 3—4 часов в печи при температуре +150...+160 °C до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая «золотая хохлома».
 
Хохломская роспись
 
Творческая лаборатория ежегодно разрабатывает до 20—25 видов изделий. На промысле работают 400 художников, 200 высокой квалификации.
 
1640  — имитация позолоченного дерева,
1659 — первые упоминания о расписной посуде,
1925—1928 — промысловые, промыслово-кредитные кооперативы: Семеновское ложкарно-посудное и игрушечное, Кондратьевское, Елховское, Безводнинское, Озерское ложкарно-красильные и ложкарно-бельевые товарищества,
1920-е — школы «ХОД»,
1920—1928 — Семёновское промысловое товарищество (снабжение и сбыт, надомная работа) объединяло: ложкарей, красильщиц, токарей по дереву, резчиков, полировщиц, художников,  
1920—1929 — Нижегородская контора Госторга при Народном Комиссариате 
внешней торговли,
1931 — реорганизация Семёновского промыслового товарищества в промысловую артель «Экспорт»,
1960 — переименование артели «Экспорт» в фабрику «Хохломская роспись»,
1964 — творческая лаборатория
1971 — ПХО «Хохломская роспись»
 
Хохломской художник (хохлома)
В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломский художник», объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское и др. В данный момент деятельность предприятия сведена практически к нулю. В Сёмино расположено также предприятие, занимающееся 19 лет выпуском деревянных шкатулок с хохломской росписью (ООО «Промысел»).
 
ТПО «Хохломской художник»
 
1919 — рождение артели, пос. Cёмино Ковернинского района,
1993 — ООО «Промысел»,
1998 — ТПО «Хохломской художник»,
c 2000-х — традиции промысла продолжают частные предприниматели
 
 
УПК Юго-Западного Государственного Университета (курская хохлома)
Курская хохлома
 
В Курске ряд специалистов из Нижегородской области наладил систему обучения художественной росписи молодых курских художников-энтузиастов, которые в совершенстве освоили технику хохломских росписей. Благодаря им в Курске в 1972 был создан комбинат хохломской росписи, который в настоящее время выпускает до 130 наименований сувенирной продукции. При этом у курских мастеров выработался свой стиль «курской хохломы». В отличие от нижегородского в курской хохломе больше изображений ягод, пышных букетов, отдельных полевых цветов и маков. Курская роспись характерна обилием зелени, она существенно ярче нижегородской и перекликается по цветовой гамме с расцветками южнорусских народных костюмов, а по узорам — с узорами курских ковров.
1972 — цех по выпуску изделий из древесины с художественной росписью при Курском мехлесхозе,
1972 — комбинат по производству художественной росписи по дереву,
2005 — учебно-производственный комбинат Юго-Западного Государственного Университета
 
НХП Липецкие узоры, ОАО (липецкая хохлома)
Липецкая хохлома
 
В XVIII—XIX веках в окрестностях Липецка существовала масса мелких кустарей, которые изготавливали предметы быта из дерева. Бытовали различные техники обработки дерева: долбление, работа резцом, токарная обработка. Из мягких и недорогих пород древесины (липа, осина) резались вручную, а в конце XIX столетия — на токарных станках — утилитарные, необходимые в каждом домашнем хозяйстве предметы быта: миски, чаши, ковши, совки, тарелки, разливательные ложки. 
Резали мастера ложки-плошки, а чтоб служили дольше и продавались лучше, пропитывали их маслами и наносили несложные элементы орнамента сначала естественными, а потом анилиновыми красителями в основном красного, черного, синего и зеленого цветов в виде волнистых, прямых линий, кружков, розеток, точек. В начале XIX века производство деревянной посуды стало вытесняться более дешевыми и практичными изделиями из фарфора, фаянса, металла.
Возрождение промысла на липецкой земле произошло в 1971 году, когда на базе углебрикетной фабрики был создан цех художественной росписи. Инициатором этого события был Евгений Прокофьевич Чалых — в то время начальник управления топливной промышленности. Именно с его легкой руки были приглашены в город Липецк из города Семёнова Горьковской области несколько талантливых художников, токарей и резчиков, ставших «творческими родителями» появившейся в 1974 году фабрики «Липецкие узоры». 
Рисунок становился более сложным, объёмным. Художники использовали в своей работе не только четыре хохломских цвета — красный, черный, желтый и зеленый — предписанные традицией-догмой. Краски липецкой росписи — все цвета радости — изумрудный, пурпурный, лазурный.
Большое влияние на становление стиля «Липецких узоров» оказало изучение мотивов елецких кружев, их композиционного настроения.
с XVIII века
1971 — цех художественной росписи на базе углебрикетной  фабрики,
1974 — фабрика «Липецкие узоры»,
1992 — ОАО «НХП Липецкие узоры»
 
Городецкая роспись
 
Городецкая роспись
 
С начала 18 века прялки украшали скобчатой резьбой, затем самые главные фигуры стали вырезать
из мореного дуба, выуженного со дна быстрой и разливистой речки Узолы, и вставлять в донца. А ко второй половине 19 века и вовсе заменили резьбу многоцветной росписью.
Все поколения городецких мастеров непременно изображали на прялках вороного коня с гордо выгнутой шеей и стройными ногами и иссиня-черную птицу глухаря, клюющего ягоды. И сцены из крестьянской, купеческой и городской жизни — праздник, когда весь народ на улице и все по-городскому нарядные. А в домах праздничные посиделки сменяются смотринами, а затем и пышными свадьбами, а уж потом все ходят друг к дружке на чаепития. И в каждом доме часы с маятником, бархатные занавески на окнах, самовар на столе и кот под столом. А катанья, а пляски-хороводы!
 
с XIX века
1956 — цex гopoдeцкoй pocпиcи в apтeле «Cтaxaнoвeц»,
1959 —  oтдeлeние гopoдeцкoй pocпиcи в Ceмёнoвcкoй xoxлoмcкoй пpoфтexшкoлe,
1998 — фабрика «Городецкая роспись»
 
Беломорские узоры, объединение
Северо-двинские росписи: борецкая, ракульская, пермогорская, мезенская, пучужская 
 
Короба с пермогорской росписью
 
В 1968 году в Архангельске объединение «Беломорские узоры». Современные мастера не только сохранили для нас старые традиции, они используют их для дальнейшего развития народных ремесел Русского Севера. Короба изготавливаются по той же технологии — сгибая по кругу распаренный липовый луб, а затем, вставляя в него выструганное из елового дерева дно, которое высохшие стенки будут крепко держать. В семнадцатом веке такие короба считались надежным вместилищем для любого имущества — от кафтанов и шуб, холстов и посуды до драгоценностей и денег. На них был такой спрос, что в Москве в 17 веке существовал целый торговый «коробейный ряд».
 
Современные архангельские живописцы различают следующие виды росписей
Борецкая — по названию города Борка на Северной Двине. В ней преобладают приглушенные зеленый и алый с добавлением золота.
 
Борецкая роспись
 
Ракульская — русский народный промысел Красноборского района Архангельской области. Роспись получила название от реки Ракулки (приток Северной Двины). Центром промысла является деревня Ульяновская (Муниципальное образование «Верхнеуфтюгское»).
Ракульская роспись
 
Пермогорская роспись — своё название роспись получила по месту бытования. «Пермогорье» («первые по высоте горы») — пристань на самом высоком, гористом берегу Северной Двины, откуда на много верст было видно лютиковые луга, поля, синее небо до горизонта и алый цвет зари. Поэтому так ярки узоры в росписи умельцев Севера.
Пермогорская роспись
 
Мезенская — по названию притока Северной Двины, на котором стоит древнее село Палащелье — там по светлому фону вереницами скачут красно-черные тонконогие кони и олени, мчатся по волнам легкие суда.
 
Мезенская роспись
 
ПЛАТКИ
Считается, что производство кашемира в России началось лишь в 1800 году и требовало достаточно дорогого сырья (пуха сайгаков и вигоней с Южной Сибири, пуха ангорских коз из Тифлиса), а значит и существенных капиталовложений. О качестве сырья говорит то, что из всего лишь 13 грамм пряжи получали нить длиной 4500 метров.
Первой мануфактурой, занимавшейся кашемиром в России, считается основанное в 1800 году на нижегородчине (деревня Скородумовка) предприятие Надежды Аполлоновны Мерлиной, урождённой Колокольцевой. Кашемировые платки и шали на ней начали производить с 1806 года. Около этого времени в селе Александровка Петровского уезда Саратовской губернии начала производить кашемир фабрика брата Н.А. Мерлиной, Дмитрия Аполлоновича Колокольцева.
 
Шаль, мануфактура Надежды Мерлиной, 1830—1840
 
Третья кашемировая  мануфактура появилась в 1813 году под Воронежем в селе Хава. Предприятие принадлежало дворянке и воронежской помещице Вере Андреевне Елисеевой. Нужно отметить, что все эти мануфактуры были основаны представителями дворянства, что было связано с крупными финансовыми вложениями в производство кашемира.
Внушительные финансовые вливания окупались с лихвой. У Мерлиной 60 ткачих на 24 станах в год выпускали всего 16 шалей и 19 платков. Одна шаль Мерлиной с тканым узором в то время стоила от 1000 до 12000 рублей (цена крупного имения в несколько деревень). Судя по тому, что Трубинская фабрика изготавливала в 1814 году 930 платков, они шли в продажу без тканого или набивного узора, возможно, обшиваясь бахромой, и имели высокий спрос именно из-за самой необычной ткани.
Ближайшими к Трубину предприятиями, занимавшимися производством кашемира в и Сплатков из этой ткани в 1813—1914 были фабрики Анисима Аникина во Фрязине того же Богородского уезда.
Шаль, мануфактура Дмитрия-Колокольцева, 1820—1840
 
Отправляясь в гости, русские красавицы покрывали головы роскошными шалями поверх повойников, кичек или кокошников, шитых золотом. Головной убор русской женщины представлял собой невероятную игру света и цвета: блеск шелковистой ткани, сияние жемчуга, яркий блеск золотого шитья. Великолепие головного убора трудно описать. Шали красовались васильками, алыми сочными розами, маками, которые соперничали с румянцем щёк красавиц. Но зимние праздники с катанием на тройке русские красавицы встречали не только в цветастых шалях, но и в оренбургских пуховых платках.
Оренбургские пуховые платки
Оренбургский пуховый платок
 
Незадолго перед тем, как прославились шали с набивным рисунком, выпускавшиеся в подмосковном селе Павлово-Посад, в Оренбургском крае уральская казачка Мария Николаевна Ускова отправила на всемирную выставку в Лондон в 1861 году шесть пуховых платков. В сопроводительном документе говорилось о том, что таковые изделия ручной работы производятся повсеместно в Оренбургском крае многими женщинами. Вот с того момента пошла слава оренбургских пуховых платков. А уральской казачке с выставки прислали медаль с надписью: «За шали из козьего пуха», диплом и 125 рублей серебром. Связанные из пуха местных коз, оренбургские платки известны с XVII века.
В 1762 году этнограф П.И. Рычков, путешественник и учёный, указывал, что возле Яика водятся табунами козы, которые «…так резвы, что никакой собаке угнать невозможно». Так вот из пуха этих коз местные жители вязали тёплые шарфы и поддёвки. Уральские зимы лютые, даже овчинный полушубок не спасает, а вот такие поддёвки из пуха местных коз греют даже в более лёгкой одежде. Если кочевавшие по степи калмыки и казахи просто вывязывали шарфы, то русские мастерицы, любившие украшать любую одежду кружевами и вышивкой, стали пуховые платки украшать затейливыми узорами, используя растительные мотивы. И в 1766 году П.А. Рычков отправил в столичное Вольное экономическое общество свой «Опыт о козьей шерсти». П.А. Рычков рекомендовал государственным служащим поощрить народное ремесло. К письму прилагался связанный его женой пуховый платок.
Платок привёл всех членов общества в такое восхищение, что дама получила Золотую медаль. Вскоре молва об оренбургских пуховых платках дошла и до самого города Парижа. Французы решили, что такое производство должно быть и у них. Профессор-востоковед Жубер сначала решил отправиться за кашемирскими козами на Тибет. Но по дороге в Одессе узнал, что в Оренбургских степях есть козы — потомки кашемирских. Он исследовал пух этих коз и нашёл его лучшим по качеству, чем пух кашемирских коз. И так, французы решили, что закупят таких коз и переправят во Францию. Было закуплено 1300 коз, которых на корабле по Чёрному морю надо было переправить в Марсель. Живыми довезли 400. Но и те козочки, которые прибыли в прекрасную и тёплую страну Францию, такого пуха не дали. Эксперимент не удался. Куда только не пытались увезти оренбургских козочек — и в Англию, и в Латинскую Америку, их кормили, холили, но… Не хватало им русского мороза, а без него и пух не вырастал. Вот такой наш оренбургский пуховый платок. Он не стал ни марсельским, ни ливерпульским.
 
Оренбургский пуховый платок
 
Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.
1766 — П.А. Рычков отправил в столичное Вольное экономическое общество свой «Опыт о козьей шерсти»,
1861 — уральская казачка Мария Николаевна Ускова, выставка в Лондоне,
1862 — профессор-востоковед Жубер,
конец  XIX века — территория современных Саракташского, Оренбургского, Кувандыкского, Орского и ряда других районов, 4 000 вязальщиц,
1908 — 12 000 вязальщиц, 35 000 пуховых платков,
1912 — 20 568 вязальщиц,
1920 — вопрос о механизации ручного труда,
1930-е — артели, промхозы, пуховязальный союз,
1939 — маленькая промысловая Артель им. Парижской коммуны, артель переименовали в  фабрику Оренбургских пуховых платков,
1960 — Комбинат  оренбургских пуховых платков
 
Павлово-посадский платок
Впервые о Павлово-Посадской фабрике по изготовлению платков с авторским печатным рисунком упоминалось в 1795 году. Как и многие подобные производства, это было основано зажиточным крестьянином — Иваном Лабзиным.
В те годы крестьяне охотно начинали собственный бизнес, но не каждый разрастался так, как предприятие, основанное Лабзиным, а уж тем более далеко не каждый приобретал такую славу.
50-х годах XIX века промысел по изготовлению платочных изделий развернулся в торговый дом «Яков Лабзин и Василий Грязнов», производящий набивные шали и платки. Многокрасочные платки прославили Павловский Посад на весь мир.
 
Платок «Молитва»
 
Роскошная роза, переливающаяся всевозможными цветами радуги, стала символом павловопосадского платка. А сложившийся стиль — от крупного рисунка по краям к мелкому в центре, а по углам — броские цветы — и сегодня является визитной карточкой фабрики.
Число тонов в рисунке от 10 до 18, но может доходить и до 30.
Главным лейтмотивом павловопосадских платков все равно остается жизнь российского народа: на ткани художники умудряются запечатлеть и нелегкую судьбу, и тут же рядом — радостные и веселые эпизоды из жизни людей.
Изначально искусные мастера расписывали платки вручную, что требовало особого мастерства. Однако, на рубеже 18—19 веков производство было автоматизировано московскими фабрикантами Гучковыми. И тут же русские платки стали получать высочайшие награды за качество на ярмарках и выставках. Уже тогда техника производства позволяла делать узоры на платках одно — и двухсторонними, предлагался огромный выбор платков: и по разнообразию узоров, и для разной погоды, и для разных случаев. Конечно, доступны они были изначально женщинам из более высоких сословий купцов.
 
Платок «Чёрные глаза»
 
В то время было несколько известных фабрик: в Калужской губернии фабрика Александровых и в Московской губернии павловопосадская мануфактура Лабзина и Грязнова, в дальнейшем получившая наибольшую известность из всех российских платочных производств. У каждой фабрики есть своя визитная карточка: узор, по которому сразу видно, какая фабрика выпустила платок. Например, павловопосадские платки знамениты густым цветочным рисунком: по краям платка это пышные цветы (как правило, полевые, садовые, которыми богата земля русская; также это лилии, однако, рисунок хоть и считается классическим, но встречается реже, чем, например, розы), в центре чаще всего располагаются небольшие гирлянды. Также в павлопосадских платках используются восточные орнаменты (восточный огурец или пейсли — декоративный орнамент каплевидной формы), которые пришли в Россию из Азии. В любом случае, это всегда разнообразие узоров, фактуры ткани и несомненное качество.
Современные павловопосадские платки изготавливаются не только из шерсти, но также из шелка и хлопка. Кроме платков, выпускается большой ассортимент шалей и шарфов. Всю эту продукцию можно узнать безошибочно — даже самые современные рисунки выполнены в традиционном стиле Павловского Посада: многоцветные, яркие, с филигранной проработкой деталей.
 
Платок «Признание»
 
Может быть, популярности павловопосадских платков способствует то, что один из ее основателей был святым. Василий Грязнов (тот самый, который участвовал в основании торгового дома «Яков Лабзин и Василий Грязнов», живший в 1816—1869 годах) был канонизирован в августе 1999 года Русской православной церковью в лике святого Московской епархии как Праведный Василий Павлово-Посадский.
Не удивительно, что искусство изготовления павловопосадских платков обладает высокой духовностью. Без нее просто не создать уникальные рисунки, делающие продукцию фабрики популярной во всем мире.
Изначально платок представлял собой элемент национального костюма, его надевали по случаю праздника или торжества или, наоборот, в печали (недаром фабрики производили платки для разных житейских ситуаций). Платки испокон веков были обязательным атрибутом традиционного костюма русской женщины. По традиционному обычаю замужняя русская женщина обязательно прятала волосы под головным убором.
Со временем павловопосадские платки получили более широкое применение: сегодня они являются любимым головным убором и украшением многих модниц, его носят в повседневной жизни, в любое время года. Павловопосадские платки и по сей день считаются самыми красивыми, качественными и шикарными. Для многих женщин — это лучший подарок.
 
1795 — крестьянская мануфактура «Вохна тожь»  по изготовлению платков Ивана Лабазина
рубеж XVIII—XIX веков  — автоматизация производства фабрикантами Гучковыми,
1868 — торговый дом «Яков Лабзин и Василий Грязнов», фабрика перепрофилирована на шерсть,
1892 — Товарищество на паях «Товарищество мануфактур Я.  Лабзина и В. Грязнова в Павловском Посаде», крупнейшее предприятие России,
1918 — национализация и переименование в Старо-Павловскую фабрику №11 Государственного камвольного треста ВСНХ,
1928 — фабрика имени 10-й годовщины Красной Армии Главного управления шерстяной промышленности,
1963 — «Московское производственное платочное объединение»,
1995 — ОАО «Павловопосадская платочная мануфактура»,
1989 — Павлово-Посадское производственное платочное объединение,
1992 — АОЗТ «Павлово-Посадские шали»
 
Метальная лавка (урало-сибирская роспись)
 
Урало-сибирская роспись
 
Тагильская ро́спись — народный промысел художественной лаковой росписи металлических подносов, существующий в городе Нижнем Тагиле Тагильская роспись — это предшественница жостовской росписи. Возникла  в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Невьянск, Верх-Нейвинск). Самая ранняя архивная информация о железных подносах с художественной отделкой в Нижнем Тагиле относится к 1746 году, который и считается датой основания тагильского промысла. Металл для подносов обрабатывался методом ковки.
XVIII век стал «золотым» веком для тагильских художников-лакировщиков, среди которых ярко выделяется династия художников Худояровых — Вавилы и Фёдора. В этот период традиция тагильской росписи распространяется далеко за пределы Нижнего Тагила, в частности в деревне Жостово Мытищинского уезда Московской губернии, мастера которого во многом преуспели в этом промысле, даже основав при этом свой стиль, свою технику росписи подносов и других изделий.
В первой половине XIX столетия промысел бурно развивался, что в значительной степени связывают с деятельностью школы живописи, специально учреждённой владельцем тагильских заводов Н.Н. Демидовым. В школу брали мальчиков с 12 лет на полное господское содержание. Обучение длилось 4 года, им руководил выпускник Академии Художеств, профессиональный художник В.И. Албычев. Это положительным образом повлияло на уровень изысканности росписей. В этот период появилась мода на подносы-картины с бумажных гравюр или с оригинала. Также сюжетами для подносов являлись: сказочные пышные цветы, вьющиеся стебельки и травинки, спелые кисти винограда, сочные ягоды.
Нижнетагильский подноспо технологии XVIII века, 220*154
 
Формы подносов использовались разные, в том числе шести/восьмигранники. Живописный декор дополнялся тонким ажуром просечных бортов изделия.
С середины XIX века роспись подносов становится исключительно женской прерогативой. В это же время в Нижнем Тагиле работали крупные мастерские по изготовлению лакированных железных изделий — подносов, сундуков, шкатулок — Дубасниковых, Головановых, Перезоловых, Бердниковых, Морозовых. Все они имели полный цикл производства, начиная от отковки и заканчивая лакировкой и упаковкой подносов. Их изделия хранятся в крупнейших музеях России. В конце XIX века кустарное производство в России переживало кризис, не обошёл стороной он и Тагильский подносный промысел. Пресс для изготовления форм заменил кузнеца, и в условиях жесткой конкуренции встал вопрос быстроты и дешевизны отделки подноса. В это время все большее распространение получает «Маховое» письмо, при котором кончик кисти подхватывает краску и белила и в два-три взмаха «лепит» цветочный венчик, стебли и листья. Эта летящая скоропись приводит к отказу от кропотливо выполняемых деталей, упрощает, предельно стилизирует и обобщает форму.
После революции начала XX века жизнь промысла замерла, так как были утрачены почти все приёмы традиционного цветочного письма. Тем не менее, артели «Пролетарий», «Металлист», «Красная заря» наладили выпуск подносов с росписью. В 1957 году на базе этих артелей был создан Нижнетагильский завод эмалированной посуды, который впоследствии и стал центром возрождения Тагильского подноса.
На заводе «ЭмальПосуда» работал экспериментальный цех, в Нижнем Тагиле открылось училище № 49, где обучали росписи подносов. Образование мастерицы продолжали в «Уральском училище декоративно-прикладного искусства» (ныне «Нижнетагильский колледж декоративно-прикладного искусства и дизайна») и на художественно-графическом факультете «Нижнетагильского Педагогического института» (ныне академия).
Подносы с Тагильской художественной лаковой росписью производят 6 фирм: ООО «Метальная лавка—Тагильские подносы», «Нижнетагильский центр Нижнетагильской подносной росписи», ООО РСК «Тагильская артель», ООО «ЛИТа», ООО «Тагильский мастер», ООО «Лаковая живопись Урала» (Екатеринбург), художественная школа «Нижнетагильского колледжа прикладного искусства и дизайна» при Нижнетагильском заводе-музее.
 
с начала XVIII века,
1930-е — артели «Пролетарий», «Металлист», «Красная заря»,
1957 — Нижнетагильский завод эмалированной посуды «ЭмальПосуда»,
1960-е — Уральское училище декоративно-прикладного искусства (ныне Нижнетагильский колледж декоративно-прикладного искусства и дизайна), художественно-графический факультет  Нижнетагильского педагогического института» (ныне академия),
1993 — ТОО «Метальная лавка»,
2000-е — ООО «Метальная лавка—Тагильские подносы», «Нижнетагильский центр Нижнетагильской подносной росписи», ООО РСК «Тагильская артель», ООО «ЛИТа», ООО «Тагильский мастер», ООО «Лаковая живопись Урала» (Екатеринбург), художественная школа «Нижнетагильского колледжа прикладного искусства и дизайна» 
 
Жостовская фабрика декоративной росписи, ООО (жостовская роспись)
Жостовская роспись
 
Жостовская роспись народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области, вознкв первой половине XIX века в деревнях Московской губернии — Жостове, Троицком, Новосельцеве и др.
Некто Коробов устроил в конце прошлого века (1790) в Москве заведение для выделки разных вещей из папье-маше и вскоре перенес его в деревню Жостово, Троицкой волости. Еще раньше или одновременно с Коробовым устроил подобное заведение в Москве Филипп Вешняков.
Сын его, Осип, искусный мастер отделился от отца, приехал в деревню Жостово, Троицкой волости и устроил здесь свое заведение в 1825 году.
Наряду с различными баульчиками, табакерками, портсигарами и др. здесь выделывались также и подносы из папье-маше. Не будучи довольно прочными, они на выставке в Митаве (1836) с уступили им пальму первенства.сибирским железным подносам, Побежденные производители усвоили приемы, необходимые для производства железных подносов.
У жостовских мастеров перед тагильскими конкурентами было преимущество — они знали секрет более прочного лака, который долго не трескался, сохраняя роспись. Это стало решающим фактором в конкурентной борьбе. Мастерская в Жостове практически целиком перешла на изготовление железных подносов, то и дело расширяя производство, и только совсем старые мастера продолжали делать милые безделушки из папье-маше.
Как и у тагильских подносов, главным мотивом жостовских были цветочные букеты. У этой росписи много источников. Она напоминает народную вышивку бисером, павлопосадские платки, ивановские яркие ситцы, курские ковры. Похожие мотивы можно заметить также в народных росписях крестьянских сундуков и прялок, на деревянной и керамической посуде.
Каждый мастер одновременно делает несколько подносов, в день опытный профессионал расписывает от пяти до десяти изделий. Жостовская фабрика успешно развивалась на протяжении всего XIX века. Подносы покупали и в богатые купеческие дома, и в квартиры рабочих, да и в знаменитых московских чайных угощения подавали именно на них.
В начале ХХ века фабрика переживает нелегкие времена. Спрос на подносы начал падать, а их производство — неуклонно сокращаться. Мастера были вынуждены заниматься крестьянским трудом или отправляться на заводы.
Война, революция, первые годы советской власти поставили, было, крест на этом красивом ремесле, но в начале 1920-х годов началось постепенное возрождение многих художественных артелей, в том числе и Жостова. Кустарные производства соседних деревень в 1928 году были объединены в одну крупную фабрику под названием «Металлоподнос» (в 1960-м её переименовали в Жостовскую фабрику декоративной росписи)..Наибольшего расцвета Жостовская фабрика достигла в 60—70-е годы ХХ века.
Фрагмент жостовской росписи
 
Изготовление жостовских подносов — долгий и кропотливый процесс. Современные мастера неукоснительно соблюдают старинную технологию. Загрунтованные и зашпатлеванные, покрашенные черной краской и покрытые двумя слоями лака подносы попадают, наконец, к художникам. Они пишут масляными красками, обильно разбавленными скипидаром и льняным маслом. Такая краска легко стекает с беличьей кисти, и это позволяет делать упругий и тонкий мазок.
Первая стадия росписи называется замалевкой, вторая — выправкой. В замалевке художник при помощи широкой кисти набрасывает силуэт букета. После чего поднос сушится в течение 12 часов. Роспись делается без предварительного рисунка, сразу набело — так, что исправить потом ничего нельзя. На стадии выправки прорисовывают мелкие детали, наводят тени и блики.
Готовую роспись покрывают тремя слоями светлого лака. Каждый слой просушивают и полируют пемзой и грубым сукном. Последний этап — наводка зеркального блеска на лак: ее делают вручную, при помощи мела тончайшего мучного помола.
c начала XVIII века в деревне Жостово Мытищенского района Московской области
1825 — на основе производства лаковых изделий из папье-маше О.Ф. Вишнякова,
1922 — «Новосельцевская трудовая артель», деревня Новосельцево,
1924 — «Жостовская трудовая артель» и «Спецкустарь»,
1925 — артель «Лакировщик»,
1925 — артель «Свой труд» в селе Троицкое,
1928 — специализированная артель «Металлоподнос»,
1960 — Жостовская фабрика декоративной росписи
 
Снежинка, объединение (вологодское кружево)русское кружево, плетёное на коклюшках (деревянных палочках); распространено в Вологодской области с XVI—XVII века, но как промысел существует с первой четверти XIX века. Изначально считается, что кружево зародилось в Европе, а наиболее древними центрами кружевоплетения считаются Италия и Фландрия. Начало промысла относится к 1820 году, когда близ Вологды в имениях помещиков крепостные стали выплетать отделки к платьям и белью, подражая западноевропейским.
Вологодское кружево
 
Со временем из помещичьих мастерских плетение кружев переместилось в народную среду и стало одним из видов народного искусства, отражавшего запросы и вкусы широких кругов местного населения.
Развитию кружевоплетения способствовали талантливые выпускницы Мариининской практической школы кружевниц Петербурга.
В 1960 году организовано Вологодское кружевное объединение «Снежинка». Изготовляются мерные кружева, покрывала, салфетки, занавеси, а также уникальные выставочные образцы по эскизам художников.
3 ноября 2010 года в Вологде, в здании бывшего Госбанка на Кремлёвской площади, 12, открылся Музей кружева. Общая площадь музея составляет 1400 м², а экспозиционная — 600 м².
 
 с XVII века
1820 — начало промысла
1895 — артели
1960 — объединение «СНЕЖИНКА»
2010 — музей кружева
 
Елецкие кружева, фирма, ЗАО
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Елецкие кружева известны в России с конца XVIII века. Именно тогда здесь, в Ельце, возник один из центров, где россияне начали активно осваивать это пришедшее из Европы искусство. Первое свидетельство о кружеве датировано 1801 годом, о чем свидетельствует прошва на полотенце с надписью: «сей плат шила диаконова дочь Александра Иванова 1801 года». 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Елецкое кружево
 
 
 
 
В 1960 году основан Елецкий комбинат художественных изделий (художники П.Г. Петрова, В.И. Григорьева). Сегодня ЗАО фирма «Елецкие кружева» расположена в городе Елец. Современная фирма «Елецкие кружева» — это около тысячи работающих как в цехах, так и на дому опытных кружевниц, это новые декоративные решения и технологические приемы, но не забыты и прежние традиции искусства кружевоплетения. Не случайно лучшие образцы работ из Ельца представлены как в коллекциях ведущих хранилищ народного искусства, так и в частных собраниях. Нынешний ассортимент продукции «Елецких кружев» — около 200 наименований.
 
1801 — первое упоминание,
1960 — Елецкий комбинат художественных изделий, 
1974  —  ПО «Елецкие кружева»,
1992 — ЗАО фирма «Елецкие кружева»
 
Кукарское  или вятское кружево
 
Кукарское кружево
 
Вятские кружева появились в начале XVIII века. Во второй половине XIX века промыслом занималось многочисленное крестьянское население, заказы поступали из Петербурга. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии в числе 9 других была организована земская школа кружевниц. Преподавателями были ученицы Мариинской школы из Петербурга. Все школы, учрежденные «Мариинкой», опирались на её методическую базу и разработанные в ней учебные программы. Вместе с тем, в кружеве вятских школ сформировались особые качества, выделяющие его среди изделий других учебных заведений. Формы изделий разнообразны и порой необычны, не имеют аналогий в других школах: это жилеты, оплёты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель. Учреждённая школа способствовала расширению промысла по всей губернии.
В 90-е годы XX века кружевная фабрика была ликвидирована, здание пустовало 10 лет, а затем было продано районному суду. Но кировские кружевницы сохранили традиции и технологию народного промысла и, объединившись в артели или небольшие предприятия, продолжают радовать всех своеобразием своих декоративных решений.
1893 — Кружевная фабрика в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии в числе 9 других — земская школа кружевниц,
1937 — строчевышивальное кружевное предприятие,
1996 — фабрика имени 8 марта,
с 2000 — артели
 
Михайловское кружево
Первое упоминание — в начале XIX века. Михайловское мерное кружево плетут в городе Михайлове Рязанской области и окрестных деревнях. Это нарядное и многоцветное кружево, но в отличие от кружева других районов оно более плотное. В нем так же отсутствуют растительные и цветочные мотивы, которые широко распространены во всех остальных регионах России. В старину Рязанском уезде присутствовали разные типы кружевного плетения. 
 
 
 
 
 
 
 
                           
 
 
 
Михайловское кружево
 
В начале было сцепное, а также тончайшее многопарное «травчатое» кружево и «рязанского манера». Однако, в городе Михайлове и его окрестностях присутствовал иной способ плетения — численный. Это значит, что плели его не только по сколку, а считая число переплетений. Именно местное численное кружево получило широкую известность под названием «михайловского».
 
Во второй половине XIX века михайловским кружевом торговали как в самой России, так и за границей. Потому как михайловское численное кружево отличалось красочностью и своеобразием рисунков.
В древности кружева ценили на вес золота: один грамм золота приравнивали одному одному грамму кружева. В наше времяхудожники и мастера по-прежнему созда ют шедевры, В которые являются  «золотым запасом» современной русской культуры.
 
 
 
Так, творческий коллектив ЗАО «Труженица» создаёт постельное и столовое бельё, одежду, различные  плоскостные изделия с вышивкой и кружевом.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Киришское кружево
Киришское кружево
 
Не менее масштабным было и производство кружева в районе Киришей. Причем история у этого народного промысла очень необычная, почти детективная — торговцы скупали захожское кружево по крайне низким ценам, а потом втридорога продавали его под видом вологодского. Действительно, у вологодского и захожского кружева есть общие черты, но последнее скромнее и основывается на старинных типах узоров. Со времени своего возникновения в XVIII веке захожское кружево претерпело наименьшее изменение. Правда, судьба этого народного промысла печальна — сейчас увидеть его можно разве что в музее. Например, в Киришском краеведческом. Продолжателей этой традиции практически не осталось.
 
Дымковская игрушка
 
 Дымковская игрушка
 
Считается, что промысел возник он  в XV—XVI веках в слободе Дымково на низком правом берегу реки Вятки возле города Хлынова-Вятки (ныне Киров). Именно там развилась и сложилась потомственная традиция изготовления глиняной игрушки по женской линии, передаваемая от матери к дочери. Постепенно складывались династии мастериц дымковской игрушки: Никулины, Пенкины, Кошкины… Каждая из них имела свои особенности изделий в форме и пропорциях, колорите и орнаментах. Здесь, в слободе, в  XIX веке жили и работали от 30 до 50 семей игрушечниц.
В прошлом изготовляли игрушки в слободе Дымково целыми семьями, копали и месили глину, вручную толкли и растирали краскотерками комовой мел, с осени до весны лепили, сушили и обжигали. Ближе к началу ярмарки «Свистуньи-свистопляски», которая проходила в четвертую субботу после Пасхи, игрушки белили мелом, разведенным на снятом коровьем молоке, красили яичными красками, украшали большими пятнами золотистой потали. А затем на лодках привозили яркий самобытный товар в город Вятку на праздник, радуя своим искусством детей и взрослых. Ярмарка была продолжением ежегодного поминовения жителей Хлынова и Великого Устюга, погибших во время печальной битвы, вошедшей в историю города как Хлыновское побоище, когда «своя своих не познаша». В память об этом событии у Раздерихинского оврага был поставлен поминальный крест, а затем и часовня. После этого наступал разгульный веселый праздник, длившийся в течение трех дней, где вятские жители от мала до велика свистели в глиняные свистульки.
Дымковская игрушка
 
Вот как описывает видевший этот праздник в 1811 году генерал Хитрово о жителях Вятки: «Все утро посвящается молитве, а остальная часть сего достопримечательного дня — прогулке и увеселениям. Народ собирается с небольшими свистками и целый день свищет, ходя по улицам, и, стоя на валу, бросает глиняные шарики в ров. В честь оставшихся после сражения вдов продаются на тех местах куклы из глины, расписанные красками и позолоченные. Сей праздник называется в сем крае «свистопляска».
Будучи очевидцем, вятский писатель В.В. Лебедев писал: «Когда попадаешь на площадь и идешь среди свистящей толпы, кажется, что идешь по воздуху. У всех смеющиеся и какие-то дерзкие лица. Идущие люди бережно держат перед лицами глиняную небольшую игрушку, ценой в три или пять копеек, изображающую двухголового зверя или барана с золотыми пятнами на боках. В хвост этому барану и свистят…».
К сожалению, сейчас этот праздник, существовавший до 1920-х годов,  утрачен, но представление о нем дают нам творческие композиции дымковских мастериц разных поколений, выполненные на протяжении ХХ и в начале ХХI  веков.
Известно, что дымковская игрушка, имеющая древние корни, упоминается в летописях в XV–XVI веках. В конце XIX—начале XX века она представляла собой одиночные самостоятельные фигурки людей, животных, птиц, свистульки, несущие в себе древние образы — представления людей о мире.
На протяжении ХХ века изменился ассортимент изготовляемых игрушек. Современную дымковскую игрушку по назначению можно поделить  на две основные группы: традиционная по размеру, цвету и орнаменту, рассчитанная на продажу, и выставочная, где чаще идут творческие поиски. 
                          Дымковская игрушка
c XVI века
1920—30-е — домашний народный промысел,
1934 — надомный промысел при фабрике гипсовых изделий в слободе Дымково, входящей в товарищество «Кировский художник»,
1944 — кировское товарищество «Художник»,
1957 — Кировское отделение художественного фонда СССР,
1993 — Кировское городское отделение «Союз художников России — Народный художественный промысел «Дымковская игрушка»
 
Беломорские узоры, объединение (каргапольская игрушка)
 

Каргапольская глиняная игрушка: медведи и полканы
 
Издавна в Торопове, Гриневе, Печникове — деревнях Панфиловской волости Каргопольского уезда, сложился сезонный гончарный промысел на местных красных глинах. Летом каргопольские гончары работали в поле, а с октября до весны занимались изготовлением глиняной посуды — печных горшков, кубов, кринок, мисок. Участвовала вся семья: и мужчины, и женщины, и дети. Каргопольская посуда пользовалась спросом по всему Поонежью, ее возили в Архангельск, большой гончарный торг был в самом Каргополе.
Из остатков глины мастера лепили игрушки, не придавая им особенного значения. Глиняные лошадки, упряжки, фигурки людей и животных стоили недорого, особенным спросом не пользовались, и их лепили скорее для собственного удовольствия, чем ради заработка. Первоначально игрушки, как и посуда, были «обварными». После обжига раскаленное изделие погружали в «болтушку» — густой мучной раствор. Пригоревшая мука оставляла на светлой поверхности сосуда или игрушки черный кружевной узор. Украшенные процарапанным архаичным орнаментом, своей безыскусностью такие игрушки напоминали скорее произведения художников каменного века. Изготавливались и более дорогие поливные посуда и игрушки, покрытые глазурью. В начале 1930-х годов гончарный промысел постепенно сошел на нет, еще раньше прекратилось изготовление игрушек. Лишь несколько мастеров продолжали их делать.
 
Современная каргопольская игрушка менее архаична. Сохраняя традиционные формы, нынешние мастера делают ее более изящной, порой четче акцентируют детали, щедро расписывают маслом и темперой, избегая, однако, излишней пестроты. Помимо фигурок людей каргопольцы лепят коней, коров, медведей, оленей, героев сказок и былин. Одним из самых популярных персонажей в каргопольской игрушке был и остается полкан — полуконь-получеловек с окладистой бородой, при орденах и эполетах. Среди других сказочных героев присутствуют лев, птица Сирин, конь о двух головах.
 
Кормилка
Заслуга   сохранения  и возрождения древнего промысла. принадлежит У.И. Бабкиной. Каргопольский промысел всегда был семейным — у Шевелевых, Завьяловых, Рябовых и др. секреты мастерства передавались из поколения в поколение. Только в 1967 в Каргополе открылось отделение Архангельского предприятия «Беломорские узоры». В городе работает Школа искусств, где детей учат и лепке игрушек. В 2003 году в поместье Шепелевых открылся частный музей каргапольской игрушки.
c XVI века,
1967 — отделение «Беломорских узоров»  (Архангельск) в Каргополе,
2003 — Музей мастеров Шевелёвых и каргопольской игрушки в Каргополе
 
Филимоновская игрушка

Филимоновская игрушка

Возраст филимоновской игрушки — условный. Специалисты утверждают, что искусство лепки и росписи затейливой глиняной потешки пришло в одоевские края из далекого верхнего палеолита, а при раскопках Жемчужниковского и Снедковского курганов, городищ в Одоеве обнаружены черепки гончарных изделий, относящиеся к IX—XI векам, с рисунками и знаками, которыми расписывают сегодня филимоновскую игрушку.
По легенде деревня Филимоново была названа в честь деда Филимона — беглого каторжника, мастера гончарных дел, богомаза и игрушечника.
В середине XIX века промысел был уже известен далеко за пределами Одоевского уезда. Семьдесят пять из ста домов в Филимонове кормились гончарством. Как и везде, посуду делали гончары-мужчины из красной боровой глины, а игрушки-свистульки из местной белой речной глины  — женщины, за что окрестные жители прозвали их «свистуличницами».
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
В начале ХХ века производство филимоновской игрушки сократилось настолько, что оставалось лишь несколько мастериц, которые не бросали своего ремесла.
Производство оживилось в 1950-е годы. Внимание и интерес общества к народному искусству привели к возрождению в Филимонове игрушечного промысла. Мастерицы быстро вспомнили свое ремесло.
Истинное возрождение традиции старинного промысла приходится на середину 80-х годах ХХ века. В этот период, благодаря упорству и подвижничеству Николая Васильевича Денисова, в Одоевском районе была создана творческая группа, объединившая выпускников Абрамцевского художественно-промышленного училища и потомков филимоновских мастериц.
Традиционный набор сюжетов в филимоновской игрушке — барыня, всадник, конь, олень и др.. Для них характерны вытянутые пропорции, связанные с пластическими свойствами местной чёрно-синей глины — «синики», встречающейся  в окрестностях Филимоново. При обжиге глина дает белую поверхность, на которую наносится цветная роспись анилиновыми красками. Несмотря на относительную скупость их палитры — малиновый, зелёный, жёлтый цвета — игрушки получаются яркими и весёлыми. Роспись строится по традиционной схеме: бегут по форме цветные полоски, чередуются с более сложными узорами: ветвистая «елочка», яркая «ягодка», лучистая «звездочка», или «солнышко». Лица фигурок всегда остаются белыми, и лишь небольшими штрихами и точками намечаются глаза, рот, нос. Эти игрушки трудно спутать с какими-либо другими: они отличаются удлинённостью формы.
Со временем традиционные народные сюжеты пополнились индивидуальными компози­циями — «Солдат, кормящий курицу», «Медведь перед зеркалом» (странное существо с гибким худым телом, сидящее на задних лапах, с зеркалом в передних; ничто в его облике не напоминает привычного медведя), «Чаепитие». Очень своеобразны филимоновские солдаты. Это отдельно стоящие фигурки, высокие, длинноногие, в характерных костюмах — френче в талию, с погонами, полосатых или цветных штанах, в шляпе с козырьком или полями, в необычных сапогах на высоком каблуке. Под мышкой солдаты держат птиц. Самым настоящим шедевром стала композиция «Любота».
Прикоснуться к этому удивительному миру, больше узнать об истории промысла, можно на родине промысла, в единственном специализированном музее «Филимоновская игрушка» в городе Одоеве Тульской области.
c XI века, 
1950-е — запрет на изготовление во времена Хрущева,
конец 1950-х — возрождение филимоновского игрушечного промысла,
1960—70-е — деревенские мастерицы стали членами Союза художников,
1970-е — мастерская по производству керамической игрушки в Филимонове, которая стала отделением Тульского творческо-производственного комбината,
1980—1983 — мастерская филимоновской игрушки на заводе «Кислотоупор» в селе Щёкино Тульской области,
1984 — творческая группа  выпускников Абрамцевского художественно-промышленного училища и потомков игрушечниц в Одоеве.Тульской области
 
Абашевская игрушка
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Абашевская глиняная игрушка
 
Абашевская игрушка — художественный промысел, сформировавшийся в Спасском уезде, ныне Беднодемьяновском районе Пензенской области. игрушки возникло в XIX веке на базе местного гончарного промысла. Вытеснение в начале XX века кустарных изделий заводской посудой обусловило постепенное угасание гончарства и выделение игрушки в самостоятельный промысел. В отличие от большинства игрушечных центров здесь работали преимущественно мужчины. Известность, которую приобретает промысел в конце 1920-х годов, связана с именем Лариона Зоткина, талантливого мастера из села Абашево, автора многих интересных игрушек: сказочных львов, причудливых собак, забавных медведей. В это время складываются характерные для абашевских мастеров скульптурные приемы и особенности росписи.
Абашевская игрушка — это свистульки, изображающие животных, нередко принимающих фантасмагорический сказочный облик. Фигурки имеют удлиненное туловище с короткими, широко расставленными ногами и длинной изящной шеей. На маленькой, тщательно вылепленной головке выделяются глубоко процарапанные глаза. Головы козлов, оленей, баранов увенчаны изогнутыми, иногда многоярусными рогами. Пышные челки, кудрявые бороды и гривы четко моделированы, их контуры, очерченные стекой, имеют строгий рисунок и высокий рельеф.
Свистульки раскрашены яркими эмалевыми красками — синими, зелеными, красными, в самых неожиданных сочетаниях. Отдельные детали, например, рога, могут быть расписаны серебром или золотом. Порой части фигурок остаются незакрашенными и резко контрастируют с броскими пятнами эмали. Обычные домашние животные под руками мастера превращаются в сказочных существ.
Ремесло абашевской игрушки продолжают современные мастера — Т.Н. Зоткин, И.Л. Зюзенков, А.И. Еськин. Некоторые художники стали покрывать свои свистульки бесцветной поливой, что делает фигурки более обтекаемыми и менее яркими.
XVI век — гончарный промысел,
первая половина XIX века — игрушечный промысел
 
Хлудневская игрушка
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Хлудневская игрушка
 
Хлудневский гончарный промысел зародился он в деревне Хлуднево, находящейся на юге Калужской области, где для изготовления посуды использовались местные глины предположительно в XVI веке. Мужчины тянули посуду и сбывали её на базарах местному населению в городах Жиздра, Сухиничи, Брянск, в Людинове и Дятькове. Женщины занимались бабьим промыслом — лепили игрушки: свистульки, гудушки, громатушки, разные большие фигуры.
Отличительным сюжетом Хлудневского промысла является древо жизни, являющееся оберегом. При помощи наполнения дерева в различных комбинациях птицами, животными, людьми, оно приобретает каждое свой особый смысл. Да и барыня у Хлудневских мастериц непростая — в карманах у неё птицы, да зверушки, в руках детки, да свистки, на плечах и голове тоже по птушке, а в юбке спрятаны глиняные шарики, потрясёшь барыньку, она и загремит, одним словом громотушка. Особое место занимают Хлудневские игрушки-перевёртыши. Это мелкие свистки с двумя и более сюжетами в одной фигурке. Ещё одна особенность Хлудневского промысла, это «мокрый соловей» маленький горшочек, скрученный на гончарном круге со вставленным в него свистком. Если в него налить немного воды и подуть, то получается интересный, переливчатый звук, очень похожий на трель соловья.Хлудневский гончарный промысел зародился он в деревне Хлуднево, находящейся на юге Калужской области, где для изготовления посуды использовались местные глины предположительно в XVI веке. Мужчины тянули посуду и сбывали её на базарах местному населению в городах Жиздра, Сухиничи, Брянск, в Людинове и Дятькове. Женщины занимались бабьим промыслом — лепили игрушки: свистульки, гудушки, громатушки, разные большие фигуры.
Сейчас в деревне Хлуднево насчитывается 78 жителей. Большинство селян живет натуральным хозяйством. После смерти Бубнёвой Татьяны Ивановны и её сына Алексея в деревне игрушку начали делать сын Бубнёвой Татьяны Ивановны Александр с Женой Соколиковой Валентиной.  
XVI век — гончарный промысел,
первая половина XIX века — игрушечный промысел
 
Ковровская игрушка
 
Ковровская глиняная игрушка
 
 
Ковровская глиняная игрушка — народный промысел, образовавшийся в районе города Коврова, на берегах Клязьмы.
Берега реки Клязьмы богаты месторождениями уникального природного материала — красной и голубой глины. Наличие глины способствовало развитию «глиняного промысла». Об этом свидетельствуют результаты предпринятых в 1925 году археологических исследований в Ковровском районе. При раскопках городища Кляземский городок, на месте которого находился древний город Стародуб-Кляземский, было обнаружено 135 черепков гончарной и лепной посуды XII—XVI веков.
Наряду с глиняной посудой, местные мастера изготавливали игрушки – свистульки и фигурки, изображавшие людей, животных и птиц.
Краеведам удалось выяснить, чем ковровские игрушки отличались от дымковских и филимоновских. Оказалось, что ковровские мастера создавали не только фигурки животных и сказочных героев, но и бытовые сценки из русской жизни и с предельной четкостью выписывали все детали. У глиняного сарафана всегда были глиняные завязочки, у глиняной барышни – глиняные сережки, а в глиняной печке — глиняные пирожки.
Во II-й половине XIX века гончарный промысел на территории Ковровского уезда получил новое развитие. Этому способствовало расширение торговли и обновление технологического процесса. Изделия начали изготавливать из голубой глины, затем обливать их суриком; а красная глина использовалась для выделки дна посуды или в качестве связующего вещества.
В этот период, как и в прежние времена, в дополнение к производству посуды небольшими партиями лепились игрушки. Предназначались игрушки для крестьян или городских мещан. На протяжении XIX—начала XX веков игрушки продавались только во Владимирской губернии. Постепенно промысел пришёл в упадок.
Возрождаться традиционный промысел в новом качестве на Ковровской земле начал лишь спустя столетие, в конце XX века. Современная история ковровской глиняной игрушки ведётся с 1993 года и возрождается энтузиастом Барановой Ниной Павловной. «Глиняный промысел» сегодня представляет ООО «Фабрика «Ковровская глиняная игрушка».
 
Ковровская глиняная игрушка
ХVI век — археологические артефакты,
1993 — фабрика «Ковровская игрушка», Баранова Нина Павловна
 
ИТОГИ второй лекции цикла:
— в 60-е  годы 20 века фиксируется факт объединения кустарных предприятий и преобразования их в государственную промышленность,
— советские художественные промыслы в начале 60-х годов оформлены в государственные промышленные предприятия и заточенны на массовый выпуск товаров, уникальное искусство промыслов приравнено к поточному выпуску стандартных сувениров,
— в 1992 году происходит разрушение созданного здания государственной промышленности народно-художественных промыслов, начинается приватизация промысловых предприятий.
 
Полная видеозапись первой лекции о народном искусстве и ремесле. Благодарим нашего коллегу и оператора Дмитрия Васильева за созданный и представленный материал.
 
Лекция 2, часть 1
 
Лекция 2, часть 2
 
 
Другие лекции цикла «ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы»
Лекция 3
Лекция 4
Лекция 5
 

 

 

 

Запустите волну сарафанного радио:

54 человек готовы участвовать в продвижении публикации, но ждут Вашего решения. (присоединиться)

сарафанных баллов

У нас не ставят лайков, мы выражаем признательность автору иначе! Каждый сарафанный балл, который Вы перечислите на баланс публикации, превратится в одного уникального читателя. Члены сообщества ИнфоНарод.РФ зарабатывают сарафанные баллы тем, что распространяют публикации. А в будущем, они так же вкладывают баллы в распространение других публикаций. Будьте ответственны! Не помогайте публикациям продвигаться, если они негативно влияют на окружающий мир. И наоборот, помогайте, если они направлены на развитие общества!

Зарегистрируйтесь в системе ИнфоНарод.РФ, чтобы продвигать публикации.

Раздел комментариев к данной публикации:


Автор комментария: Незарегистрированный пользователь
Дата публикации: 06/02/2017 (16:52)

Заголовок - "ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы". В первых двух лекциях ни слова на заявленную тему, одна история. Это, конечно, интересно, но те, кто это всё знает (а мастера художественных промыслов, как правило, в курсе того, чем они занимаются) пришёл бы на лекцию, купившись на тему заголовка, впустую потратили бы время.


Автор комментария: Максим Корнев
Дата публикации: 06/02/2017 (19:19)

Спасибо за лекции. Ждём следующии. Круг специалистов не очень широк,  нам знания, которые Вы даёте, интересны. Жаль,что не можем присутствовать на самих лекциях. Спасибо и за статьи, и за видео  лекций. А специалисту, который "всё знает" и написал комменарий http://infonarod.ru/comment/16229?cid=880&pcid=9809#comment-16229 хочется заметить, что специалист, который всё знает, уважает себя и других и не постеснялся бы указывать свои данные. 


Автор комментария: Незарегистрированный пользователь
Дата публикации: 18/06/2019 (11:09)

Уважаемая Анна Валерьевна! Хочу отметить неоторые неточности по расписному нижнетагильскому подносу, который отличается от урало-сибирской росписи своей техникой исполнительского мастерства. В частности, нижнетагильская роспись возникла не в 1746 г., а в 1770-е гг. Первая дата касается расписных изделий Троицкого завода заводчика А.Ф. Турчанинова. Современные научные материалы дают полное (а не поверхностное) представление об истории декоративной росписи по металлу на Урале с ее появления до настоящего времени.
А.С. Максяшин



Image CAPTCHA

Логотип

ИнфоНарод.РФ

Информационный портал для городских сообществ!

Предложить публикацию

@

Модераторы содержания канала: Чижиков Роман Сергеевич; Бертенёва Ирина Константиновна; Роман Горлов;
Дата создания: 15.03.2014 (14:39)