Лекция 3. ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы

Автор: Наволоцкая Анна Валерьевна
Дата публикации: 14.02.2017 (18:05)

Информация помечена тегами:

ремёсла народно-художественные промыслы кустарные промыслы абрамцевско-кудринская резьба Умелец Идеал Богородская резьба Усольская финифть Ростовская финифть Устюгская чернь КУБАЧИНСКИЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ИЗДЕЛИЯ Казаковская филиграеь Федоскинская миниатюра Палехская миниатюра Мстёрская миниатюра Кисловодский фарфор Семикаракорский фаянс Ярославская майолика Холмогорская резьба Уэленская резьба Тобольская резьба Варнавинская резьба Матрёшка Наволоцкая Инфонарод

6976
* количество прочтений.
 

РЕЗЬБА ПО ДЕРЕВУ

АБРАМЦЕВСКО-КУДРИНСКАЯ РЕЗЬБА

Абрамцевско-куринская резьба сформировалась в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево.

Возникновение промысла тесно связано с художниками абрамцевского кружка и в первую очередь Е.Д. Поленовой, организовавшей в усадьбе С.И. Мамонтова в 1882 году столярно-резчицкую мастерскую, в которой учились и работали резчики из окрестных сёл: Хотьково, Ахтырки, Кудрино, Мутовки.

Василий Петрович Ворносков

В 1890 году один из учеников В.П. Ворносков, основал собственное производство в родном селе Кудрине и стал работать по заказам абрамцевской мастерской. Эта, первоначально небольшая, мастерская и легла в основу будущего промысла. В кудринской мастерской сформировался особый стиль орнаментальной резьбы, были найдены удачные сочетания плоскорельефной резьбы с геометрической, заложены принципы органичного использования резного декора в утилитарных предметах. В первые годы работы большую помощь в становлении особого «ворносковского» стиля оказали профессиональные художники — В.И. Соколов, С.В. Малютин, сотрудники Кустарного музея.

 

Мастера одной из артелей у дома В.П. Ворноскова, 1913.

Усиление пресса внутренней торговли, директива всемерно удешевлять продукцию неизбежно била по художественному качеству резьбы. Если лучшие работы требовали набора инструмента до 35 стамесок, то к 80-м годам в «массовке» обходились тремя—пятью. Практика, разрушающая процесс творчества любого народного мастера, сохраняется до сих пор: нормативные документы, что давали «допуски» в доли миллиметров, как при машинной обработке металла, после длительной борьбы отменены, но начали действовать экономические законы рынка. Возможно, благодаря этому точность и выверенность даже свободного растительного узора стала характерной особенностью стиля так называемых авторских или «творческих работ» 70-х.

1882 — столярно-резчицкая мастерская в усадьбе С.И. Мамонтова, в которой учились и работали резчики из окрестных сёл: Хотьково, Ахтырки, Кудрино, Мутовки,
1890 — ученик столярно-резчицкой мастерской В.П. Ворносков, основал собственное производство в родном селе Кудрине,
1910—1932 — артели: в Хотькове (1910), Мутовках (1918), Куприне (1921), Левкове (1931), Ахтырке (1932),
1936 — Ахтырская объединенная артель,
1936 — выставка достижений народного искусства в Третьяковской галерее,
1937 — Всемирная выставка в Париже,
1940 — столярно-художественная артель, Хотьково,
1946 — Народное искусство, художественно-промысловая артель, Хотьково,
1960 — Хотьковская фабрика резных художественных изделий,
1990 — Народное искусство, ТОО

 

 Ковш. Автор Н.П. Бровина. Шкатулка. Автор 3.М. Зенкова. Ахтырская артель,Хотьково

Ученики В.П. Ворноскова организовали свои маленькие предприятия. В Хотьковском округе появились поначалу небольшие артели: в Хотькове (1910), Мутовках (1918), Куприне (1921), Левкове (1931), Ахтырке (1932). Позднее они объединились в Ахтырскую объединенную артель (1936, 1940), преобразованную в Хотьковскую фабрику резных художественных изделий (1960), ТОО «Народное искусство» (1980-е).

 

Портал «Охрана границ СССР», В.П. Ворносков. 1937

Кроме резьбы по дереву здесь получила развитие и резьба по кости. На Хотьковской фабрике резных художественных изделий выпускались декоративная миниатюрная скульптура из кости и украшения с ажурной и рельефной резьбой, изделия и скульптура из твердых пород дерева (например, из самшита).

Однако после развала Советского Союза косторезный промысел пришёл в упадок. Как и большинство предприятий народных промыслов, фабрика была практически разрушена: оборудование распродано, производственные и складские помещения сданы в аренду разнообразным коммерческим организациям, работа художников-косторезов перестала быть востребована, а уникальный коллектив распущен.

Мамонт. Хотьковская  фабрика резных художественных изделий

И только в 2013 году, когда хотьковской резной костью занялись новые владельцы, производство возродилось. Были снова открыты мастерские, закуплено новое оборудование. Для работы на фабрике были приглашены лучшие мастера косторезного искусства со всей России, восстановлены лучшие традиции уникального хотьковского стиля резьбы по кости. Как и полвека назад, когда фабрика только начинала осваивать резьбу по кости, огромный вклад в её становление и развитие вносят знаменитые мастера-резчики из Холмогор. 

 

Серьги Вероника. Хотьковская  фабрика резных художественных изделий

Фабрика резных художественных изделий — одно из самых успешных предприятий в области народных промыслов, а изделия, созданные её мастерами, пользуются исключительным успехом на многочисленных выставках и неизменным спросом среди покупателей.

Традиции абрамцевско-кудринской резьбы сохраняются благодаря усилиям Абрамцевского Художественно-Промышленного Колледжа им. В.М. Васнецова, в котором студенты осваивают азы промысла.

 

Богородский резчик 

Чумаков-Орлеанский Владимир (Россия, 1962) «Мужик и медведь» 

Cамым знаменитым центром резнчицкого ремесла стало село Богородское, расположенное в 29 километрах от Сергиева Посада. Игрушечные промыслы Сергиева Посада и села Богородского специалисты называют двумя ветвями на одном стволе. Действительно промыслы имеют общие корни: традиции древней столпообразной пластики и школы объемной, рельефной резьбы по дереву при Троице-Сергиевой Лавре, известной с XV столетия.

В Сергиевом Посаде существует предание о том, как в середине XVIII века один житель посада вырезал из липового чурака куклу размером в 9 вершков (40 см) и продал ее купцу Ерофееву, торговавшему у Лавры. Тот поставил ее как украшение в лавке. Игрушка тут же была куплена с большой выгодой для купца. После этого Ерофеев заказал целую партию таких игрушек.

 

Полешная игрушка, Сергиев Посад

По другому народному преданию, давным-давно в селе жила семья. Задумала мать позабавить малых детей. Вырезала она из чурбачка фигурку «ауку». Дети порадовались, поиграли и забросили «ауку» на печь. Раз муж стал собираться на базар и говорит: «Возьму-ка я «ауку» да и покажу на базаре торгашам». «Ауку» купили и еще заказали. С тех пор и повелась резьба игрушки в Богородском. И стала она называться «богородской».

Народные мастера, работая примитивным инструментом, сумели создать из дерева правдивые, реалистические липы фигурки животных и людей, из народной жизни, басен и сказок.

Особенно интересны игрушки с движением: на планках, с балансом, с кнопкой. Эти незамысловатые, но всегда остроумные по конструкции приспособления делают игрушку живой, выразительной и особо привлекательной.

Считается что самые ранние из сохранившихся произведений богородского промысла (находящиеся в Государственном историческом музее, Государственном Русском музее, Музее народного искусства им. С.Т. Морозова и Художественно-педагогическом музее игрушки) датируются началом XIX века. Вероятнее всего, правомерным будет отнести зарождение резной богородской игрушки к XVII—XVIII векам, а становление промысла к концу XVIII—началу XIX веков.

 

Отцы-основатели игрушечного промысла 

Богородском была организована артель. Это помогло богородчанам приобрести экономическую независимость от сергиевских скупщиков. Инициаторами создания артели стали уже достаточно известные в то время резчики А.Я. Чушкин и Ф.С. Балаев. Во главе артели стоял своеобразный «художественный совет», который состоял из старейших и опытных мастеров. Вновь вступающих в артель резчиков ставили сначала на самую легкую работу, если молодой мастер справлялся с изготовлением простой игрушки, ему усложняли задачу: выполнение фигур животных, многофигурных композиций.

В том же 1913 году в Богородском была открыта учебно-показательная мастерская с инструкторским классом, а в 1914 на её базе заработала земская школа, в которой обучались мальчики на полном пансионе.

 

 

В первое десятилетие после Октябрьской революции в Богородском сохранялись старые земские образцы, продукция промысла в большом количестве уходила на экспорт. В 1923 году была восстановлена артель «Богородский резчик», в которой продолжили свою работу мастера старшего поколения и Богородский промысел занимает одно из ведущих мест. Изменение общественного уклада стимулировало мастеров на поиски новых форм и художественных решений. Однако именно в то время возникает наметившаяся ещё в «земский период» проблема «станковизма». В 1930-х годах появляется так называемая игрушка-скульптура, отличавшаяся новизной темы.

Следующее два десятилетия (1930—1950-е) в дела промысла вновь вмешиваются художники-профессионалы и художественные критики — в основном сотрудники созданного в этот период научно-исследовательского института художественной промышленности (НИИХП). Не только в Богородском, но и на других промыслах начинается откровенная политизация. Мастерам называли темы, чуждые крестьянской природе и народному пониманию красоты. В Богородском реакцией на идеологический прессинг, стало развитие сказочной темы. Условность богородской резьбы, как нельзя лучше способствовала выражению необычного в сказке, созданию ярких и запоминающихся образов.

 

Цех резьбы в артели «Богородский резчик», 1960

 

Одной из самых трагических дат в истории богородского промысла можно назвать 1960 год, когда была ликвидирована традиционная для художественных промыслов артельная организация труда и заменена фабричной. Этот процесс иногда метко называют «офабричивание» промысла. С этого времени начинает умирать промысел, а на смену ему приходят понятия «художественная промышленность».

 

 

В 1970—1980-х годах на Богородской фабрике художественной резьбы работало около 200 резчиков. Среди них были и мастера высокого класса, которые разрабатывали интересные образцы, были мастера-исполнители. В связи с бурными событиями в конце 1980-х начале 1990-х годов, положение на промысле ухудшилось ещё больше. В настоящее время богородский промысел находится в бесконечном процессе борьбы за выживание, но фабрика продолжает выпускать продукцию. Сложная ситуация сложилась и в богородском художественно-промышленном техникуме. Это постоянный недобор именно местной молодежи; приток студентов из субъектов федерации с одной стороны способствует популяризации богородской художественной резьбы, а с другой сводит к нулю классическую богородскую традицию.

XVII—XVIII века — рождение промысла,
XVIII—начало XIX века — становление промысла,
1840—70-е — период расцвета богородского резного кустарного промысла,
1891 — учебно-показательная мастерская в Сергиевом Посаде, функции научно-исследовательского, учебного заведений, сбыт игрушек в России и за рубежом,
1913 — организации артели в Богородском, резчики А.Я. Чушкин и Ф.С. Балаев,
1913 — учебно-показательная мастерская в Богородском с инструкторским классом, 1914 — на базе мастерской заработала земская школа, в которой обучались мальчики на полном пансионе,
1923 — восстановление артели «Богородский резчик»,
1930-е — появление так называемой игрушки-скульптуры (проблемы станковизма),
1930—1950-е — в дела промысла вмешиваются художники-профессионалы и художественные критики НИИХП,
1960 — ликвидация традиционной для художественных промыслов артельная организация труда и заменена фабричной («офабричивание» промысла),
1970—1980-е — 200 резчиков на Богородской фабрике художественной резьбы,
конец 1980-х—начало 1990-х — ухудшение положения на промысле,
2000-е — борьба за выживание

 

Как создают Богородскую игрушку?

 

Игрушка с балансом «Курочки»                   Игрушка-дергун       Игрушка на планках «Развод»   

 
 

 

                   Самокат                           Игрушка на планках «Кузнецы»           Игрушка с  балансом, токарная

 

На игрушку идёт хорошо просушенная от нескольких месяцев до трёх лет на открытом воздухе древесина липы, осины и ольхи.

Игрушка бывает токарной и ручной работы: с первой проще — детали будущих игрушек вытачивают на станке, выпиливаются по шаблону, сборщики их соединяют, а живописцы делают роспись, если необходимо, и покрывают лаком.

Игрушка резная — ствол пилят на части, которые потом разрубают вдоль волокон на треугольные поленья в зависимости от необходимого размера игрушки. Потом игрушку «зарубают», т.е. придают ей самые общие очертания будущего произведения. Острейшим прямым богородским ножом («щучкой») снимают всю лишнюю древесину и моделируют форму. Окончательная отделка игрушки связана с работой мелкими полукруглыми стамесками (описка), с помощью которых изображается шерсть животного, перья птицы или детали одежды людей, тяжелые и легкие ткани, мех, кружева, ленты.

Другой прием окончательной отделки игрушки связан с ошкуриванием формы мелкой наждачной бумагой. Этим приемом обычно пользуются, чтобы передать гладкие поверхности. Затем деревянное чудо расписывается красками или покрывается лаком. Но чаще игрушки оставляют неокрашенными, сохраняя природный цвет и структуру дерева.

 

УМЕЛЕЦ, Киров

Упоминания о таких народных промыслах, как плетение из лозы, бересты, соломки и соснового корня относятся к 19 столетию.

Плетение из лозы

Плетение из ивового прута как ремесло появляется в России в XIX веке. Возникновению его во многом способствовала европейская мода на плетеные изделия и мебель. В Австро-Венгрии, Германии, Франции, Италии создавались музеи, школы лозоплетения, выпускались учебные пособия, ива стала растением, специально культивируемым на плантациях. Завезенные в Россию изделия из ивы пользовались широким спросом владельцев поместий; возникновение такого спроса и стимулировало опыты российских крестьян в области плетения из лозы.

На новую моду, новое дело быстро отреагировали и вятские кустари. Благо сырья у них было в изобилии и уже существовали свои традиции плетения из природных материалов.

 

 

Плели мастера ручные корзины и короба для переноски угля, жита, снега, производили тару для развоза пива и водки, делали рыболовные морды (верши). На высоком уровне было развито производство плетеных кузовов для саней, тарантасов и экипажей. На вятских базарах горожане с удовольствием раскупали удобные кресла, стулья, санки, тележки для детей, дорожные корзины, корзины для белья и цветов, мелкую посуду, разнообразные ширмы.

В конце XIX века рождается еще одно направление в промысле — начинает развиваться производство мебели из белых ивовых прутьев. Плетеная мебель мастера А.В. Исупова: диван, кресло, детское кресло, стул, табурет, — в 1890 году была представлена на Казанской выставке. В 1896 году этот же мастер стал участником и Всероссийской выставки в Нижнем Новгороде.

В 1893 году в Вятке открыта корзиночная мастерская, всего в губернии было открыто пять подобных мастерских.

В «Памятной книжке Вятской губернии» (1894) говорится о повсеместном распространении выделки плетеной мебели из лозы и о дальнейшем «распространении выделки гнутой мебели и обучения мебельщиков».

1895 год — открытие бесплатной берестяной мастерской работниками земского музея для дальнейшего развития уже сложившегося к концу 19 века бурачного промысла.

В 1909 году на Международной выставке в Казани изделия Вятской корзиночной (плетюшечной) мастерской отмечены Большой серебряной медалью. В 1914 году была разработана программа практических занятий корзиночно-мебельной мастерской, рассчитанной на три года обучения.

Прейскурант кустарного склада Вятского земства предлагал покупателям не только различную плетенную из лозы мебель, но и корзинки с переплетом из хвоща и соломы, комплекты ивовых корзин разного размера по 3—6 штук, корзинки для бумаг и цветов, ножей и вилок, ридикюли.

После революции с началом гражданской войны настали сложные времена и для ремесленников. Промысел в массе своей постепенно утрачивался. Однако в районах области, на крестьянских дворах, плетение еще существовало. Для себя умельцы продолжали плести самое необходимое и простое — корзины, верши, иногда даже мебель. Сохранением традиций лозоплетения занимались лишь в немногочисленных артелях.

Плетение из соснового корня

Самобытный вятский промысел — плетение из соснового корня известен с конца XIX века. Центром промысла было село Бобино с примыкавшими к нему селениями. Причиной тому служили два фактора — наличие необходимого материала в Бобинском бору и близость центра сбыта — города Вятки. На других же территориях Вятского края промысел развития не получил, так и оставшись малоизвестным.

В 1890 году газета «Вятские губернские ведомости» так писала о современном состоянии промысла: «Плетут разнообразные изделия, которые не могут не обратить на себя внимание по прочности, красоте и дешевизне: в большом количестве выделывают «чаруши», употребляемые для печения хлеба, а также сундуки, корзины для белья, баулы, корзины для бумаг и мелкие изделия. Хорошие сорта плетеных изделий идут через скупщиков в Петербург, Москву, даже Харьков и Одессу. Чарушников в Вятском уезде считается 101 человек. Лучшим мастером считается Николай Тимофеевич Бабинцев (село Бобино), уже экспонировавший на выставках и имеющий награды».

В прейскуранте Вятского кустарного склада, начиная с 1892 года предлагается следующий перечень сплетенных из соснового корня предметов: корзины дорожные (круглые и овальные, с замками и ремнями) с камышовой отделкой, корзины разные с металлическими шарнирами и петлями (базарницы, клубочницы, сухарницы), погребцы дорожные с прибором.

Несложность промысла, отсутствие крупных приспособлений и незначительное количество инструментов давали возможность вести работы в жилых помещениях, не требуя отдельных мастерских. Материалами для производства служили сосновые и еловые корни, причем материал кустари всегда заготавливали сами.

 

Подготовка соснового корня

Хорошим корнем считается такой, который при очистке получается длинным, тонким, ровным по всей длине и гибким, как бумажный шнур. Добытй корень сначала очищали от коры, расщепляли на 2—4 части. Затем эти широкие и узкие «ленты» замачивали и только после этого приступали к плетению. Плетеные корневые изделия вятских кустарей всегда отличались прочностью. С годами они не теряли своего вида, лишь слегка темнели, приобретая приятный охристо-коричневый оттенок. Крепость и долговечность материала объясняются наличием в корнях сосны смолы, способной отталкивать воду, в результате чего изделия не поддаются гниению. Поэтому неудивительно, что в крестьянских хозяйствах часто встречались изделия, сохранившиеся от дедов и прадедов.

 

Короб из соснового корня

В годы сталинских пятилеток кустари села Бобино объединяются в промартель «Бобинская артель по плетению корневых изделий».

Плетение из соломки

В 1871 году на заседании комиссии, учрежденной при Вятском губернском статистическом комитете по содействию Московской Политехнической выставке, было предложено приобрести образцы корзинок и шляп, сплетенных их соломы, обратившись с этой целью в Унинской волостное правление. И действительно, в Унях изделия из соломы плелись и на продажу. А работал мастер профессионально. Это подтвердили строчки в «Памятной книжке Вятской губернии» за 1873 год, через два года после первого письменного упоминания: «Плетением корзин и шляп из соломы занимается один человек в Унинской волости в Глазовском уезде, вырабатывая до 50 шляп по 30 коп. и 30 корзинок по 40 копеек каждая». Имя этого первого искусного кустаря по соломке история не сохранила.

 

Головной убор из соломы

В 1889 году «Вятские губернские ведомости» перепечатали заметку из «Волжского вестника», касающуюся нашего Слободского уезда: «…Здесь кустари в основном занимаются выделкой посуды и мебели. «Новинку», в смысле развития кустарной промышленности, представляет северо-западная Георгиевская волость, отстающая от города в 26 верстах. В этой волости с 1888 года появился новый промысел — выделка соломенных шляп. Этим ремеслом занимаются, главным образом, крестьянские мальчики, лет двенадцати-тринадцати, тем более что первым распространителем этого искусства оказался крестьянский мальчик села Шестакова Иван Елькин, который выучился ему у волостного писаря Олькова, а последний вынес шляпное ремесло из Орловского уезда, где этот промысел существует уже давно. 

И в Слободском кустарно-шляпное искусство было развито достаточно хорошо. Поэтому именно слободские шляпники в 1890 году Иван Лукич Елькин, Василий Иванович Елькин, Терентий Кириллович Козлов и Кузьма Тимофеевич Князев выставили свои изделия на Казанской выставке.

В 1899 году Вятское земство, желая быстрее внедрить соломенный промысел на территории губернии, открыло при кустарном музее и складе соломенную мастерскую. Цикл обучения в вятской земской мастерской длился один месяц, обучали новому ремеслу бесплатно и всех желающих. После таких мер изделия соломенной мастерской внесли в прейскурант Вятского склада и экспонировали на выставках. И хотя в архивах не зафиксировано какого-то одного центра по обработке соломки, это ремесло через мастерскую получило широкое распространение в Вятской губернии.

Изделия из соломки не только качественно совершенствовались, но и расширялся их ассортимент. Мастерская стала предлагать «сумки конусные, ридики, шляпы женские черные, детские пестрые».

На Всероссийской выставке в Санкт-Петербурге в 1902 году был открыт Вятский кустарный отдел, где в широком ассортименте представлены изделия из соломки.

В 1909 год проходит Международная выставка в Казани — Вятская корзиночная (плетюшечная) мастерская получает за свои изделия Большую серебряную медаль.

В начале XX века соломку уже научились красить в самые ходовые цвета: красный, розовый, фиолетовый, красно-фиолетовый, желтый, оранжевый, серый, зеленый. Но переменчивая мода и массовое распространение аксессуаров фабричного изготовления постепенно вытесняют соломенные изделия с вятского рынка.

 

История плетеных из ржаной соломки шкатулок начинается только в ХХ веке. Адрес зарождения этого промысла на Вятке — село Камешница Оричевского района. Долгое время здесь работала мастером Валентина Григорьевна Бояринцева, научившаяся этому ремеслу еще в детстве. В 1978 году она рассказывала: «От своих родителей я слышала, что плести шкатулки научил селян вернувшийся с Первой мировой войны солдат. А он выучился у кого-то из фронтовых друзей. С тех пор и стали заниматься этим делом. Разные формы изделий — это плод коллективного творчества».

Так в трудное время по окончании Первой мировой войны зародилось новое вятское ремесло. Постепенно к промыслу обратились не только женщины Камешницы, но и соседних деревень Шиховых и Коноваловщины. В 1940 году в Камешнице была организована художественно-промысловая артель «Самолет». В 1959 году газета «Кировская правда» дважды написала о Камешницкой артели, о ее новом изделии — сундучке из соломки. 

 

Технология плетения из соломы

В процессе изготовления плетёной шкатулки 

из ржаной соломы применяется комбинированная техника. Главная деталь (основа) такой шкатулки — круглый плетешок. Вообще для шкатулки требуется два плетешка: потолще — для контура и потоньше — для накладного запора-петельки и перемычек. Большое внимание уделяется оформлению поверхности — плетению четырех- и шестиугольников, чуть выпуклых посередине. На крестовину для них обычно берется проволочка, чтобы проще было закрепить их на шкатулке. Для изготовления каркаса шкатулки используется клееная фанера. В местах крепления плетеных деталей на каркасе сверлят сквозные отверстия и при помощи проволоки и ниток монтируют квадраты, ромбы, шестиугольники по бокам и на крышке шкатулки, а затем окантовывают их плетешками разной толщины. В завершение шкатулку изнутри оклеивают цветной бумагой.

В 1960 году после ликвидации промысловой кооперации камешницкие мастерицы вошли в состав надомного цеха Кировской фабрики художественных изделий. Для малоизвестной плетеной шкатулки начались новые времена. Полуфабрикат каркаса шкатулок стали делать в деревообрабатывающем цехе в городе Кирове, соломку теперь перестали красить и только отбеливали перекисью водорода с нашатырем, обклеенную бумагу заменили на однотонную. Изделия стали пользоваться более широким спросом.

 

Бурачный промысел

Мастера украшали бураки прорезным узором, тиснением или росписью. В росписи вятских бураков сложился собственный грубоватый стиль исполнения, сочетавший красный, синий, желтый, зеленый тона. Для вятской бурачной росписи характерны небольшие растительные мотивы: цветы, бутоны, листья и прочие композиции, в которых цветы группировались в гирлянды и букеты. Расписанные масляными красками с применением белильных разживок, вятские бураки выделялись среди бураков с иными широко известными разновидностями русской бурачной росписи.

М.Н. Шатров в своей книге «Кировские кустари» (1938 год) пропагандирует берестяное плетение как основательно сложившийся вятский промысел.Было время, когда бурачное производство считалось утраченным. В дома селян и горожан пришла другая посуда, заменившая бураки.

Однако в 1970-х годах вятский бурак вновь появился в магазинах, уже обновленный как удобная тара для сыпучих продуктов, которая одновременно украшала городские кухни. Выполнен бурак был в старых вятских традициях — с росписью и тиснением, — но изготовлялся он уже из сшивной, пластовой бересты. 

 

Технология изготовления бурака

Изготавливали бураки двумя способами — выворотным и сшивным.

Потомственный вятский мастер Евгений Петрович Кассин родом из деревни Туманы Юрьянского района вспоминал: «...В 1927—1928 годах дед делал бураки, и сам я тоже делал в 8 лет. Было интересно. Делали бурак размером со стакан».

   

 

Далее мастер так описал процесс изготовления вятского выворотного бурака: «Весной – летом в самый сок выбираем прямую березу. Роняем дерево. Потом начинаем отпиливать с вершины, отмеряя размер бурачка на бревне. Убираем снизу кору на 4 см. Затем берем елушку (расколотый пополам ствол небольшой ели) с заточенной вершиной. Этим сочилом обходим по кругу сверху и снизу заготовленное бревно. Затем в руках давим и поворачиваем заготовку, и кора вся снимается. Получается сколотень (берестяной «чулок»). Их заготовляли сразу много. Сколотни закупали даже в деревнях у крестьян. Затем делали дно и крышку из крупнокомлистой сосны. Ручной пилой делили чурбачок на части по 20—25 см, затем откалывали ножом дощечки по 1,5 см. Затем их сушили под навесом и стругали рубанком до 1 см.

«Замок» — низ бурачка делали также из бересты. Заготавливали заранее и другие материалы. Например, зимой припасали ивовые вички и сосновые корни длиной по 1,5—2 м, которые использовали для сшивания бурачка.

Когда всё было готово, начиналась сборка бурачка. Один сколотень вставляли в другой. У наружного сколотня делали шов по 3 см, внутренний сколотень был без шва. Конец сколотня опускали в горшок с кипятком и после распаривания загибали внутренней частью наружу, образуя бортик, так же выполнялся и низ бурака. Ручка (дужка) делалась из сосновой щепы, связывалась в нужной форме и сушилась. Затем выставлялись подготовленные дёнышко (дно) и крышка. Для плотности они изготавливались чуть больше нужного размера. После опускания бурака в кипяток донышко вставляли горизонтально, направляя сверху вниз. Также точно поступали с крышкой. После высыхания береста зажимала деревянные детали. Бурачок был готов».

Такой выворотный бурачок в силу свойств бересты не пропускал жидкость.

 

После 1917 года настают сложные времена для ремесленников. Уничтожение частников, объединяли мастеров в артели, а артели после стали перепрофилировать. Но все-таки некоторые мастера продолжают работать и создавать изделия в русле народных традиций. В районах Кировской области, а точнее, на крестьянском дворе, плетение еще живет, для себя умельцы продолжают плести самое простое — корзины, корзинки, верши.

В 1927 году в связи с кооперированием кустарей была организована артель «Вятская игрушка». В 1935 году из артели «Вятская игрушка» выделяется промысловое товарищество имени Второй пятилетки. Восстанавливаясь после Великой Отечественной войны, предприятие меняет название — становится артелью «Победа».

Газета «Кировская правда» за 1940 год сетует: «Заброшены все виды плетения, хотя берега рек и озер области поросли ивой». Через семь лет эта же газета констатирует: «В нашей области издавна существовал кустарный промысел — плетение различных изделий из ивы. Но за последние годы это производство было заброшено. Сейчас Кировский Союз художественных изделий принимает меры к возобновлению этого производства. В артели «Новая игрушка» Проснинского района создана бригада кустарей, которые обучаются плетению из ивы бельевых корзин, сухарниц, ваз и других вещей».

В 1960 году происходит объединение артели «Победа» с Камешнинской промартелью «Самолет», в результате чего образуется Кировская фабрика художественных изделий. В 1964 году эта фабрика объединяется с фабрикой «Идеал», а в 1968 году предприятие реорганизуется в Экспериментальную фабрику художественных изделий.

В 1975 года — на базе цеха надомного труда Экспериментальной фабрики создано предприятие «Умелец». Главной целью «Умельца» стало возрождение народных художественных промыслов, бытовавших на территории Вятского края.

Время создания предприятия — это время, когда передача ремесла «от отца к сыну», как было в старину, уже прервалась. И потому была проведена большая работа совместно с Научно-исследовательским институтом художественной промышленности по нахождению вятских умельцев и обучению ремеслу нового поколения. За первые пятнадцать лет деятельности предприятия восстановлены такие промыслы, как плетение из лозы, соломки, бересты, соснового корня, дранки, изготовление плетеной мебели, ручного ткачества, вязания из кроличьего и козьего пуха.

 

Продукция  предприятия «Умелец», 1980-е

В 1975  году Кировским областным художественным Советом производимые «Умельцем» изделия впервые отнесены к изделиям народных художественных промыслов.

1978 год — начало возрождения в Кировской области выворотных бураков на Уржумском производственном участке предприятия «Умелец»; возрождение ремесла по плетению изделий из соснового корня на производственном участке в поселке Демьяново.

 

Изделия из лозы предприятия «Умелец», 1980-е

1980 год — возрождение плетения из лозы, создание специального участка..

Газета «Кировская правда» от 3 августа 1985 года констатирует, что «темпы роста предприятия «Умелец» превышают запланированные как по объему товарной продукции, так и по ее реализации... В течение десяти лет «Умелец» не имеет рекламаций на качество своих изделий».

В 1991 году предприятие «Умелец» становится участником Ассоциации «Народные художественные промыслы России» (Москва).

В 1997 году «Умелец» награждается за победу в смотре-конкурсе и продвижение отечественных товаров на Межрегиональной выставке-ярмарке «Малый бизнес—1997».

Вскоре предприятие «Умелец» создает учебный центр, который выпускает будущих мастеров народных промыслов - молодых специалистов для предприятия. 

1882 — первый кустарный музей и учебная мастерская по плетению из лозы близ станции Голицино,
1890 — плетение из соснового и елового корней в селе Бобино Пластининской волости (недалеко от Вятки): «Плетут разнообразные изделия, которые не могут обратить внимание по прочности, красоте и дешевизне...» газета «Губернские новости»,
1890 — серебряная медаль за корневые изделия плетеной мебели мастера Андрея Исупова с Ильинского починка, а Николай Бабинцев из села Бобино на Казанской выставке,
1892 — плетёная мебель и изделия из лозы и соснового корня — в прейскуранте Вятского кустарного склада,, Киров,
1893 — первая корзиночная мастерская (всего их в губернии будет пять),
1894 — повсеместное распространение выделки плетёной мебели из лозы («Памятная книжка Вятской губернии»),
1895 —  открытие бесплатной берестяной мастерской работниками земского музея для развития сложившегося бурачного промысла,
1902 — открытие Вятского кустарного отдела на Всероссийской выставке в Санкт-Петербурге с ассортиментом изделий из соломки,
1947 — принятие мер по возобновлению плетения из ивы Кировским Союзом художественных изделий, возобновление производства в артели «Новая игрушка» Проснинского района,
1960 — объединение артели «Победа» с Камешнинской промартелью «Самолет» в Кировскую фабрику художественных изделий,
1964 — объединение Кировской фабрики художественных изделий с фабрикой «Идеал», 
1968 — реорганизация в Кировской фабрики художественных изделий в Экспериментальную фабрику художественных изделий,
1975 — создание предприятия «Умелец» на базе цеха надомного труда Экспериментальной фабрики.
 
Аналоговое предприятие
1999 —  Центр народных промыслов и ремёсел «Вятка», ООО

 

Идеал

Заставка из книги М.Н. Шатрова «Кировские кустари» (Киров, 1938), художник А. Люстрицкий

В письменных источниках производство изделий из капа относится к XVIII веку.  Известный общественный деятель, историк В.Н. Татищев, работавший в начале XVIII века на Урале, в книге «Предложение о сочинении истории и географии России» указывал, что «в Вятке вырабатывается каповая посуда». Подтверждением тому, что здесь уже существовал развитый каповый промысел, служат и письма архиерея вятского и великопермского Алексия Титова к жене Петра I Екатерине в марте 1721 года: «..челом бью в дар Вашему Величеству от убогия моея келий часы серебряные... еще же Вашему Величеству челом бью двенадцать чашек каповых, которые у нас на Вятке строятся...».

Родоначальником каповых дел на Вятской земле считается столяр из города Слободского Григорий Макаров.

К концу XIX века в этом промысле уже работало более сорока человек. Центр его находился в Вятке, а ряд мастерских — в двух ближних волостях: Троицкой и Щербининской. «От них идет масса дешевых корешковых изделий». Кап, который встречается все реже, используют только на фанеровку и мелкие вещи. 

В 1909 году в нем занято уже 163 человека. Поскольку в основном производят более дешевые корешковые предметы, у мастеров пропадает охота колесить по Руси. Изделия свои они продают теперь через земский склад или (в основном) через 2—3-х скупщиков, имеющих хорошо поставленную связь даже с заграницей — Англией, Францией, Германией.

Вятское земство выставляет каповые изделия на Международной выставке в Турине в 1910 году и получает золотую медаль. 

Своё название кап получил в древности, считается, что происходит оно от древнеславянского слова кап — голова. Капы — наросты на деревьях. Они могут появиться на любом дереве. В разрезе они напоминают мрамор. Разрастаются капы сильно и иногда могут достигать веса до 1 тонны. Кап, растущий на стволе дерева, называют стволовым, а у корня — капо-корнем (он встречается в лесу гораздо чаще стволового и может достигать полутора метров в поперечнике). Рисунок волокон капа очень красив, особенно у тех пород деревьев, которые имеют полосатую текстуру. Текстуру волокон капа часто сравнивают с мрамором.

 

Срез капа

 

Скупщики добывали материал, распиливали его и заготовки раздавали кустарям. Спрос был «настолько велик, что ни кустарный склад, ни скупщики не в состоянии удовлетворить его хотя бы наполовину».

Обсуждая проблемы промысла, очередная сессия Земского собрания приходит к решению: чтоб «кустарному складу занять подобающее место в жизни промысла», необходимо создать образцевую или учебную мастерскую для калевщиков, оборудовав ее станками и круглой ленточной пилой. Но надвигающиеся революционные события оттеснили проблемы вятских каповщиков. 

Первая советская артель каповщиков возникла в Вятке, объединив в 1924 году 11 городских мастеров. Свое название — «Экспорт» — она получила не случайно: изделия вятских мастеров, как и прежде, пользовались за границей большим спросом.

Выло решено создать подобную артель, но уже объединив 100 мастеров, в городе Халтурине. Она получила звонкое название «МЮД», что означало «Международный юношеский день» Название оправдало себя: работать в артель пришла в основном молодежь.

Но помимо этих двух артелей оставалось еще много кустарей, работавших в одиночку по деревням, неподалеку от Вятки. Так, по обследованиям 1925 года выясняется, что в 57 селениях проживали 285 каповщиков.

В 1935 году после совещания кустарей, специально созванного в Вятке, чтобы обсудить возникшие проблемы, «Вятская правда» писала: «Главная беда — почти исчез кустарь «искусник», который любил производить сложные изделия из корешка, любоваться ими, не жалея времени на выработку... На совещании кустари указали на причины, которые побудили многих бросить свой промысел. Главная из них: погоня артелей за выработкой однообразного ассортимента (портсигары, коробки, пудреницы), невнимание к кустарю-надомнику, уравниловка в зарплате. Серьезная ставится задача — разбудить, поощрить инициативу кустарей, путем социалистического соревнования расширить творческую самодеятельность... Можно организовать бригады высококвалифицированных кустарей, которые явились бы школой высшего мастерства. Восстановить профтехшколу... пересмотреть расценки, премировать наиболее ценные изделия». 

Непосредственным предшественником современного предприятия «Идеал Плюс» является артель «Идеал», образованная в июне 1943 года в деревне Лопатовской. Со дня своего образования артель специализировалась на производстве изделий из капокорня, причем до октября 1946 года производство велось исключительно надомным трудом — в артели числилось 6 человек административного персонала и 81 надомник.

Изделия из капа

Процесс подготовки и обработки капового материала, передаваемый мастерами из поколения в поколение, практически не изменился. При изготовлении различных изделий мастер творчески подходит к своей работе, но основные этапы подготовки и производства шкатулок остаются неизменными с давних времен. В результате изделия мастеров прошлого века мало чем отличаются от современных. К такому результату и стремятся современные мастера-каповщики, сознательно сохраняя образ капового изделия таким, каким он существовал на протяжении столетий, избегая радикальных нововведений.

 

Шкатулка из капа с секретом, из ассортимента  предприятия «Идеал», 1980-е

Шкатулки большого размера производства, как правило, имеют секретные отделения (ящички), открыть которые можно только путем нажатия на определенное место шкатулки.

В целом же процесс изготовления изделий из капа таков. Из подготовленных пластин (влажность 8—12%) на циркулярной или ленточной пиле заготавливают наборы (крышки, стенки, донышки и т.д.). Эти детали шлифуют на шлифовальном станке, после чего лакируют внутренние стороны будущих изделий. Затем из наборов собирают (склеивают) шкатулки заданных размеров.

Отдельно столяр собирает механизм и корпус секретного (одного или более) отделения, шкатулки, и только после этого шкатулка собирается полностью, т.е. корпус склеивают с секретом, наклеивают наружную отделку (плинты и бурты). Плинт — тонкая каповая пластина в нижней части шкатулки. Бурт — заоваленная деталь, приклеенная по периметру крышки шкатулки.

Заключительная часть работы — полировка. Для полировки шкатулок традиционно используется шеллак и шеллачная политура. Шеллак разводят этиловым спиртом и покрывают им изделие. После высыхания лака (не менее суток) наждачной бумагой убирают неровности и наносят следующий слой лака. Всего наносится не менее трех слоев лака, причем каждый раз лак должен полностью высохнуть. И наконец, следует располировка шеллачной политурой. По окончании располировки изделие еще должно просохнуть не менее суток.

 

В 1950 году для артели «Идеал» начато строительство производственного здания и сушилки, однако в это же время наступили трудности с заготовкой капокорня – его запасы в вятских лесах сильно сократились.

1952 году проблема с заготовкой капокорня получает необходимое разрешение — вятским производителям изделий из капа дозволено производить заготовку капокорня в Курганской и Новосибирской областях, а несколько позднее и на территории Башкирской АССР.

Последовавшие затем успехи предприятия получили высокую оценку на Всероссийской выставке изделий народных художественных промыслов (Москва, 1960), по итогам которой артели «Идеал» присужден Диплом второй степени за выпуск широкого ассортимента изделий из капокорня.

В том же 1960 году артель «Идеал» была реорганизована в фабрику — Кировскую фабрику капокорешковых изделий «Идеал».

Расширяется производство, усложняется технология. Так, в 1962 году на фабрике налажено оформление изделий (бусы, пуговицы, пряжки, головоломки, курительные трубки и проч.) методом механического выжигания. 

 

Шкатулка. Автор Е.А. Шишкина. Артель «Победа», Киров, 1954

Вскоре последовала реорганизация предприятия. 1 января 1964 года к Кировской фабрике капокорешковых изделий «Идеал» было присоединено другое крупное предприятие в сфере народных художественных промыслов — Кировская фабрика художественных изделий, образованная в 1960 году из артелей «Самолёт» (организована в 1940) и «Победа» (организована в 1934), занимавшихся производством изделий из дерева.

Шкатулки с инкрустацией соломкой

 

Шкатулка с инкрустацией соломкой, из ассортимента  предприятия «Идеал», 1980-е

Для украшения шкатулок из липы применяется ржаная соломка, подкрашенная или естественного цвета. Нарезанная кубиками, ромбиками, полосками, кружками она используется для инкрустации изделий. Покрывая соломенным орнаментом свое произведение, мастера словно плетут золотое кружево, каждый раз создавая неповторимый «золотой» узор.

 

Резные шкатулки

 

Резная шкатулка, из ассортимента  предприятия «Идеал», 1980-е

Другим применяемым на предприятии видом украшения шкатулок является резьба. Из простейших элементов мастера-резчики создают разнообразные узоры. Резьба выполняется в виде двугранных и трехгранных выемок, образующих на поверхности изделия узор из геометрических фигур. Элементы орнаментов традиционны — это розетки, ромбы, треугольники, полукружия. Характерна контурная обводка основных элементов узора. Применяется и традиционная для вятской шкатулки отделка – покрытие поверхности изделия после нанесения резьбы темной морилкой при оставлении граней порезок светлыми, что придает графичность геометрическому орнаменту.

 

Шкатулки с росписью

Шкатулка деревянная с резьбой и росписью, 1950

На Вятке существовала своя особая роспись и на е, ее элементами наши предки украшали предметы домашнего обихода — образцы вятской росписи сохранились на прялках, досках, сундуках, бураках и на другой деревянной утвари. Сегодня эти предметы можно увидеть в постоянной экспозиции Кировского областного краеведческого музея.

Вятская роспись очень символична. В вятской росписи встречается изображение дерева — символа энергии, жизни, радости; круг олицетворяет солнце; изображение нескольких кругов обозначает движение солнца по небосводу. Львы, которых также можно встретить на старинных предметах быта, олицетворяют собой мужскую силу, а птицы символизируют вести или небесных посланников.

При окраске сундуков вместо кистей вятчане использовали заячьи лапки. Инструментом в росписи служили чеканы —  деревянные палочки длиной примерно 18 сантиметров, различной толщины, с вырезанными на торцах изображениями цветов, крестиков, звездочек и других узоров.

Приступая к росписи, мастера сначала из обрезков овечьей кожи готовили клей. Этим клеем с помощью заячьей лапки или кисти из луба покрывали поверхность, и пока клей не высох, делали фон для росписи. Потом сундук покрывали еще одним слоем клея, и только затем начинали расписывать.

С помощью линейки и циркуля мастера намечали на сундуке тонкими линиями членения композиции. На поверхности всех окрашенных стенок рисовали широкую раму. Такой же широкой полосой переднюю стенку и крышку делили на два разных квадрата, в них проводили диагонали, на пересечении которых рисовали окружности. Иногда углы квадратов отмечали наугольниками, в центре рисовали ромбы, а в ромбах круги. Ромбы и круги закрашивали сплошь каким-нибудь из участвующих в росписи цветов. Когда краски просыхали, всю поверхность крышки и стенок расписывали зеленой краской или голландской сажей под оковку, а затем желтым кроном или белилами печатали чеканами разные узоры.

 

Шкатулка инкрустированная соломкой, из ассортимента  предприятия «Идеал», 1980-е

Традиции вятской росписи сохраняются в оформлении шкатулок. Техника росписи проста. После распределения основных пятен композиции производится разбивка. Наносится она обычно белилами, особым способом, когда одну сторону кисти макают в белила и одним округлым мазком превращают подмалевок в лепесток или ягодку.

В 1965 году фабрика передана в ведение Министерства местной промышленности РСФСР.

В 1967 году на фабрике «Идеал» организован участок инкрустации соломкой, а в 1969 году начато строительство здания фабрики — дом №12 по улице Бородулина города Кирова. Введен в эксплуатацию производственный корпус.

В 1970 году деятельность фабрики была скорректирована, что отразилось и на названии предприятия — Кировская фабрика художественных изделий «Идеал» переименовывалась в Кировскую экспериментальную фабрику художественных изделий, главной задачей которой должно было стать улучшение производства традиционных изделий, восстановление в области забытых промыслов, создание образцов новых видов изделий. В  1975 году, предприятие опять получило новое название — фабрика художественных изделий «Идеал».

Изделия из капа, ассортимент предприятия «Идеал», 1980-е 

Под таким названием предприятие проработало до 1993 года, когда его переименовали в товарищество с ограниченной ответственностью «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал». В 1999 году оно сменило хозяйственно-организационную форму, став закрытым акционерным обществом.

В 2001 году Министерством промышленности, науки и технологий РФ изделия ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал» утверждены в качестве изделий народных художественных промыслов. Тем не менее в 2006 году ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал» было ликвидировано, и выпуск ее продукции прекратился.

21 августа 2006 года на производственных площадях, ранее принадлежавших ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал», организованно новое предприятие ООО «Идеал Плюс», выпускающее аналогичную продукцию, которая вскоре также оказывается признанной в качестве изделий народных художественных промыслов.

В 2010 году на предприятии возобновлено производство плетеных шкатулок из ржаной соломки, а также производство музыкальных шкатулок, аналогичных тем, что некогда производили мастера вышеупомянутой артели «Самолёт».

c XVIII века в Вятке,
1924 — первая советская капокорешковая артель «Экспорт» в Вятке, 11 городских мастеров,
1925 — артель «МЮД», что означало «Международный юношеский день» в Халтурине, 100 мастеров,
1943 — капокорешковая артель «Идеал», деревня Лопатовская,
1946 — 81 надомник,
1950 — проблема с заготовкой капокорня,
1952 — заготовка капокорня в Курганской и Новосибирской и областях,
1960 — реорганизация артели «Идеал» в Кировскую фабрику капокорешковых изделий «Идеал»,
1964 —  к «Идеалу» было присоединено Кировская фабрика художественных изделий, образованная в 1960 году из артелей «Самолёт» (организована в 1940) и «Победа» (организована в 1934), занимавшихся производством изделий из дерева,
1964—1970 — Кировская фабрика художественных изделий,
1970—1975 — Кировская экспериментальная фабрика художественных изделий, 
1975—1993 — Идеал, фабрика художественных изделий,
1993—1999 — Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал», ТОО,
1999—2006 — Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал», ЗАО, 
2006 — Идеал Плюс, ООО
 
Аналоговые предприятия:
1991 — Вятские промыслы, ООО, предприятие, специализирующееся на производстве шкатулок с соломенной инкрустацией,
2011 — Каповая шкатулка, ООО

 

При создании продукции компании «Идеал плюс» используется древесина лиственных пород (липа, береза). Вся художественная обработка изделий — резьба по дереву, кистевая роспись, инкрустация соломкой, выжигание  выполняются вручную с использованием традиционных инструментов (кисти, резака).

 

ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ

Казаковская филигрань, предприятие художественных изделий 

 

Сувенир «Санки». Сундучок «Сказка» 

Один из древнейших видов художественной обработки металла — скань (от древнерусского — свивать), или — филигрань (от итальянского filigrana, в свою очередь это слово происходит от латинского слов filum (нитка) и granum (зерно), поскольку узор иногда выполняется не только из витой проволоки, но из мельчайших металлических шариков).

Филигрань можно назвать апофеозом древнего ювелирного искусства. Для изготовления филиграни применяется способ скручивания тончайшей проволоки из драгоценных металлов (золота или серебра).

На Руси филигранные изделия встречаются уже в раскопках курганов IX века. Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVII веке потребность в них увеличивается. Появляется разделение труда, отдельные мастера осуществляют изготовление проволоки, сканных элементов. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. С XIX века изделия из филиграни выпускались фабриками в больших количествах. Они — разнообразны и по назначению и по ассортименту; дорогая посуда, церковная утварь, принадлежности туалета.

Красносельский ювелирный промысел способствовал возникновению в советские годы филигранного производства в селе Казаково Горьковской области и в поселке Мстера, Владимирской области. В казаковской артели «Металлист», организованной в 1927 году, входящей в известный промысловый Павловский куст и выпускающей столовые приборы и хозяйственные инструменты, филигранный цех был организован в 1939 году. И в годы Великой Отечественной войны артель не прекращала своей работы: плели офицерские погоны, делали для них звездочки, изготавливали портсигары. В послевоенное время — освоили ножевое и вилочное производство.

Подстаканник, выпускавшийся в 70-х годах XX века

В развитии искусства филиграни заметных успехов казаковская артель достигла в послевоенные годы. В первых филигранных изделиях этой артели, в частности в работах О. Таракановой, чувствовалось подражание кружевным узорам. В дальнейшем был выработан свой тип филигранного орнамента. Особенно успешно стала развертываться творческая работа в этой артели в 50-х годах. В артель пришли молодые художницы Л. Савельева и В. Касаткина; была начата работа не только над филигранным узором, но и над формой изделий, что сильно способствовало улучшению художественного качества продукции. Филигранные вазы и сухарницы, имеющие форму корзиночки, блюда, чаши и т. д., разработанные по рисункам этих художниц, —  бесспорное достижение артели. Это кропотливый труд: за день сборщица может набрать на листе бумаги не больше шести подстаканников, а ювелир-монтировщик смонтировать не более двенадцати. Трудоемкие изделия собираются месяцами.

Шкатулка «Россия» 

Приемником традиций и навыков Казаковскои артели стало ЗАО «Казаковское предприятие художественных изделий» (КПХИ). Предприятие наследует и развивает богатейшие традиции прошлого, ищет и осваивает все новые виды изделий. 

Казаковский завод выпускает самые разнообразные художественные изделия: декоративные вазы и чаши, шкатулки с музыкой, подстаканники, вазы, конфетницы, женские украшения, чайные ложки, кубки, медали, значки, ордена и знаки различия для Российской армии. В последние годы на предприятии стали изготавливать предметы церковного направления — настольные и подвесные лампады, оклады к иконам, кресты, панагии. 

Кроме того, на предприятии изготавливаются филигранные изделия с геральдикой и символикой как государственных органов, так и частных компаний. С 1998 года предприятие получило право работать с клеймом Патриарших мастерских с благословения Патриарха Всея Руси.

Летом 2009 года КПХИ работало 3 дня в неделю. В сентябре 2010 года предприятие вошло в федеральную программу сохранения и развития народных художественных промыслов и ремесел, и положение наладилось — только успевали выполнять заказы. В конце 2012-го работали практически без выходных.

Сувенирный подстаканник стоит от полутора тысяч до 5 тысяч рублей, но если он выполнен из чистого серебра — это уже другая цена (от 7 до 20 тысяч рублей), да уже и не сувенир — это семейная реликвия.

Наиболее доступны каждому ювелирные изделия: серьги и броши стоят недорого, особой прибыли предприятию не приносят, но для популяризации промысла незаменимы.

 

Коллектив ЗАО «Казаковское предприятие художественных изделий» — 92 человека. Подготовка мастеров проводится через Государственное образовательное учреждение среднего профессионального образования «Павловский техникум народных художественных промыслов России» и наставничество. 

1927 — металлический промысел в Казаково, Вачский район Нижегородской область,
1939 — Казаковская металлическая артель,
1990 — Казаковское предприятие художественных изделий, ЗАО,
1992 — Казаковское предприятие художественных изделий, ОАО,
1998 — право работать с клеймом Патриарших мастерских ,
2002 — Казаковское предприятие художественных изделий, ЗАО

 

Великоустюгский Завод «Северная Чернь»

СЕВЕРНАЯ ЧЕРНЬ

Чернение по серебру, как вид народного художественного промысла, известно со времен Киевской Руси. Серебряные изделия, украшенные черневыми узорами, изготавливались уже в X веке. Особой же известностью пользовалась северная чернь по серебру.

Впервые Великоустюгское чернение по серебру было упомянуто в середине XVIII века, когда было решено отправить в Москву мастера Великого Устюга Климшина (по др. источникам Климушкина) для обучения черневому искусству местных ремесленников. Наверно, немало дней провел в дороге мастер Михаил Климшин, добираясь из родного города в Москву. 

Серебряная табакерка работы Михаила Климшина

Около года работал мастер в столице, обучая здешних ювелиров, — вот как ценилось искусство земляков Климшина! Судя по всему, московские серебряники многому научились: сохранилось немало их работ второй половины XVIII века.

Черневому искусству способствовало наличие в Великом Устюге множества лавок по торговле серебром, которое является основным сырьем для промысла, а также условий для сбыта черневых изделий. Секрет Великоустюгской черни передавался «из рода в род» и постепенно совершенствовался мастерами.

Северную чернь характеризует особо прочный черневой состав, пропорции составляющих частей которого сохранялись как профессиональный секрет великоустюжских мастеров. Стилистические особенности их творчества оказали влияние на работы мастеров Архангельска, Вятки, далёкого Тобольска.

Табакерка фабрики купцов Поповых в Оружейной палате 

В 1761 году братья Степан и Афанасий Поповы открыли фабрику, которая выпускала серебряные с чернью изделия, а также эмалевую посуду с серебряными накладками. Мастера, жившие в городе, пришли на фабрику. Их изделия прославили Устюг: модные тогда табакерки, ларцы, подносы, коробочки с интересными сюжетными рисунками пользовались большим успехом в Москве и Петербурге.

 

В то время и в других русских городах — Костроме, Вологде, Тобольске изготовляли черневые изделия не без влияния великоустюжских мастеров, но они не были столь разнообразны и красивы по форме, как в Великом Устюге, нигде бы вы не встретили столько привлекательных сюжетов и такой прекрасной ювелирной отделки.

15 лет просуществовала фабрика Поповых. Потом один из пожаров, от которых часто страдал город, уничтожил здание. Владельцы были разорены и не смогли восстановить свое дело... Но северная чернь не умерла — мастера продолжали работать семьями.

В 1786 году в Великом Устюге была открыта серебряная управа, которая вела учет выпускаемых Устюжскими мастерами серебряных изделий. Известными черневыми мастерами XVIII века считаются Михаил Климшин, Петр Петрович и Иван Петрович Жилины, Иван Алексеевич Кошков.

 

 

В начале XIX веке на северное черневое искусство огромное влияние оказал классицизм. Черневые рисунки того времени становятся графичными с четко прорисованными деталями. Вместе с тем в изделиях северной черни времен классицизма наглядно проявляются черты, присущие народному искусству, такие, как декоративность и богатство узора, традиционная законченность композиций. Любовь к своему городу устюжане выражали в многочисленных панорамах, помещаемых на самых разнообразных предметах. Несмотря на миниатюрные размеры, тонко награвированные пейзажи достоверно передают основные архитектурные ансамбли знаменитой набережной Великого Устюга.

В XIX веке Великий Устюг оказался не в состоянии конкурировать с крупными производствами столицы, которые выпускали дешевые серебряные изделия с простыми орнаментами, это вынудило сократить производство.

В начале же XX века черневое производство в Великом Устюге практически прекратило существовать, и единственным видным мастером оставался Михаил Иванович Кошков, который долгое время хранил секрет состава северной черни. Он передал секрет черни своему внуку Михаилу Павловичу Чиркову.

Ручной труд гравёра

Искусство черни — своеобразная гравюра на серебре. Мастер специальным инструментом — цеером гравирует рисунок. Чернь представляет собой сплав серебра и других компонентов (меди, свинца, серы), создаваемых в особом температурном и временном режиме. Соотношение каждого ингредиента черни являлось тайной старых мастеров великоустюгского промысла. Приготовленная чернь имеет вид темно-серого камня, который легко размалывается в порошок. Этот порошок смачивают и полученную темную кашеобразную массу накладывают ровным слоем 1-2 мм на серебряную поверхность с выгравированным рисунком. Участки изделия, где отсутствует рисунок, замазываются огнеупорной глиной. После наложения черни, изделие прокаливается на огне так, чтобы чернь расплавилась и заполнила все самые мелкие штрихи, сделанные резцом гравера. При обжиге чернь прочно соединяется с основным металлом, превращаясь в твердое темно-бурое покрытие, которое затем в несколько приемов снимается до тех пор, пока не появится черневой рисунок на серебре.

В результате черный сплав остается только в углублениях. Таким образом, в зависимости от того, как был задуман и выполнен рисунок, получается либо черневое изображение на блестящей поверхности, либо, наоборот, черный фон, на котором светлый рисунок. Композиция дополнительно обогащается гравировкой, чеканкой, золочением, канфарением фона — прочеканиванием специальным острым инструментом, который создает зернистую фактуру поверхности металла.

Повсеместно распространены узоры со стилизованными акантовыми листьями

В 1929 году под руководством М.П. Чиркова было организовано промышленное предприятие «Экспортная мастерская». С 1931 года в мастерскую начали набирать учеников, которых обучал сам Чирков, и мастерская начала постепенно расширять свою деятельность. Под его руководством молодые мастера освоили художественные приемы и технику черневого дела. Но уже в 1933 году мастерская была ликвидирована, а на ее базе была организована кустарно-промысловая артель «Северная Чернь», где был налажен выпуск ювелирных изделий.

 

Е.П. Шильниковский,.Серебряная медаль и диплом выставки Парижской выставки, 1937

 

В 1932 году образовавшаяся артель «Северная чернь» налаживает выпуск серебряных изделий с изысканным цветочным орнаментом. К созданию новых рисунков Чирков привлек выпускника Петербургской академии художников художника Е.П. Шильниковского. который сумел восстановить утерянные традиции. Также он ввел новые темы черневого рисунка, в частности, русские сказки. В 1937 году на Парижской выставке крупная партия серебряных изделий с рисунками Е.П. Шильниковского на тему произведений А.С. Пушкина получила серебряную медаль и диплом.

 

Артель в 1961 году была преобразована фабрику «Северная Чернь». Сегодня его наследником является крупное предприятие ЗАО «Великоустюгский Завод «Северная Чернь» — крупнейший производитель серебряных изделий, украшенных черневыми узорами. Ассортимент предприятия насчитывает множество изделий, основную часть которых составляет посудная группа. Все изделия изготовлены вручную с соблюдением старинной технологии промысла. 

X—XII век —зарождение промысла,
XVIII век — расцвет промысла: в столицу вызывают Михаила Климшина для обучения черновому искусству «московских жителей от купечества»,
1762 — фабрики братьев Поповых,
1880-е — мастер М.И. Кошков передаёт тайны искусства  М.П. Чиркову,
1929—1933   — промышленное предприятие «Экспортная мастерская» (организатор М.П. Чирков) с элементом обучения,
1934 — артель «Северная чернь»,
1961 — фабрика «Северная чернь»,
1993 —  Северная чернь, ТОО,
1995 — Великоустюгский Завод «Северная Чернь, ЗАО 

 

Кубачинский художественный комбинат

КУБАЧИ

 

Одним из традиционных видов декоративно-прикладного искусства Дагестана является художественная обработка металла, непревзойденным центром которого считается аул мастеров Кубачи. Истоки кубачинского искусства уходят в глубокую древность. По свидетельству исследователей и результатам археологических раскопок установлено, что исторические корни художественной обработки металла в Дагестане уходят в медно-бронзовый век, в IV—III тысячелетие до н.э.

Кубачинский ювелирный промысел — традиционный дагестанский с художественный промысел с центром в посёлке Кубачи Дахадаевского района Дагестанской АССР. Изделия кубачинских мастеров известные ещё с VII века нашей эры, уже тогда они высоко ценились в странах Ближнего востока и в Закавказье. Кубачинцы-зерихгерани выплавляли железо из руды в местностиоколо аула Чумли, а затем металл привозился в Угбуг-Кубачи, где его окончательно обрабатывали.

 

Аул Кубачи  известен как центр ювелирного, медно-чеканного, оружейного дела, а также промыслов по обработке камня и дерева. Слава Кубачей связана с вековыми традициями в начале мастеров-кольчужников, позже златокузнецов, украшавших холодное и огнестрельное оружие, а также ювелиров.

Музей кубачинского художественного комбината

Художественная обработка металла известна здесь с глубокой древности. Кубачинские изделия, украшенные чернью, гравировкой, насечкой золотом, резной слоновой костью высоко ценились на протяжении столетий как в странах мусульманского Востока, так и в Европе. Кроме ювелирного и оружейного дела, мужское население Кубачей занималось также созданием широко бытовавшей в Дагестане медно-чеканной утвари, художественной обработкой камня и дерева.

Кубачинский стиль 

Начиная с IX века жители села занимались изготовлением кольчуг, холодного оружия, однако прославились они изготовлением художественно отделанного холодного и огнестрельного оружия, женских украшений. Термин «кубачинское оружие» — достаточно широко известен в кругах музейных работников, коллекционеров оружия, ценителей художественного металла. Изготавливались также пряжки для поясов газыри, серьги, браслеты. Секреты профессии передавались из поколения в поколение. Каждый мастер владел личными секретами ремесла.

В Кубачинском ювелирном искусстве с начала ХХ века используются разнообразные виды гравировки, которая отличается от всех известных аналогов. Это отличие проявляется в формах резцов, их заточке, приемах нанесения с их помощью узоров на декорируемую поверхность.

Мастер за работой

В 1924 году мастерами из села Кубачи была организована художественная артель «Ремесленник». Мастера в этот период наряду с традиционными женскими украшениями и оружием начинают изготавливать портсигары, подстаканники, чайные ложки и другие предметы столового серебра. В последующие десятилетия к славе кубачинских оружейников прошлого добавилась известность поселка Кубачи как центра современного декоративно-прикладного искусства, развивающего художественные традиции своих предков.

В 1932 году правительством страны был выделен государственный фонд серебра для производства кубачинских изделий различного ассортимента. Артель «Ремесленник» была переименована в артель «Экспорт». В 1937 году на Всемирной выставке искусств в Париже изделиям мастеров артели были присуждены высшие награды — Гран-при. В связи с большим значением с. Кубачи и в целях сохранения его традиционного народного искусства по решению правительства в 1938—1940 годах было построено здание производственных мастерских.

В 1960 году артель была реорганизована в «Кубачинский Художественный Комбинат» (КХК). 

Браслет

В последнее время кубачинские мастера заняты возрождением искусства женских украшений, забытых декоративных приемов, а также работают над созданием новых уникальных изделий в соответствии с меняющейся рыночной конъюнктуре.

Для кубачинских серебряных изделий характерна чернь по серебру, покрывающая изделие и сочетающаяся с резьбой, гравированным орнаментом, золочением, филигранью, сканью, чеканкой, золотой насечкой, резной костью, цветной эмалью, вставками из полудрагоценных камней, инкрустацией из костяных пластинок.

 

Художественная обработка серебра, других цветных металлов постигается в Кубачах с детства, изучается в общеобразовательной школе, в учреждении дополнительного образования  — школе искусств им Р. Алиханова.

IX век — жители села Кубачи (Зерихгеран) занимались изготовлением кольчуг, оружия,
1924  — мастераиз села Кубачи организована художественная артель «Ремесленник»,
1932 — периименование в артель «Экспорт»,
1960 — реорганизация в «Кубачинский  Художественный Комбинат» (КХК)
2006 — Кубачинский комбинат народных промыслов, ООО

 

Вологодские художественные изделия

ВОЛОГОДСКАЯ ФИНИФТЬ. УСОЛЬСКИЕ ЭМАЛИ

«Финифть» означает «светлый, блестящий камень» (греч.). Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Направление появилось в XVII веке в городе Сольвычегодске, бывшем тогда в составе Вологодской губерни, потом подобной финифтью стали заниматься в Вологде.  

Ларец серебряный, золоченый, украшенный расписной эмалью, XVII dtr

Усольская эмаль в свою очередь оказала сильное влияние на развитие эмальерного искусства других центров, в частности Московского. Неслучайно многих мастеров неоднократно вызывали в Москву для поднятия «финифтяного дела». Так в 1745 году был вызван из Сольвычегодска Яков Попов, а в 1757 году в делах главного магистрата упоминаются имена великоустюгского мастера Ивана Клестова и сольвычегодского финифтянщика Никиты Буравкина, которые обучали финифтяному делу московских мастеров.

Чаша серебряная, позолоченая. украшена расписной эмалью. Сольвычегодск, конец 17 века. Диаметр 19,8 см

 

Эмали усольских мастеров отличались от живописных эмалей других центров тем, что фон эмалевых изделий, как правило, был белоснежным, а рисунок наносился особым приемом тонкой штриховки, напоминающей гравюру на дереве. Изделия расписывали крупными цветами маков, тюльпанов, подсолнухов, другими невиданными фантастическими растениями. Цветы писали с прожилками, растительные побеги и стебли изображали в таком живом движении, что создавалось ощущение, будто цветы прямо на глазах у зрителя раскрывают свои нежные бутоны, разворачивая листья и лепестки.

 

Расцвет усольских эмалей был непродолжителен. Уже в начале ХVIII века, когда город теряет свое экономическое значение, вызванное реформами Петра Первого и расширением географических границ страны, начинается угасание многих ремесел, в том числе и эмальерного.

Усольская эмаль. Вологда. 1960-е

Возрождение древнего эмальерного промысла началось с конца 1960-х—1970-е годы ХХ века. В 70-х годах века группа вологодских художников-ювелиров изучила и возродила древнее мастерство. На Вологодском заводе опытных и художественных изделий существовал экспериментальный цех, мастера которого занимались разработкой ювелирных изделий и сувениров с эмалями.

Подстаканник, вологда, 1960-е

В связи с политикой государства, направленной на возрождение местных художественных промыслов, в Великом Устюге на Кузинском заводе механических изделий Министерства оборонной промышленности был открыт цех сувенирных изделий и художественных промыслов, который просуществовал до 1985 года. В цехе наладили производство эмалевых изделий (ювелирных украшений), но мастера на первых порах работали в традициях ростовской финифти и одновременно занимались изучением местных  особенностей эмали по скани. Когда же в Вологде были построены новые корпуса завода Опытных и художественных изделий (ОХИ, позднее ВОХИЗ), было решено  именно на этом предприятии восстановить древнюю  технологию перегородчатых и живописных эмалей. Для этой цели была приглашена группа художников – эмальеров, работавших в Великом Устюге и был разработан ассортимент изделий с перегородчатыми эмалями. Работая в традиционном русле, художники много экспериментировали, создавали созвучные времени и эпохе предметы, расширяли технологии. Наряду с традиционными орнаментами перегородчатых эмалей и живописных «усольских» появились произведения с потёчными эмалями, в которых цветные эмали сплавляются друг с другом в причудливом рисунке, металлическая медная основа изделия начинает золотиться, мерцать и гореть сквозь тонкие эмалевые слои, оттеняя и придавая глубину и яркость самим эмалям.

 

 

Большую помощь в восстановлении эмальерного искусства оказали сотрудники НИИХП Министерства РСФСР. С помощью НИИХП в 1980 году художница Т.С. Горичева создала первые образцы изделий с горячими перегородчатыми эмалями. В 1984 году мастера возродили технологию росписи по эмалям с многократным муфельным обжигом. Под руководством художника В.В. Попова, который возглавил эмальерный цех предприятия, работала замечательная плеяда молодых художников и мастеров. Художники изучали музейные коллекции, работали в фондах музеев Москвы, Ленинграда, Вологды, Великого Устюга, Сольвычегодска.

В ассортименте предприятия появились небольшие декоративные тарелки, панно, браслеты, кольца, серьги, колье, флакончики для духов, сундучки, шкатулки, на которых вновь ожили и расцвели сказочно небывалые цветы с нежными полупрозрачными лепестками. Огромный вклад в развитие усольских эмалей внесли художники Николай и Ирина Ганичевы. Они некоторое время даже жили в Сольвычегодске, чтобы до тонкостей постичь дух этого древнего ремесла.

Богоматерь Казанская, ООО «Творческая мастерская «Вологодская финифть»

После реорганизации ВОХИЗа и прекращения его производственной деятельности (2003 год) специалисты и часть художников объединились и создали ООО «Творческая мастерская «Вологодская финифть», которое существует с апреля 2003 года. Основным направлением вновь созданного предприятия было создание эмалевых икон и предметов культового назначения в северных традициях. С 2010 года на предприятии освоен выпуск ювелирных украшений и сувенирной продукции с эмалями, выполненных с соблюдением технологий древнего промысла.

Сейчас промыслом росписи по эмали занимается предприятие города Вологды — Творческая мастерская «Вологодская финифть».

XVI век — упоминание промысла (Сольвычегодск—Усольск),
XVII век — расцвет промысла,
1960—1985 — возрождение промысла, цех сувенирных изделий и художественных промыслов в Великом Устюге на Кузинском заводе механических изделий Министерства оборонной промышленности,
1992 — завод Вологодские художественные изделия (ВООХИЗ),
2002 — Вологодский завод художественных изделий, ЗАО,
2003 — реорганизация ВООХИЗ, закрытие эмальерного производства,
2003 — организация творческой мастерской Вологодская финифть, ООО

 

Ростовская финифть

Финифтью на Руси называют художественную эмаль. Единого мнения относительно происхождения слова «финифть» не существует. Одни учёные считают, что оно происходит от греческого «фингитис», что означает «светлый, блестящий камень», другие же полагают, что оно произошло от византийского слова химипет, в свою очередь ведущего начало от греческого глагола, означающего «лить, плавить».

В музее фабрики «Ростовская финифть»

Специалистов художественных ремёсел и эмальеров из Царьграда (Константинополя) в X веке привезла на Русь княгиня Ольга.

Для изготовления финифти на металлическую основу наносится смесь, которая при обжиге в печи сплавляется в стекловидное вещество. Это повторяется несколько раз, и на одном из этапов на эмалевую пластинку наносится роспись, специальными красками. Для написания сложной миниатюры, богатой цветовыми оттенками, требуется от 4 до 7 прописок и столько же обжигов. . В муфельной печи многие краски меняют свой цвет и художник должен предугадать, почувствовать какими они будут после обжига. Роспись по эмали практически никогда не повторяется. Каждое изделие с финифтью индивидуально. Поэтому эмали всегда были и остаются элитарным видом искусства

В финифти изначально присутствует некий компромисс-сговор металла и эмали. Металл  —  база, эмаль — украшение, «надстройка», подчас затмевающая красотой свою основу.

Оправа для финифти паяется серебряным припоем. Гальваническое покрытие оправы драгоценными металлами — золотом, серебром с последующим цветным оксидированием.

 

Дробница
Финифть, Ростов, Ярославская губ.
Государственный Русский Музей
Мастер Спасо-Яковлевского монастыря
А.Г. МОЩАНСКИЙ (?)
Дробница с митры  Иоанн Предтеча крылатый. Конец XVIII—начало XIX вв.
Финифть, Ростов, Ярославская губ.
Государственный Русский Музей
МАСТЕРСКАЯ И. ЗАВЬЯЛОВА
Святитель Дмитрий митрополит Ростовский
Первая половина XIX в.
Финифть, Ростов, Ярославская губ.
Государственный Русский Музей

 

Ростов Великий с XVIII века и до наших дней является центром эмальерного искусства в России. Ростовская финифть дополняется филигранью. Элементами филиграни являются скань — скрученная металлическая нить, и зернь — напаянные в завитках узора шарики. Это древний вид ювелирного искусства, он упоминается в Библии. Есть предположение, что филигрань на Руси стала известна раньше X века, от армянских ювелиров. Которые, в свою очередь, переняли это искусство от народов Ближнего Востока.

Сохранились сведения о существовании в XVIII веке мастерской финифти при Ростовском архиерейском дворе и отдельных мастерах, работавших по заказам монастырей и церквей города. Основателем миниатюрной живописи «финифти» по некоторым источникам является Митрополит Арсений Моцеевич. Финифтяные миниатюры украшали предметы церковного обихода и одеяния священников: митры, потиры, оклады Евангелий, напрестольные кресты.

В 1770-х годах в Ростове появились цеха, объединившие ремесленников по их специальностям. В числе прочих был организован цех иконописцев, куда входили мастера финифти.

Панно Вид Ростовского Кремля. Конец  XIX века

 

После революции мастера своей преданностью к искусству смогли сохранить промысел, объединившись в артель «Возрождение», которая в 1960 году реорганизовалась  в фабрику «Ростовская финифть». В становлении советского стиля в финифти важную роль сыграл автор эскизов к агитационному фарфору известный художник С.В. Чехонин (1878—1936), по рисункам которого выполнялись изделия того периода.

 

Князь Василько, Фабрика  «Ростовская финифть», 1962

 

Советский период жизни России сформировал новую идеологию, иные формы выражения в искусстве. В 60-е годы расширился ассортимент выпускаемой продукции, финифтяные миниатюры стали изготавливаться в сочетании со сканью. Каждый элемент ювелирного рисунка скручивается вручную и приклеивается на бумагу, далее весь собранный узор посыпается серебряным порошком- припоем и спаивается газовой горилкой.  Благодаря сканной оправе наладилось массовое производство различных ювелирных изделий с живописной эмалью. Коллектив фабрики пополнился талантливой молодежью — выпускниками Федоскинского и Красносельского училищ. Вместе с мастерами старшего поколения живописцы вносили разнообразие в тематику росписи, ювелиры плодотворно работали над созданием новых форм изделий, их роль в оформлении живописных работ все более возрастала.

 

 

Финифть сразу с момента ее появления была ориентирована на высокое искусство миниатюры. Она с самого начала была в числе искусства «элитарного». Однако, уровень ее элитарности менялся на протяжении исторического развития.

Вторая половина и особенно последняя четверть XX века свидетельствуют: финифть становится иным, чем прежде, но по-прежнему уникальным явлением искусства. Сложившиеся традиции, богатейшее наследие, осевшее в запасниках музеев и частных коллекциях, а также своеобразная уникальная среда, сами стали формировать из художника «вообще» (космополита) мастера ростовской миниатюры со всеми особенностями его творческих принципов.

 

Вполне отчетливо проявившийся в 1990-х годах интерес мастеров финифти к иконописным началам есть доказательство того, что финифть вновь обрела свои естественные корни.

 

Учат «огненному письму» на отделении по подготовке художников по эмали в Холуйском художественном училище имени Н.Н. Харламова и с 1960 года ведётся ежегодно Федоскинское училище  миниатюрной живописи. осуществляет набор студентов на отделения декоративной росписи на эмалях «Ростовской финифти».

1770-е — возникновение первых цехов эмалевой живописи, 
1898 — открытие Ремесленного класса рисования, резьбы по дереву и иконописи по финифти в Ростове,
1911 — открытие Учебно-показательной финифтяной школы (УПФШ),
1918 — организация артели «Возрождение» по производству художественной эмали,
1960 — преобразование артели в фабрику «Ростовская финифть»,
2001 — Фабрика «Ростовская финифть», ЗАО
 
Аналоговые предприятия:
1998—2010 — Художественные мастерские «Ростовская финифть», ЗАО
с 2001 — Ростовская эмаль, ООО, направление деятельности котороо является  изготовление икон в технике финифти; расписные эмали с оправой из серебряной скани с использованием перегородчатых, выемчатых эмалей, эмалей по скани, золочения, натуральных ювелирных камней,
с 2001 — открытие художественная мастерская «Финифть Ростова» (ИП), основным направлением которой явяется изготовление изделий культового назначения

 

ЛАКОВАЯ МИНИАТЮРА

Лаковое дело зародилось еще до новой эры в Китае. Оттуда оно попало в другие страны Дальнего Востока, а в эпоху средневековья распространилось в Индии и Иране. В XVI—XVII веках восточные лаковые изделия были завезены в Европу и, покорив европейцев своей красотой, вызвали стойкую моду на лаки. Начало развиваться местное лакирное производство. Начало развиваться местное лакирное производство. Поначалу европейские лаки подражали дальневосточным и по сюжетам, и по манере исполнения. Однако уже в XVIII внке на некоторых лакирных предприятиях начинают расписывать изделия реалистически исполненными цветочными букетами, пейзажами, жанровыми сценками в духе Ватто или малых голландцев. Во Франции этим занялась фирма братьев Мартэн (первая половина—середина XVIII века), в Англии —  возникшие в середине XVIII века Предприятия в Понтипуле, Уолверхемптоне, Бирмингеме, в Германии – табакерочная фабрика И.Г. Гтобвассера в Брауншвейге, основанная в 1763 году.

В России интерес к лакам стал проявляться лишь с петровских времен. В 1721 году один из кабинетов Петра I в петергофском дворце Монплезир был украшен 94 лаковыми панно, весьма искусно исполненными русскими мастерами в китайском стиле. В Петербурге и его окрестностях возникли предприятия М. Бооля (пригласившего для налаживания производства французских мастеров), И. Кина, И. Пеца, Д. Орловской, И. Эка и др. В Москве и Подмосковье наиболее известны были фабрика Лукутина, Фабрика А.И. Аустена, мастерские Вишняковых, Н. Нажевщикова, братьев Сорокиных. Существовало много мелких провинциальных мастерских: Христиана Флака, Шимера, Шубарева и Данилевича и др. Мода на лакирные изделия из папье-маше проникла во многие слои общества — от аристократов до мещан.

 

ФЕДОСКИНСКАЯ МИНИАТЮРА

История федоскинского промысла восходит к 1795 году, когда купец П.И. Коробов организовал в купленном им сельце Данилкове (в настоящее время входит в состав Федоскина) козырёчное производство — производство лакированных армейских козырьков. Через три года Коробов побывал на фабрике Иоганна Штобвассера, в Брауншвейге, перенял там технологию изделий из папье-маше и завёл на своей фабрике изготовление популярных в то время табакерок для нюхательного табака, украшенных наклеенными на крышку гравюрами, иногда раскрашенными и покрытыми лаком. Во второй четверти XIX века табакерки, бисерницы, шкатулки и другие изделия стали украшать живописными миниатюрами, выполненными масляными красками в классической живописной манере.

После смерти П.И. Коробова фабрика непродолжительное время находилась во владении его дочери Е.П. Коробовой, перейдя затем по родственной линии в собственность московским купцам Лукутиным, которым принадлежала на протяжении восьмидесяти пяти лет. В 1828 году Пётр Васильевич Лукутин (1784—1864).

 

Мастер во время изготовления шкатулок из папье-маше на Федоскинской фабрике

Федоскинская лаковая миниатюра исполняется масляными красками в три-четыре слоя — последовательно выполняются замалёвок (общий набросок композиции), пропись или перемалёвка (более детальная проработка), лессировка (моделирование изображения прозрачными красками) и бликовка (завершение произведения светлыми красками, передающими блики на предметах). Оригинальной федоскинской техникой является «письмо по сквозному»: на поверхность перед росписью наносится светоотражающий материал — металлический порошок, сусальное золото или поталь, или делаются вставки из перламутра. Просвечивая сквозь прозрачные слои лессировочных красок, эти подкладки придают изображению глубину, удивительный эффект свечения. Помимо миниатюрной живописи, изделия украшаются «сканью» (орнамент из миниатюрных кусочков фольги нужной формы выкладывается по сырому лаку), «цировкой» (процарапывание рисунка с помощью лекала по лаку, положенному поверх листа металла на поверхность изделия), «шотландкой» (сложная сетка, нанесённая жидкими красками рейсфедером с помощью линейки) и др.

 


 

 

Гравюра с портретом царя Алексея Михайловича, 1817 по оригиналу А Беннера

 Табакерка с портретом царя Алексея Михайловича,  фабрика П.В. и А.П. Лукутиных, 1850-е 

В 1904 году лукутинская фабрика закрылась. В мае 1910 года десять мастеров, на выделенную С.Т. Морозовым московскому губернскому земству крупную денежную ссуду, учредили «Федоскинскую трудовую артель бывших мастеров фабрики Лукутиных». Первые изделия артели, направленные на продажу в Москву, получили высокую оценку Московского земства и Кустарного музея.

 

В 1912 году в артели работало 14 мастеров и девять учеников. Ассортимент артели насчитывал около 160 наименований изделий, которые по своему качеству не уступали знаменитым лукутинским и значительно превосходили аналогичные изделия вишняковской мастерской.

В первые послереволюционные годы артель пережила большие сложности, обусловленные падением спроса на продукцию и негативным отношением новых властей, облагавших мастеров непосильным налогом и даже предпринимавших неоднократные попытки закрыть мастерские. Перелом в отношении к федоскинской миниатюре наступил после 1923 года, когда их изделия были удостоены диплома I степени на Всесоюзной выставке сельскохозяйственной и культурно-промышленной продукции в Москве. Производство стало расширяться, увеличился спрос на федоскинскую продукцию, которую стали активно продавать за границу.

Н.С. Семёнов. Шкатулка Пастушок, 1930-е
 
Большую творческую помощь в 1930-х годах оказали федоскинским миниатюристам известные искусствоведы А.В. Бакушинский и В.М. Василенко.

В 1930—1950-х годах художники Федоскина преимущественно занимались копированием произведений станковой живописи. Для расширения ассортимента изделий и обогащения творческого начала в деятельности артели в 1945 году при ней была создана экспериментальная мастерская, научное и творческое руководство которой осуществлял НИИ художественной промышленности. Были возрождены утраченные способы декорировки изделий — «скань», «цировка», «шотландка», «малахит», роспись по перламутру и др.

Впервые перед художниками-миниатюристами была поставлена задача перевоплощения в декоративную миниатюру натурных зарисовок. Принципиально новый этап в истории федоскинской миниатюрной живописи, ознаменованный ростом авторского начала, пришёлся лишь на конец 1950-х годов.

Художники создают оригинальные авторские произведения, в которых творчески переосмысливаются традиции федоскинской миниатюры. Основные темы их творчества — природа Подмосковья, русские песни и сказки, героическое прошлое России.

В 1960-х годах артель была преобразована в Федоскинскую фабрику миниатюрной живописи.

 

В.Н. Домахин. Шкатулка Крестьянская свадьба, 1990

В 1931 году при Федоскинской артели была создана школа кустарного ученичества (ныне Федоскинская школа миниатюрной живописи). В 1950—1980-х годах школа готовила специалистов по лаковой миниатюре, жостовской росписи по металлу и ростовской финифти.

В настоящее время традиции федоскинской миниатюры развиваются, в основном, художниками, работающими самостоятельно.

 

1795 — козырёчное производство Коробова,
1798 — реорганизация производства по результатам поездки Коробова на фабрику Иоганна Штобвассера в Брауншвейг,
cередина 19 века—1904 — Лукутинская мануфактура,
1910 —  учреждение Федоскинской трудовой артели бывших мастеров фабрики Лукутиных,
1931 —  учреждение Федоскинской школы миниатюрной живописи,
1945 — организация экспериментальной мастерской при артели, научное и творческое руководство которой осуществлял НИИ художественной промышленности,
1960 — реорганизация артели в Федоскинскую фабрику миниатюрной живописи,
2000-е — художники работают самостоятельно

 

ПАЛЕХСКАЯ МИНИАТЮРА

Народный промысел, развившийся в поселке Палех Ивановской области, представляет собой лаковые миниатюры темперой на папье-маше. С XVIII века Палех — центр иконописи в традициях русской живописи XV—XVII веков.

После революции 1917 года перед палехскими иконописцами встала необходимость поиска новых форм реализации своего творческого потенциала. В 1918 году мастера объединились в Палехскую художественную декоративную артель, выпускавшую деревянные изделия с росписью. В 1923 году они были представлены на художественно-промышленной выставке в Москве и удостоены диплома второй степени.

Днем рождения палехского искусства принято считать основание 5 декабря 1924 года «Артели древней живописи».

И.Маркичев. Круглая коробка «Жнитво». Палех. 1931

Зубков И. Жнитво.(1863—1938),1929. ГМПИ.

 

Первоначально в «Артель» вошли семь человек: Иван Голиков, Иван Баканов, Александр и Иван Зубковы, Александр и Владимир Котухины, Иван Маркичев. Вскоре к ним присоединились Дмитрий Буторин, Алексей Ватагин и другие. В 1925 году работы палешан получили признание на Международной выставке в Париже.

В июне 1932 года в «Артели древней живописи» работало более 100 человек, из них 48 мастеров, 20 кандидатов в ученики.

Иллюстрации И. Голикова к «Слову о полку Игореве»Палех,1934

В марте 1935 года артель преобразована в «Товарищество художников Палеха». В 1940 году оно было закрыто, в 1943 году — восстановлено.

В 1954 году «Товарищество» преобразовано в Художественно-производственные мастерские (ПХПМ). В этом же году было создано Палехское отделение Союза художников РСФСР.

В 1989 году Палехские художественно-производственные мастерские были закрыты.

 

Т. Ходова. Пластина «Крестьянский праздник». Палех, 2003. Фрагмент

 

Технология палехской росписи

Оригинальная технология, применяемая первыми мастерами этого жанра в 20—30 годы XX века, не прошла испытаний времени и многие произведения того времени, растиражированные в репродукциях в значительной степени повреждены.

Лаковая миниатюра исполняется темперой на папье-маше. Обычно расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, заколки для галстука, игольницы и т. д

Обычно мастера берут минеральные пигменты, а уже потом делают из них краски для лаковой миниатюры старинным дедовским способом — на яичном желтке. Таким краскам  присуща «глубина, светоносность и стойкость. Их красота приковывает взгляд и порождает сравнение с самоцветами» Приготовление к работе красок и золота — не менее важная часть процесса, чем создание самой миниатюры. Это — настоящее таинство.

Для приготовления краски нужное количество порошка насыпают в чашечки, деревянные или пластмассовые, добавляют яичную эмульсию и размешивают. Степень готовности определяют «на глаз». Хорошо приготовленные краски очень пластичны. Краску заготавливают в небольших количествах, так как хранится она очень не долго.

Художнику нужны краски разные по консистенции, поэтому их постоянно приходится разбавлять на фарфоровом блюдце, палитре. На нем же смешивают краски основных цветов и составляют нужные тона. Приготовление яичной эмульсии — дело кропотливое и требует большой сноровки и опыта. Нужно суметь тщательно отделить желток от белка, потому что даже мельчайшая капля белка помешает художнику проводить тонкие линии. Для разведения желтка во Мстере используют воду, а в Палехе — столовый уксус или хлебный квас. Краски, растворенные на квасе, ложатся мягче и сохраняются дольше, но сейчас им пользуются редко. Для жирных летних и тощих зимних яиц количестворастворителя будет разным. Яичная эмульсия не должна быть слишком жирной или слишком жидкой: жирная краска будет ложиться грубо и быстро растрескается, а жидкая — краски будут блёклые и будет плохо поддаваться нужной живописной технике.

Для работы над миниатюрой разным художникам требуется разное количество беличьих кистей. Все кисти палехских мастеров — ручной работы. Купленной в магазине кистью, даже самой качественной, писать миниатюру нельзя, слишком «непослушная» нет достаточной тонкости и упругости, во время письма кончик такой кисти может раздваиваться.

Миниатюристы обычно применяют листовое золото. Каждый листок имеет размер 9*9 см, на одну порцию идет от 2 до 10 листов. Листы эти настолько тонки, что взлетают при малейшем дуновении воздуха. Их берут лампемзелем — специальным инструментом, изготовленным из кончика беличьего хвоста. В фарфоровом блюдце золото смешивают со связующим веществом, гуммиарабиком, и растворяют в воде, получая жидкую массу. «Творение» золота, как и краски, требует большого умения и терпения. В растворенное золото добавляют чистую воду, размешивают, процеживают, отстаивают, сливают лишнюю воду и просушивают в духовке, под лампой или на солнце. Ни одна пылинка или соринка не должна в него попасть, иначе им будет трудно писать. Готовое к работе золото блестит мягким чарующим блеском, словно приглашая поскорее взять кисть. Палешане для работы над миниатюрой используют и серебро. Но при просушке оно желтеет от высокой температуры, и потому его заменяют алюминием.

После росписи золотом изделия покрывают масляным лаком. Последним этапом является полировка. Ее выполняют путем нанесения нескольких слоев лака, каждый из которых тщательно просушивается при определенной температуре длительное время. После каждого слоя обязательно выравнивают поверхность сначала стеклом, потом пемзой, когда слоев достаточно и поверхность уже ровная — шкатулку полируют на «бархатке» - специальном вращающемся круге, обтянутом бархатом, окончательная «доводка» до блеска наводится руками, женскими конечно, так как руки должны быть мягкими, без огрубевших участков, которые могут поцарапать поверхность.

 

Свадьба в Палехе. Колыгина Ольга, Палех, 2015

1926 года при «Артели древней живописи» возродилось ученичество. На рубеже 1920—1930 годов была открыта профтехшкола, реорганизованная в 1935 году в художественный техникум, а с 1936 года — в Палехское художественное училище имени М. Горького.

В настоящее время в училище ведется обучение по специальности «Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы» (лаковая миниатюрная живопись).

В 1934 году был создан Государственный музей палехского искусства. Его коллекция насчитывает более 15,4 тысячи единиц хранения. В ее состав входят 1,5 тысячи икон XIV—XX веков, произведения западноевропейской живописи XVI—XVIII веков, более трех тысяч произведений лаковой миниатюры, скульптура, графика, старопечатные книги, строчевышитые изделия, предметы быта и этнографии.

В структуре Государственного музея палехского искусства четыре мемориальных музея: Дом-музей П.Д. Корина, Музей-мастерская Н.В. Дыдыкина, Дом-музей И.И. Голикова, Музей-усадьба Н.М. Зиновьева.

:

С XVIII века,
1924 — организация «Артели древней живописи»,
1926 — возрождение ученичества при «Артели древней живописи»,
1920—1930  —  открытие  профтехшколы,
1932 «Артель»: более 100 человек: 48 мастеров, 20 кандидатов в ученики,
1934 — создание Государственного музея палехского искусства,
1935 —  реорганизация профтехшколы в художественный техникум, 
1936 — реорганизация техникума в Палехское художественное училище имени М. Горького.
1935 — преобразование «Артели» в «Товарищество художников Палеха»,
1940 — «Товарищество» закрыто,
1943 — «Артель» восстановлена,
1954 — преобразование «Артели» в Художественно-производственные мастерские (ПХПМ),
1989 — закрытие Палехских художественно-производственных мастерских,
1954 — создание Палехского отделения Союза художников РСФСР,
2000-е — 600 художников, каждый 10-й житель

Аналоговые предприятия:

Товарищество Палех, АО,
Объединение художников Палеха, кооператив,
Мастера Палеха, МП,
Традиции Палеха», МП,
Палех, АОЗТ;
Палешане, творческая мастерская .

 

МСТЁРСКАЯ МИНИАТЮРА

В XIV веке Мстёра наряду с Палехом и Холуем являлась одним из центров русской иконописи. 

Во Мстёре говорят, что мстерские «богомазы»  ценились особенно. Например, когда надо было реставрировать рублёвскую «Троицу» или Богоматерь  Владимирскую, то приглашали именно из Мстёры. Сами же жители видят во всём этом «тайный» смысл. Считается,   что «мстёра»  в переводе с угро-финского означает «тёмная вода». Так и мстёрские  художники, как рыба в тёмной воде, – себе на уме, варятся  в своём соку. Вся живопись  Мстёры — набор тайных символов, можно сказать, древние мистерии в красках.  

К середине XVIII века появились так называемые «мелочные письма» — иконы с миниатюрными сценами и множеством деталей. В начале XX века с появлением хромолитографий в промысле наступил кризис. А после революции отпала необходимость в иконах.

Откуда «есть и пошла» мстёрская миниатюра?

Один из основателей мстёрской миниатюры Н.П. Клыков любил писать иконы так называемым «себякинским письмом, т.е. написанных от себя, по своему вкусу, а не по канонам. В такой традиции, близкой к народному лубку, «богомазы» Мстёры писали дешевые, расхожие иконы, рассчитанные на массового потребителя. О них говорили: «Не годится Богу молиться, годится горшки покрывать». Эти «себякинские» иконы и стали исходными для развития лаковой миниатюры у Клыкова, а за ним и других художников Мстёры. Но миниатюристы Мстёры вобрали в себя и многие особенности иконописи новгородской и строгановской школ живописи. 

Эти два направления, взаимообогащаясь, и сформировали мстёрский стиль лаковой миниатюры.

В 1920-е годы кустари Мстёры создали артель «Древнерусская живопись». Работали на полуфабрикате (деревянном белье), привозимом из города Семёнова. Расписывали коробки, шкатулки, ларцы, солоницы, куклы-матрёшки и другое. В 1924 году артель начала осваивать роспись масляными красками настенных ковриков на полотне. Качество этого вида продукции было сомнительным как со стороны профессионального мастерства, так и содержания: «Первый поцелуй», «Прощание у колодца», «Котята в корзинке» и другие были живописными поделками мещанского вкуса. Низкое качество продукции затрудняло сбыт. Требовалось серьезным образом определить художественную направленность промысла. К этому подключился Научно-исследовательский институт художественной промышленности (НИИХП).

Г.  Дмитриев. Шкатулка «Сказка о золотом петушке». Мстёра, 1938

Первые пробные опыты росписи на папье–маше были сделаны Н.П. Клыковым в 1928 году, а 22 июня 1931 года живописный цех отделился от столярной мастерской и художники начали самостоятельную работу. В начале 1931 года артель направила мастеров в Москву на курсы для изучения техники росписи на папье-маше  и на родину русских лаков в Федоскино для освоения процесса производства этого материала.

Технология папье-маше

К 1930 году в Мстёре  была освоена технология папье-маше, из которого изготовляли шкатулки, ларцы, бисерницы. Изделия стали оформлять миниатюрной живописью. Живопись выполнялась тем,  что и в иконописи, темперными красками, приготовленными по древнему способу на яично-желтковой эмульсии. Сохранились и принципы иконописного письма.

Будущая  миниатюры начинается с изготовлением папье-маше. Сначала на болванку, соответствующую размерам будущего изделия, навивают промазанные клейстером ленты картона. Затем заготовку прессуют, пропитывают маслом и сушат в специальных печах. Отдельно таким же образом делают дно и крышку. Когда все детали готовы, шкатулку собирают, покрывают несколькими слоями грунтовки и лака. Каждый слой сушат и шлифуют. После этого блестящая чёрная шкатулка попадает в руки живописца. Работа его требует огромного терпения и усидчивого уединения, постоянной тренировки рук и колоссального напряжения глаз.

 

Во Мстёру приехали искусствоведы А.В. Бакушинский и В.М. Василенко. Они непосредственно на месте проводили исследовательскую работу по выявлению истоков местных иконописных традиций, определяли основы предполагаемого стиля мстёрской живописи.

А.Котягин. Овальная пластина «Взятие Измаила в 1790 году». Мстёра. 1942

1930 год стал для Мстёры переломным. Общее собрание артели постановило выделить из её состава цех живописцев по росписи папье-маше в самостоятельный и ведущий, ходатайствовать о присвоении артели наименования «Пролетарское искусство». Пять лучших мастеров: Н.П. Клыков, А.И. Брягин, Е.В. Юрин, И.А. Серебряков, В.И. Савин – начали новое дело освоения миниатюрной живописи.

Уже к середине 1930-х годов искусство Мстёры получило высокую оценку за рубежом. На всемирных выставках в Милане (1935), Париже (1937) и Нью-Йорке (1938) мстёрские миниатюристы были удостоены дипломами, золотыми и серебряными медалями.

Технология мстёрской росписи

Последовательность приемов живописи аналогична иконописи. Всё начинается с подробно проработанного линейного рисунка, который предварительно выполняется карандашом на бумаге. Затем рисунок очень тщательно переводится на кальку. Обратную сторону скалькированного рисунка натирают сухим порошком краски (обычно коричневой), накладывают на загрунтованную поверхность шкатулки из папье-маше и при помощи цировки переводят на неё. Цировка — это игла со сглаженным острием. Обычно она крепится на деревянном стержне-держателе.

После этого приступают к раскрытию рисунка цветом, этот процесс называется специальным термином — «роскрышь». Роскрышь определяет всю живописную основу произведения как её подготовительный этап. Роскрышь — технологический приём живописи при первичной раскладке цвета в пределах заданной формы рисунка.

Затем последовательно делается моделировка деталей рисунка с помощью теневой росписи и околоконтурных притенений.

Следующей стадией живописного процесса является работа в светлых частях формы. Она состоит из целого ряда полутоновых плавей, оживок, приплесков и лессировок. Оживка — не что иное как белильная отметка в самой светлой части законченной формы. Приплесками  называется тоновое смягчение цвета при окончательной моделировке формы. Лессировка – это живописный приём работы жидкими прозрачными красками, при котором усиливается глубина цветового тона или цвета. Затем изделие расписывается, покрывается прозрачным лаком (5—8 слоёв) и полируется.

 

С 1940 до 1960-х годах во многих центрах лаковой миниатюры, в том числе и в Мстёре стала господствовать станковая живопись — художники в основном стали копировать картины русских художников  XIX века. Особая декоративная специфика миниатюры, основанная на условности ее художественного языка, была нарушена.

В 1960 году при ПК ЦТММ открылся музей лаковой живописи. В нем хранятся миниатюры ведущих художников Мстеры с 1960-х годов по настоящее время.

В 1960—1970-е годах мстёрское искусство переживает творческий подъём. Художники вновь с обострённым интересом обращаются к традициям древнерусской живописи. Используя фольклорные сюжеты, мастера создают не просто иллюстрации к сказке, песне, былине, а самостоятельные композиции. Они чаще обращаются к героико-революционной тематике. По-новому (в единой композиции, а не отдельными клеймами) используется приём объединения нескольких эпизодов, более стилизованный пейзаж, живопись более плоскостна и декоративна.

Е.Зонина. Шкатулка «Призыв Минина к нижегородцам». Мстёра. 1977

В 1970—1990-х годах мастера мстёрской миниатюры активно развивали искусство промысла, сохраняя традиционную узорность и декоративность строгой лаконичной композиции, мягкий колорит, построенный на ярких звучных красках.

XIV век — письменое упоминание иконописного промысла,
XVIII век — «мелочные письма»,
1923 —  создание «Артели древнерусской живописи»,
1931 —  оформление артели «Пролетарское искусство»,
1932 — открытие Мстёрской художественной школы
1960 — фабрика «Пролетарское искусство»
1990 — Центр традиционной мстёрской миниатюры, ТОО (ТОО ЦТММ), преемник фабрики,
1998 —  Центр традиционной мстёрской миниатюры, ПК (ПК ЦТММ), преемник ТОО,
2011 — переформатирование училища в  «Мстёрский  филиал  лаковой миниатюрной живописи имени Ф.А. Модорова  Высшей школы народных искусств (института)».

 

Отличительная особенность мстёрской миниатюры

Характерная особенность Мстёрской живописи — ковровая декоративность, разнообразность и утонченность колористических оттенков с единством общего тона композиции. Мстёрский стиль характеризуется своим пониманием композиции: она всегда строится в пейзаже, на цветных фонах, во взаимодействии с человеком, животными и птицами. Мстёрский стиль в миниатюре имеет свое художественное обоснование  в особой культуре цвета. Суть её состоит в единстве цветового многообразия, достигаемом градацией тоновых переходов. Принципиальное отличие Мстёры в том, что её манера живописнее, композиция разрабатывается на цветных, а не на чёрных фонах, как в Палехе.

По Мстёре ходит такая поговорка: «Палех — гениальный компромисс между графикой и живописью, Мстёра  — это живопись».

 

Новые лица мстёрского промысла

Даниила Молодкин родился в поселке Мстёра в семье художников. Учился там же в известном Мстёрском художественном училище. Сюжеты кажутся несколько необычными для русской росписи, но если вдуматься, то первые мастера в Палехе тоже ведь использовали сюжеты современных для себя сказок

Миниатюра Данилы Молодкина, Мстёра, 2000-е

 

Холуйские художественно-производственные мастерские

ХОЛУЙСКАЯ МИНИАТЮРА

Первоначально слободские умельцы, как их соседи в Палехе и Мстёре, занимались иконописью. Это были, недорогие иконы, предназначенные для сельского населения и для Троице-Сергиевой лавры

В 1861 году в Холуе было открыто первое во Владимирской губернии художественное училище. Затем в 1882 году появились рисовальные классы, которые были преобразованы в иконописно-рисовальную школу. А в 1901 году появились иконописные мастерские.

После революции Холуйские мастерские были закрыты, и людям приходилось заниматься делами, далекими от художества. 

Коренное отличие холуйской миниатюры от других, аналогичных, производств было заложено с самого начала: по совету занимавшегося развитием народных промыслов искусствоведа А.В. Бакушинского, для экономии средств мастера обучались работе не на предметах, планируемых для росписи, а на листах картона, окрашенных в черный цвет и покрытых лаком.

В 1934 году художники Холуя объединились в артель, которая стала впоследствии градообразующим предприятием, воспитавшим много талантливых художников.

С. Мокин. Пластина «Призыв Степана Разина». Холуй. 1943

Признание холуйской миниатюры пришло далеко не сразу. Однако художники артели, такие как К. Костерин, С. Мокин, Д. Добрынин, В. Пузанов-Молев приложили максимум усилий для выработки собственного неповторимого стиля. Проведенная ими колоссальная работа дала свой положительный результат. В 1937 году холуйская миниатюра получает бронзовую медаль на Всемирной выставке в Париже. Выставляется на знаменитых мировых выставках она и в последующие годы.

После Великой Отечественной войны сюжеты и темы холуйских миниатюр становятся разнообразнее. Начинают проявляться черты нового, абсолютно оригинального и своеобразного направления русского лакового промысла, отличного от произведений Палеха, Федоскина и Мстеры.

В 1959 году был создан Музей Холуйского искусства, сейчас он имеет статус Государственного музея.

С 1961 года изделия с Холуйской лаковой миниатюрой со своей живописью выходят на международный рынок.


 
Певец Новгорода, Кособрюхова, Холуй, 2000-е Птица счастья. Холуй, 2000-е

 

В 70-х и 80-х годах Холуйская миниатюрная живопись развивалась интенсивно. Создавались новые произведения, пополняя фонды местного музея и ассортиментного кабинета Ивановского и Плесского художественных музеев в Ивановской области, Московского музея декоративно-прикладного и народного искусства, Музея народного искусства, где самая большая коллекция Холуйской лаковой миниатюры, отдела Исторического музея на Куликовом поле.

Эти годы характерны расширением ассортимента выпускаемых изделий лаковой миниатюры, количество образцов, с которых художники выполняют небольшими тиражами изделия для рынка, насчитывает более 700 штук..

.В ночь на Ивана Купалу, Мстёра, 1989

В 1992 году государственное предприятие «Художественная фабрика лаковой миниатюры» перешло в собственность работников путем приватизации и стало называться ТОО «Диплома 1 степени Холуйские художественно-производственные мастерские».

 

В 2000 году предприятие преобразовались в ПК «Холуйские художественные мастерские», в 2009 году реорганизовались в ООО «Холуйская художественная фабрика лаковой миниатюры». На сегодняшний день на предприятии трудится около 200 человек.

С 2000 года продукция Холуйских художественных мастерских относится к изделиям народных художественных промыслов на основании решений секции лаковой миниатюры художественно-экспертного совета по народным художественным промыслам Администрации Ивановской области.

На сегодняшний день эта разновидность лакового промысла претерпела значительные изменения. За годы существования холуйской миниатюры художники мастерской полностью преодолели некоторые недостатки и ограниченность изображений. Современная холуйская миниатюра несет в себе четко прослеживающиеся индивидуальные черты и имеет своеобразный облик. 

Отличительные особенности холуйской миниатюры

От лаковых миниатюр Палеха и Мстеры произведения мастеров Холуя отличаются, прежде всего, цветовой гаммой. При выполнении изображений по большей мере используются коричнево-оранжевые и синевато-зеленые тона. Холуйская миниатюра проработана не так детально, как палехская. Золотая краска используется в ней гораздо скупее. Кроме того, имеются значительные отличия и в выборе самих тем. Очень часто используются реалистичные сюжеты.

К основным отличительным особенностям лаковых изделий поселка Холуй можно отнести также: более крупный, чем в Мстёре пейзаж, более крупные и не столь характерные, чем у Мстёры фигуры. Пропорции их удлинённые и этим ближе к палехским, однако силуэты мягче и формы объёмнее. Декоративная живопись холуйских мастеров во многом близка к палехской, но при этом она отличается своеобразным художественным языком. По сравнению с рисунком Палеха рисунок холуйских мастеров проще, они не так детально проработаны, а филигранная графика применяется скупее, без филигранного заполнения каждой формы. Нередко фигуры, здания, деревья изображаются прямо на чёрном фоне, как палехские, но они более живописны.

Золото в живописи используеся только там, где оно оправдано: купола церквей и храмов, шлёмы, кольчуги, парчовые одежды, солнце и луна, звёзды на ночном небе. Это также отличает Холуй от других центров лаковой миниатюрной живописи.

Миниатюра располагается на вещb в качестве живописного клейма геометрической формы и окаймляется золотым или серебряный орнаментом.

Характерно также создание только для мастеров Холуя небольших по размеру ларцов, где миниатюра заполняет всю поверхность формы многофигурными тонко написанными композициями. Лаковым миниатюрам холуя свойственна живописная картинность: их колорит чист и ярок, а золотой орнамент служит естественным переходом от живописи к плоскости предмета.

 

14 век — начало иконописного промысла в посёлке Холуй Ивановской области,
1861 — открытие первого во Владимирской губернии художественного училища,
1882 — открытие рисовальных классов, преобразованных в иконописно-рисовальную школу,
1901 — появление иконописных мастерских,
1934 — создание художественной артели, занимающаяся росписью лаковых изделий,
1959 — открытие Музея Холуйского искусства, имеющего сегодня статус государственного, 
1960 — преобразование артели в Художественную фабрику лаковой миниатюры, государственное предприятие,
1992 — приватизация фабрики и преобразование её в Диплома 1 степени Холуйские художественно-производственные мастерские, ТОО
2000 — Холуйские художественные мастерские, ПК
2009 — преобразование холуйских художественных мастерских в Холуйскую художественную фабрику лаковой миниатюры», ООО

 

КЕРАМИКА

Феникс

КИСЛОВОДСКИЙ ФАРФОР

За 200-летнюю историю Кисловодск, маленький городок на Северном Кавказе приобрел широкую известность своим климатом и целебной минеральной водой. В середине ХIХ века — это один из самых престижных курортов России. Модный курорт открывал превосходные перспективы для развития ремесел. Из разных мест приезжали сюда мастера — резчики по рогу и кости, оружейники. В 30-х годах произошло объединение кустарей в артель, а уже в 1937 году изготовленные ею изделия из кости экспонировались на международной выставке в Париже.

История завода началась в 1952 году, когда из артели, специализирующейся по изготовлению сувениров из кости, выделяется самостоятельное производство, связанное уже с фарфором — Кисловодкий ХудожПромКомбинат. (клеймо КХПК)

В 1967 году он преобразовывается в Кисловодскую фабрику сувениров (клеймо КФС, с 1970 по 1985 год КС в круге).

Кружка для минеральной воды, Кисловодск, 1980-е

Нелегко это было — найти свое место среди знаменитых на всю страну фарфоровых заводов. Кисловодская мануфактура пошла своим путем, отказавшись от выпуска традиционной столовой посуды, всегда имеющей надежный рынок сбыта.

В 60-е годы завод изготавливал заурядные памятные кружки для отдыхающих в Кисловодске.

Каза Пастораль, Кисловодск, 1990-е

В 1975 году появляется первое фарфоровое изделие, декорированное ручной лепкой, — туалетный набор «Декоративный». Год спустя он удостаивается серебряной медали ВДНХ, а на предприятии создается творческая группа по освоению новой техники декорирования. Именно технике ручной лепкисуждено на четверть века определить лицо кисловодского фарфорового производства.

В данном случае виртуозное владение приемом переросло в творческое направление. Хотя единичные случаи применения лепки, как авторского приема, известны в истории фарфористики, но именно «Феникс» развивает её до блестящих образцов, не зная равных ни в уровне техники, ни в разнообразии, ни в массовости его применения. Лепка сегодня остается «визитной карточкой» предприятия. 

 

Наряду с блестящими образцами лепки в последнее время применяются и другие известные виды декорирования фарфора. Используются сложные технологии ангобной, подглазурной, миниатюрной и люстровой росписи.

Восьмидесятые стали годами становления и расцвета. Фактически, именно с этого периода можно уверенно говорить об оформлении кисловодской школы как самостоятельного направления в российской фарфористике. Закономерным признанием этого обстоятельства стало присвоение «Фениксу» в 1988 году статуса предприятия традиционных народных художественных промыслов. («Фениксом» он стал около 1988 году, а ранее, с 1985 по 1988 год назывался ПО «Сувенир»).

Тарелка «Птица и яблоко», Кисловодск, 1990-е

Конец девяностых ознаменовался для «Феникса» принципиально новым направлением, возникшим на основе созданного к тому моменту уровня профессионального мастерства. В этот период организуется сначала один, затем несколько участков, объединяющих мастеров: живописцев и лепщиков, прошедших специальное обучение, дающее право на авторскую подпись произведенного изделия. Тогда же предприятие было преобразовано в ЗАО« Кисловодский фарфор — Феникс».

1930-е — объединение мастеров в артель, специализирующуюся по изготовлению сувениров из кости,
1952 — из артели по изготовлению сувениров из кости выделяется самостоятельное производство, связанное уже с фарфором — Кисловодкий ХудожПромКомбинат. (клеймо КХПК),
1967 —  Кисловодская фабрика сувениров (клеймо КФС, с 1970 по 1985),
1975 — первое фарфоровое изделие, декорированное ручной лепкой —туалетный набор «Декоративный», серебряная медаль ВДНХ, творческая группа по освоению новой техники декорирования,
1985 — ПО «Сувенир»,
1988 — ЗАО «Кисловодский фарфор—ФЕНИКС»,
с 2011 —  завод на грани банкротства

 

Аксинья

СЕМИКАРАКОРСКИЙ ФАЯНС

Семикаракорский народный художественный промысел России находится в городе Семикаракорск Ростовской области на правобережье реки Дон, вблизи устья реки Сал.

Изготовление керамики существовало на данной территории с момента расселения в степи человека — с энеолита, переходного периода между поздним каменным и ранним бронзовым веком (IV тысячелетие до н.э.).

На настоящий момент в окрестностях города открыты 27 поселений, содержащих керамический материал различных археологических культур, начиная с энеолита и заканчивая казачьим периодом. Исключая керамический импорт из Греции и Причерноморья, большая часть материала относится к керамике местного производства на основе местного сырья — глин и суглинков четвертичного периода, слагающих грунты на территории района.

Керамическое производство, близкое к современному, возникает примерно во второй половине ХIХ в. и первоначально связано с пришлым населением, позже в промысел включается и казачье население. Вначале ХХ века происходит укрупнение масштабов гончарного производства до артелей. В 1936 году гончары — (тогда промысел назывался кустарным), административно входили в Семикаракорский РПК (райпромкомбинат). В 1970—1972 годы. строится керамический цех, который становится базой промысла. С 1972 года основным материалом для производства становится фаянс, а основой производственного процесса — технология Конаковского фаянсового завода им. М.И. Калинина.

Блюдо Край донецкий, Аксинья, 1989

И в этом смысле Семикаракорский промысел наследует лучшие традиции русского фаянса. С этого времени Семикаракорская керамика выпускает продукцию, именуемую по общепринятой терминологии — твердый глинистый фаянс, декорированный ручной подглазурной росписью и покрытый бесцветной глазурью (с высокой степенью белизны 65—68) и исключительно ручным изготовлением и декорированием.

Чайно-кофейный сервиз, Аксинья, Семикаракоры

Начиная с 1973 года, изделия Семикаракорского райпромкомбината впервые отнесены к категории изделий народных художественных промыслов.

Начиная с 1971 года, формировался художественный стиль Семикаракорского промысла, в котором принимали участие художники, народные мастера предприятия, специалисты и искусствоведы Московского Научно-исследовательского института художественной промышленности. Удалось создать оригинальное художественное направление Семикаракорское письмо — это полихромная мазковая подглазурная роспись с использованием букетно-растительного орнамента с акцентом на более крупном центральном цветке, сюжетные композиции в стиле русских лубочных картинок, использующие фольклорные казачьи мотивы, стилизованные донские пейзажи с применением солей металлов в росписи, и все это — Семикаракорский фаянс.

Тончайший слой стеклянной глазури защищает нарядную кистевую роспись, поэтому после длительного использования изделий она не утрачивает первоначальной свежести восприятия.

 

В настоящее время на предприятии работает сильная творческая группа, в которую кроме модельщиков, живописцев и комплексного мастера, входит 7 художников. Творческая группа  работает над расширением ассортимента высокохудожественных изделий, внедрением в производство новых технологий. Работой творческой группы руководит художественный совет предприятия, основной задачей которого является обеспечение высокого художественного уровня выпускаемой продукции, определение художественно-стилевой направленности работы предприятия.

С 2000 года на предприятии открыт класс декоративно-прикладного искусства, в котором обучаются талантливые дети Семикаракорска, постигая азы художественного творчества. Четверо живописцев обучаются в ПИЮФУ на художественно-графическом факультете. В творческий коллектив входит 5 членов Союза художников РФ. Работы Семикаракорских мастеров и художников экспонируются на отечественных и зарубежных выставках, удостоены дипломами, золотыми, серебряными и бронзовыми медалями.

Скульптура Душа маво сердца Скульптура Душа маво сердца Солонка Рыбка
Кружка Разноцвет Скульптура Кошки  

На данный момент Семикаракорский фаянс развивается как самостоятельное направление донской культуры и является наивысшим достижением декоративно- прикладного искусства в керамике донского региона.

 

вторая половина XIX века — промысел казачьего населения,
начало XX века — артели,
1936 — гончарное производство на базе Семикаракорского РПК (райпромкомбинат),
1970—1972 — строительство керамического цеха — базы промысла в Семикаракорске Ростовской области,
1999 —  вхождение в ассоциацию НХП

 

 

Промыслы Вербилок

ГАРДНЕРОВСКИЙ ФАРФОР

Заложил фарфоровый промысел в 1754 году в селе в Вербильцы (а ныне — Вербилках) Дмитровского уезда местах англичанин Францъ Гарднеръ, с первого взгляда влюбившийся в красоту здешних мест. Именно) Гарднеръ стал производить фарфоровые изделия высокого качества, превосходящие белизной снежные покровы русской зимы.

Место для фабрики было выбрано на высоком берегу Дубны, где в нее Якоть впадает, и где в те времена стояла избушка перевозчика Феофана Бузникова. Его англичанин переселил на другое место, а крестьян у барина откупил, чтобы смогли они новое ремесло осваивать.

Стали жители Вербильцев трудиться на фарфоровом заводе: кто точильщиком, кто гончаром, кто живописцем.

И передавалось это умение позже из поколения в поколение, и обучали детей с самого малолетства. Так и стал завод для Вербильцев сердцем и гордостью, поставляя изделия ко двору матушки-императрицы Екатерины II и прославляя русское фарфоровое и живописное мастерство на весь мир Вербилковским промыслом.

И по сей день старожилы Вербилок передают своим детям и внукам секреты мастерства, а фабрика «Мануфактуры Гарднеръ» производит белоснежный и прочный фарфор с уникальной живописью коллекции «Промыслы Вербилок», которая хранит в себе великие тайны многовековой истории и тепло рук мастеров, вложивших душу в каждое произведение фарфорового искусства.

 

Знаменитый гарднеровский фарфор изначально был европейским, первых мастеров обрусевший английский купец Франц Гарднер пригласил из прославленного саксонского Мейсена. Прежде чем открыть свою фабрику, Гарднер много поездил  по России – от Соловков до Сибири, выискивая особую глину для фарфора. Лучший вариант он нашёл в уже знакомой ему Малороссии — на Черниговщине (так называемую «глуховскую»). Решив вопрос с  сырьём, Гарднер дал обещание «завалить» Империю собственной фарфоровой посудой, дабы не платить за импортную (например, мейсенский фарфор).

Предметы из Георгиевского сервиза, 1778, Козлов Гавриил Игнатьевич, Фарфоровый завод Гарднера, 1770-е

В 1777—1783 годах были изготовлены четыре орденских сервизов Георгиевский, Андреевский, Александровский и Владимировский для императрицы Екатерины. Они были предназначены для приёмов в честь кавалеров этих орденов. Первый же сервиз очень понравился Екатерине II, и Гарднер удостоился высочайшей  аудиенции. Сразу после приёма «на самом верху» московский генерал-губернатор пожаловал Гарднеру право ставить на его изделиях изображение  московского герба.

Изделия из гарднеровского фарфора стали лучшими в России. Этот фарфор не имел соперников до середины девятнадцатого века. Некоторые же изделия не уступали иностранным.

В начале девятнадцатого века в развитии гарднеровского фарфора начался новый этап. Заводские художники отказались от прямого следования европейским образцам и начали искать свой собственный стиль. Ампирные формы прекрасно сочетались с цветовой насыщенностью декора и жанровостью изобразительных мотивов.

Чайная пара «Гусар». Первая половина XIX века

Наряду с «эксклюзивом», предназначенным для императорских дворцов и домов высшей аристократии, Гарднер, обладавший прирождённым даром к коммерции, наладил и массовый выпуск фарфоровой посуды. Она высоко ценилась в России, и многие, кому не по карману было покупать импортный саксонский фарфор, охотно приобретали «родной», гарднеровский. Право использовать изображение Государственного герба России на продукции «Мануфактур Гарднеръ» было подтверждено в 1865, 1872, 1882, 1896 годах. С 1856 году фабрика «Мануфактур Гарднеръ» обладает званием «Поставщик Двора Его Императорского Величества».

Фигура «Крестьянин» из серии «Волшебный фонарь», 1820-е Скульптура «Суд сельского констебля». Завод Гарднера, 1860-е Чернильница «Поставщик». Завод Гарднера.1820

Во 2-й половине XIX века художественный уровень изделий завода падает из-за засилья шаблонных приёмов росписи, введение переводных картинок (декалькомании) с репродукциями салонной живописи. Расчёт на коммерческий успех приводят к упадку пластической и декоративной культуры. Возрождение предприятия в Вербилках пришлось на последнее десятилетие XIX века В 1892 году фабрика была куплена Матвеем Кузнецовым и вошла в «Товарищество производства фарфоровых и фаянсовых изделий М.С. Кузнецова». С переходом фабрики в руки Кузнецова производство увеличилось. Будучи хорошим коммерсантом, Кузнецов не захотел терять постоянных заказчиков на гарднеровский фарфор и поэтому до революции 1917 года ставил на изделиях клеймо «Гарднер». После революции 1917 году предприятие было национализировано и стало называться «Дмитровский фарфоровый завод». В 1950—1960-е гг. предприятие продолжило работу по созданию уникальных изделий, мелкой пластики. Эти годы называют временем расцвета фарфоровой скульптуры.

Скульптура Клоун красный,  форма и роспись — народный художник РСФСР С.М. Орлов 

Штоф Коза с колокольчиком
 У самовара. Заслуженный художник РФ Ю.Б. Золотов, роспись — заслуженный художник РФ А.П. Харитонов

В 1991 году работники завода выкупили его и организовали ЗАО «Фарфор Вербилок». В 1995 году основано дочернее предприятие  «Промыслы Вербилок», перед которым была поставлена задача возрождения и сохранения традиций дореволюционного фарфора, у истоков которого стояли два семейных клана — Гарднеры и Кузнецовы.

Сейчас «Фарфор Вербилок» — один из трёх действующих фарфоровых заводов России.

. 

1754 — организация фарфорового производства в сельце Вербильцы Францем Гарднером,
1756 — открытие фарфоровой фабрики,
1777—1783 — изготовление II четырёх орденских сервизов Георгиевский, Андреевский, Александровский и Владимировский для императрицы Екатерины. Они были предназначены для приёмов в честь кавалеров этих орденов,
1892 — покупка фабрики Гарднера Матвеем Кузнецовым и вхождение её в «Товарищество производства фарфоровых и фаянсовых изделий М.С. Кузнецова»,
1917 — национализация и переименование в «Дмитровский фарфоровый завод,
1920-е — впуск агитационного фарфора,
1941—1945 — выпуск художественного фарфора прекращён,
1950—1960 — время расцвета фарфоровой скульптуры,
1991 — приватизация завода и организация ЗАО «Фарфор Вербилок»,
1995 — учреждение дочернего предприятия «Промыслы Вербилок».

 

Мастерская ярославской майолики Павловой и Шепелёва

ЯРОСЛАВСКАЯ МАЙОЛИКА

Обычно, когда речь заходит о майолике, первое, что вспоминается как яркое явление — это искусство итальянской расписной керамики XVI—XVII веков: изысканные кувшины, аптечные сосуды, блюда, тарелки, богато украшенные «картинными» мифологическими сюжетами, орнаментальным декором «гротеск» и портретами юных красавиц. Именно эти произведения стали для многих европейских мастеров последующих эпох эталоном для подражания и вдохновения в создании собственного искусства.

Майолика не такой древний по истории материал как, например, терракота или гончарная глина, но более «вечный», часто используемый в архитектуре, скульптуре, декорировании фасадов и интерьеров. В Европе, в Италии он появился в XV веке, куда попал с острова Майорка, из стран Среднего Востока, из Ирана. Восточные майоликовые изделия славились своим покрытием на основе металлизированных глазурей. Такими их увидели итальянские художники, заменившие иранские глазури на белую непрозрачную эмаль.

В России майолику как материал,  в классическом (итальянском) виде, т.е. как изделия из цветной обожженной глины с крупнозернистым черепком, покрытые непрозрачной белой эмалью, стали использовать только в XVIII веке. И долго, вплоть до конца XIX века, ее называли «фаянсом русской работы». Хотя сам термин в качестве специального названия такой же итальянской керамики появился в отечественной литературе в 1795 году.

Одним из первых русских предприятий, выпускавших изделия из майолики, стал московский завод Афанасия Гребенщикова, основанный в 1744 году. Однако мировую известность этому материалу в России, как и всему отечественному декоративно-прикладному искусству XVIII века принесли произведения гжельских крестьян-керамистов. Быстро освоив и переработав у себя дома в Гжели европеизированную гребенщиковскую продукцию, они создали самобытное искусство и такой же оригинальный сосуд, как квасник. Этого успеха в майолике добились гжельские мастера в конце XX века. И казалось, что уже  было трудно появиться чему-то интересному, не похожему на гжельский промысел. Но буквально за последние двадцать лет мы стали свидетелями рождения и развития еще одного очага керамического искусства: в Ярославле в 1992 году появилась производственная фирма «Майолика Павловой и Шепелёва».

Основанная в 1992 году Евгением Шепелёвым и Натальей Павловой мастерская (в настоящее время полное наименование «Мастерская майолики Павловой и Шепелёва») — предприятие, которое специализируется на выпуске высокохудожественных изделий из керамики в технике майолика. Все изделия: от елочных украшений до фундаментальных настенных барельефов и панно — это полностью ручная работа, что придает им индивидуальное своеобразие  и уникальность.

Ёлочная игрушка. Лыжник Ёлочная игрушка.  Дети на коньках Ёлочная игруг\шка. Кай
Ёлочная игрушка. Хозяюшка с самоваром коллекция Масленица Сувенир. Снеговик с балалайкой Колокольчик. Гармонист

В настоящее время ООО «Мастерская майолики Павловой и Шепелёва» объединяет 97 работников и имеет свою школу майолики. Продукция «Майолики» всемирно известна и реализуется как бренд «Ярославская майолика» в России и за рубежом.

Предприятие — дипломант многих художественных и коммерческих выставок. Неоднократный победитель выставок в номинациях «Лучшие товары рынка России», «Лучший дизайн изделий подарочно- сувенирной продукции», «Новое в бизнес — сувенирах с элементами корпоративного стиля» и многих других. На международной выставке, проходившей в феврале 2008 году в Нью-Йорке, американскими экспертами предприятие «Майолика» отмечено как единственное им знакомое, работающее по такой сложной технологии.

«Мастерская майолики Павловой и Шепелёва» — это широкий спектр эксклюзивных изделий, выполненных в технике «майолика» интерьерного, подарочного, декоративно-прикладного направления.

XVII век — голландцы и итальянцы завозят майолику,
XVII век  — мастера Ярославля производят изразцы для стен,
1992 —  ООО «Майолика», проект ярославских художников Евгения Шепелёва и Натальи Павловой (5 работников),
2002 — переименовано в «Мастерскую ярославской майолики Павловой и Шепелёва» (97 работников)

 

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА БЕРЕСТЫ

Великоустюгские узоры

ШЕМОГОДСКИЙ ПРОМЫСЕЛ БЕРЕСТЯНЫХ ИЗДЕЛИЙ

Шемогодская прорезная береста — самый известный берестяной промысел в России. Знаменит он и за границей. Название свое промысел получил от речки Шемоксы, что впадает в Северную Двину ниже Великого Устюга.

Первое упоминание о берестяных шемогодских вещах, как о товаре, находим на страницах путевого дневника отставного секунд-майора Петра Челищева, посетившего Великий Устюг в 1791 году.

 

Резьбой по бересте начали заниматься там, где под рукой был материал. В деревне Курово-Наволок, окружённой березовыми лесами, и начал работать первый резчик. Отсюда по имени речки Шемоксы, притоку Северной Двины, и установилось название шемогодской резьбы.

Первым известным истории шемогодским мастером был Вепрев. Долгое время резьбой по бересте здесь занимались только его потомки.  Здесь и возник  сам промысел.

Крестьяне деревни Курово-Наволок ещё в XVIII веке научились искусству прорези и тиснения на бересте, а во второй пол. XIX века этим ремеслом уже занимались крестьяне в 14 деревнях Шемогодской волости.

Орнаменты шемогодских резчиков, названные «берестяным кружевом», использовались при изготовлении шкатулок, коробочек, чайниц, пеналов, туесов, блюд, тарелок, портсигаров.

В ранних памятниках преобладают сюжетные композиции. На берестяных шкатулках, тавлинках, сундучках в обрамлении растительного орнамента изображались сцены из дворянской жизни, юмористические нравоучительные картинки, сказочные существа, повседневные крестьянские занятия. С историей промысла связаны имена многих талантливых мастеров. В Государственном Историческом музее есть подписные работы великоустюгского мастера Степана Бочкарёва. Это шкатулки и табакерки первой половины XIX века со сценками на сюжеты басен Эзопа, с изображениями животных и архитектурных сооружений.

Шкатулка. Конец XIX века. Великий Устюг. Резьба, тиснение, гравировка по бересте. ВУКМ

Наибольшей популярностью пользовались изделия династии Вепревых. Самым известным мастером этого промысла был И.А. Вепрев. Именно его изделия получили большую известность и принесли славу шемогодской бересте. Мастер имел десять медалей и дипломов различных выставок и ярмарок. Мотивами творчества шемогодских мастеров, с любовью и исключительным художественным чутьем подходивших к разрешению декоративного оформления своих изделий, были образцы, дошедшие от древних верований их далёких предков, наблюдения над окружающей природой, а также мотивы, пришедшие извне, но всегда по-своему воспринятые и основательно переработанные.

 Туес. XIX век. Шемогодье Великоустюгского уезда. Резьба по бересте. ГРМ.

К 1882 году в Шемогодской волости В. Устюжского уезда помыслом занимались 168 человек. Вот что писалось в Очерке кустарных промыслов Вологодской губернии: «Лучшие бурачники в деревне Курово-Наволок. Они делают по заказу чрезвычайно изящные бураки». Имеются в виду изделия, украшенные прорезной берестой: туески, блюда, перчаточницы, пеналы, дорожные шкатулки и другие изделия. Изящный растительный орнамент, вырезанный мастером, украшал стенки и крышки изделий. Береста на темном или золотистом фоне выглядела как дорогой материал. Естественно, и изделия были привлекательны для покупателя.

Самым известным мастером этого промысла был И.А. Вепрев. Именно его изделия получили большую известность и принесли славу шемогодской бересте. Мастер имел десять медалей и дипломов различных выставок и ярмарок, в том числе и медаль Всемирной выставки 1900 года в Париже. В 1882 году на Всероссийской промышленной ярмарке его изделия были удостоены премии и полностью куплены императорским двором. Стоили они очень дорого: от 5 до 13 рублей за штуку, в то время как заработок крестьян, занимавшихся бурачным промыслом, по сведению Ф. Арсеньева, составлял 16 рублей за 6 зимних месяцев. В связи с большим спросом на изделия промысел постоянно расширялся. Работали не только мужчины, но и женщины, дети. В 1908 году в деревне Погорелово была открыта крестьянская ремесленная школа. Изделия с прорезной берестой в основном шли за границу. В США были модными шкатулки для перчаток, автоматы для папирос. Франция и Германия тоже пользовались изделиями с речки Шемоксы.

Революция 1917 года мало повлияла на работу мастеров. Советской республике нужна была твердая валюта для подъема народного хозяйства. В 1918 году кустари деревни Кирово-Наволок по инициативе мастера А.В. Вепрева объединились в Шемогодскую кооперативно-производственную артель. Перечень выпускаемых изделий был велик: платочницы, перчаточницы, табачницы, чайницы, рабочие ящики, коробки с выдвижными крышками, автоматы для папирос, коробки книгой, восьмиугольные и пирамидами. Местными властями края были организованы централизованные заказы, коллективная заготовка сырья и сбыт готовой продукции. Большую роль в производстве берестяных изделий стали играть женщины. В 1928 году представительство Госторга предполагало реализовать в Германии берестяных изделий на 5000 рублей золотом. А в 1930 году Всероссийский союз промысловой кооперации обязался поставить па экспорт Кустоэкспорту берестяных изделий на 10000 рублей золотом.

В 1934 году старший мастер промысла Николай Васильевич Вепрев (1886—1964) в соседнем с деревней Курово-Наволок селе Павшино организует новую артель «Солидарность», не связанную с производством изделий на внешний рынок по строго установленным образцам. Таким образом, у резчика, знавшего множество чудных узоров, вновь появилась возможность свободного творчества.

Берестяные ажуры Н.В. Вепрева конца 1930-х годов привлекают внимание оригинальностью и разнообразием композиционных решений. Традиционные растительные мотивы в виде гибких стеблей, увенчанных скромными двулистниками и трилистниками, столь характерные для шемогодского орнамента 1920—30-х годов. 

В 1935 году после объединения всех мастеров резьбы по бересте в одну артель при Шемогодском мебельном комбинате начинаются активные поиски нового стиля, новых орнаментальных и сюжетных форм.

 

В послевоенный период шемогодский орнамент, сохраняя свой общий традиционный характер, заметно усложняется.

В 1950-е годы художественное руководство промыслом осуществлялось Научно-исследовательским институтом художественной промышленности. Производство шемогодских берестяных изделий продолжалось до ликвидации промкооперации в 1960 году.

 

 

В 1972 году Вологодским управлением местной промышленности было принято решение о создании бригады резчиков по бересте на Великоустюгской фабрике художественных кистей. Обучение молодых резчиков сложному языку искусства прорезной бересты поручили А.Е. Марковой.

В 1981 году в городе состоялось открытие экспериментальной фабрики «Великоустюгские узоры». В 2010 году предприятие прекратило существование. 

 

с XIII века — упоминание в письменных источниках о существовании берестяного промысла в Шемогодской волости Устюгского уезда
1908 — открытие крестьянской ремесленной школы в деревне Погорелово,
1918 — организация Шемогодской кооперативно-производственной артели,
1934 — организация Н.В. Вепревым новой артели «Солидарность»,
1935 — объединения всех мастеров резьбы по бересте в одну артель при Шемогодском мебельном комбинате,
1960 — ликвидацция артелей,
1972 — создание бригады резчиков по бересте на Великоустюгской фабрике художественных кистей,
1981 — открытие экспериментальной фабрики «Великоустюгские узоры»,
1998—2002 — ТОО «Великоустюгские узоры»
2002—2010 — ЗАО «Великоустюгские узоры»

 

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ОБРАБОТКА КОСТИ

ХОЛМОГОРСКАЯ РЕЗЬБА ПО КОСТИ

Холмогоры — одно из древнейших русских поселений на Беломорском Севере. Первое упоминание о Холмогорах встречается в Уставной грамоте новгородского князя Святослава Олеговича 1138 года. Ныне село Холмогоры расположено на  левом берегу реки Курополки, рукава Северной Двины, в 76 км от  Архангельска.

Письменное упоминание о холмогорских резчиках относится к XVII веку, когда местный «гребенный мастер» Евдоким Шешенин и его братья были вызваны в Москву для работы в Оружейной палате и, впоследствии, стали лучшими её косторезами.

Это первая фамилия мастера-костореза, которую сохранили для нас архивные документы. Но ведь и до братьев Шешениных, были резчики: «…стоит подворотенка — дорог рыбий зуб, мудрены вырезы вырезано, а и только в вырезу муравью пройти». Старинная северная былина. Именно об этом. О мастерстве тех, кто ещё до XVII века занимался резьбой по кости. Их имён не донесло до нас устное народное творчество. Но, благодаря ему, мы прекрасно понимаем, что холмогорскому косторезному промыслу значительно больше, чем 400 лет.

XVIII век стал временем подлинного расцвета холмогорской художественной резьбы. В 1703 году была основана новая столица России на берегах Невы. Для того, чтобы блистать и поражать Европу, срочно понадобились красивые, нарядные, неординарные вещи. Холмогорские мастера по своему профессиональному уровню уже могли это сделать, и были готовы выполнять поступившие им заказы.

Ларец-теремок. Начало XVIII века. Холмогоры Архангельской губ.

Большую часть заказных изделий того периода составляли ларцы самых разных размеров. Они могли иметь форму сундучка с четырехскатной крышкой, а могли выполняться простыми коробочками с ровным верхом, чей деревянный корпус оклеивался костяными пластинами из моржовой кости или обычной цевки. Для оживления монотонной поверхности ларца часть этих пластин окрашивалась в зеленый, реже коричневый, цвет.

На пластины гравировкой наносился так называемый «глазковый» орнамент в виде концентрических кругов с точкой-глазком посередине. Или растительный — из небольших веточек с бутонами и розетками цветов. Гравированный рисунок подкрашивался зелёным, красным или чёрным цветом, что, с одной стороны, создавало определённый контраст с чистым белым или молочно-кремовым материалом кости, а с другой — связывало её в единую композицию с уже с окрашенными пластинами.

Костяные изделия вошли в моду. Они не только вручались в качестве памятных подарков разным высокопоставленным особам и просто важным лицам, но и постоянно находились в царском обиходе.

В течение всего XVIII века спрос на художественные изделия холмогорских резчиков неуклонно рос. Расширялся как сам ассортимент костяных изделий, так и многообразие форм и способов их декорирования. К уже ставшим традиционными ларцам и коробочкам добавились табакерки, миниатюрные комодики, секретеры и туалетные шкатулки. К гребням — подставки под часы и пластины с портретами. Ажурный орнамент дополнился цветным фоном прокладки, в качестве которой используются фольга или шелковая ткань. И, как результат, любая вещь становится пышной и нарядной, превращаясь в настоящее произведение искусства. Чему в немалой степени способствовали и мастера-косторезы, творившие в то время.Холмогорская резьба

В начале XIX века определенные коррективы в работу холмогорских мастеров вносят элементы нового архитектурного стиля — классицизма. Особую строгость и изыск приобретают пропорции изделий, их формы, в которых более отчётливо проявляется геометрическое начало, становятся лаконичнее, а орнамент – миниатюрнее.

   

В конце XIX—начале XX веков у холмогорской художественной резьбы появляется новый характерный элемент — механика сквозной резьбы. И — новые имена мастеров, виртуозно освоивших этот технологический приём: Михаил Михайлович Бобрецов и Максим Иванович Перепелкин, учитель и ученик.

К концу XIX века искусство холмогорского промысла переживает упадок, характерный для многих центров народного творчества. Не дает результатов ремесленный класс по подготовке кадров. На рубеже двух столетий его закрывают. Остаются три мастера, сохраняющие традиции промысла. Их усилиями начинается подготовка резчиков с 1930 года в новой профессионально-технической школе.

В 1933 году произошла организация Холмогорской косторезной артели имени М.В. Ломоносова.

В период экономической стабильности и государственных дотаций 1930—1970-х годов всех устраивало налаженное фабричное производство мелкотиражной продукции промысла, пользовавшейся стабильным покупательским спросом. Для крупных художественных, в том числе и международных, выставок, а также музейных коллекций ведущим мастерам-художникам заказывались уникальные произведения, демонстрирующие лучшие достижения в сохраненных традициях холмогорской резьбы по кости.

Выпускники её в середине 1950-х годов сумели возродить ценные традиции промысла и создать серию высокохудожественных произведений, в которых проявилось владение сложными приемами резьбы.

Начиная с 1960-х годов свои творческие возможности раскрывает новое поколение мастеров и художников. Их работы освобождаются от излишней сложности и перегрузки, наблюдавшейся в предыдущиее десятилетие. Наступает период создания более простых по форме изделий, украшенных орнаментами и  изобразительными сюжетами, выполнение которых ориентируется не на трудоемкие приемы резьбы, а на декоративную выразительность мотива. Поскольку мастерам все чаще приходится работать с простой костью-цевкой, вновь начинают применять ее подкраску в зеленый и коричневый цвета. Холмогоры.

Гравированый рисунок из вспомогательного средства в некоторых работах становится главным и единственным. Он выделяется на гладкой поверхности вазы, шкатулки, декоративного стакана однотонной подцветкой. Сам рисунок гравюры выступает теперь в новом композиционном качестве. Классический орнамент в виде веточек с цветами, ритмически повторяемый на шкатулке, предстает как декоративный, носюжетно развернутый мотив деревьев, кустиков, трав в условной картине весеннего или летнего пейзажа. Изобразительная основа с конкретным обозначенным сюжетом приобретает все большее значение в тематических композициях холмогорских мастеров.      

Продолжая работу с цевкой, мастера находят новые технические решения для конструирования предмета, позволяющие добываться неожиданных художественных разультатов. Склеивая изогнутые пластины, полученные от распила трубчатой кости домашних животных, они создают вазы, формы которых прежде можно было получить лишь вытачивая из цельного блока бивня. А искусная ажурная резьба, украшающая такой предмет, заставляет забыть, что удивительная работа выполнена из совершенно простого материала.

В начале 1980-х годов именно фабрика стала серьезным тормозом для развития новаторских идей: стали резко осуждаться яркие «нетрадиционные» решения и «отступления» от официально принятых «традиций». По этой причине многие художники стали уходить в собственные мастерские и самостоятельно искать сбыт для своих произведений.

Характерной чертой 1990-х годов является рост индивидуального начала в творчестве мастеров.

В 2002 году после банкротства закрытого акционерного общества «Холмогорская резьба по кости им. М.В. Ломоносова» было образовано муниципальное предприятие «Холмогорская резьба по кости».

Общая нездоровая финансово-экономическая ситуация в стране на рубеже XX—XXI веков отразилась и на состоянии Ломоносовской фабрики резьбы по кости, вынужденной выживать в это сложное время.

В начале XXI века фабрика продолжает специализироваться на выпуске в основном легкой тиражированной продукции из простой кости, которая пользуется определенным, К наиболее распространенным изделиям относились разнообразные броши, серьги, подвески, колье, закладки.

Фабрика художественной резьбы по кости в селе Ломоносово закрылась в 2005 году. Мастера дома изготовляют массовые изделия и уникальные тематические вещи из моржовой, мамонтовой и кости-цевки на продажу. В косторезном училище мастера обучают меньше десятка студентов. Многие окончившие училище едут в Санкт-Петербург, учиться дальше в Академии художеств или в Мухинском училище. Промысел не умирает, но и не процветает. На родине Ломоносова и сейчас создаются руками умельцев потрясающие вещи, которые как и прежде находят своего покупателя.

 

XVII век — первое упоминание о мастерах-чёточниках,
1930 — создание профессионально-технической школы,
1933 — создание Холмогорской косторезной артели имени М. В. Ломоносова,
1960 — преобразование артели в фабрику художественной резьбы по кости. имени М.В. Ломоносова,
1990 — приватизация и реорганизация Фабрики художественной резьбы по кости имени М.В. Ломоносова в ЗАО,
2002 — банкротство Фабрики художественной резьбы по кости имени М.В. Ломоносова и образование муниципального унитарного предприятия,
2005 — второе банкротство и прекращение существования Фабрики художественной резьбы по кости имени М.В. Ломоносова

 

Уэленская костерезная мастерская

УЭЛЕНСКАЯ РЕЗЬБА ПО КОСТИ

Уэлен — посёлок береговых чукчей и азиатских эскимосов. Он расположен на северо-восточной оконечности Чукотского полуострова, на узкой косе между океаном и обширной лагуной. Жители Уэлена охотятся на моржей, тюленей, китов; в недавнем прошлом многие из них занимались оленеводством. Уэлену не менее 2-х тысяч лет. Живут здесь, главным образом, чукчи, а также эскимосы и русские. Современное название Уэлен происходит, по всей видимости, от чукотского «увэлэн»,  что означает «чёрная проталина».

Чукотская резная кость — вид народного искусства, издавна распространенный у чукчей и эскимосов северо-восточного побережья Чукотского полуострова и островов Диомида; пластически выразительные фигурки животных, людей, скульптурные группы из моржового клыка; гравированные и рельефные изображения на моржовых клыках и бытовых предметах.

Резьба по кости на Чукотке имеет многовековую историю. Древнеберингоморская культура характеризуется анималистической скульптурой и бытовыми предметами, выполненными из кости и украшенными рельефной резьбой и криволинейным орнаментом. В следующий, пунукский период, длившийся, примерно, до начала второго тысячелетия, скульптура приобретает геометризованный характер, криволинейный орнамент сменяется строгим прямолинейным. В XIX веке появляется сюжетная гравировка на кости, берущая истоки в пегтымельских петроглифах и ритуальных рисунках на дереве.

В конце XIX—начале XX века в результате развития торговли с американскими и европейскими купцами и китобоями появляются украшенные резьбой сувенирные предметы, предназначавшиеся для сбыта. Для начала XX века характерно появление моржовых клыков с гравированными на них изображениями.

Не только китобои и торговцы, а также визитеры советского времени (чиновники, хозяйственники, геологи, ученые) охотно покупали костяные фигурки моржей и белых медведей, пелекенов, резные муштуки и курительные трубки. Для кают-компаний могли заказать и салфеточные кольца. Именно с чукотской фигурки, приобретённой заезжими моряками, а затем геологами и полярниками экзотических сувениров и началось превращение древнего ритуального искусства в народный художественный промысел.

В 1930-е годы промысел постепенно сосредотачивается в Уэлене, Наукане и Дежневе.

В 1931 году в Уэлене создается стационарная косторезная мастерская. Её создателями были местные жители — Тегрынкеу и Вуквутагин. Тегрынкеу выполнял организаторские функции, а Вуквутагин, будучи искусным резчиком по кости, стал художественным руководителем мастерской.

Моржовая кость. резьба. Чукотка, Уэлен,.1920-е  Моржовая кость. резьба. Чукотка, Уэлен,.1940-е. Моржовая кость. резьба. Чукотка, Уэлен,.1920-е. 

«Уэленская косторезка» объединила большую группу чукотских и эскимосских резчиков и гравёров, главным образом, тех, кто в силу возраста или состояния здоровья уже не мог активно участвовать в морской охоте. Коллективные формы творчества имеют особое значение для народного искусства, и создание в Уэлене косторезной мастерской привело к появлению в резьбе и гравировке у чукчей и эскимосов новых, ярких художественных форм.

Статуэтка. Кость, резьба, гравировка. Чукотка, Уэлен, 1980-е 

Статуэтка Оленевод. Кость, резьба, гравировка.
И. Сейгутегин  Чукотка, Уэлен, 1985  

В 1937 году работы уэленцев впервые экспонировались в Москве, в Третьяковской галерее. Эта выставка стала для многих подлинным открытием глубоко оригинального художественного феномена – изобразительного творчества коренных жителей прибрежной Чукотки. В 1930-х годах вслед за «Уэленской косторезкой» косторезные мастерские появились в других национальных чукотских селениях, но их существование оказалось недолгим. Уэленская косторезная мастерская же продолжала работу и во время Великой Отечественной войны, когда Чукотка была на грани голода, и в не менее трудные послевоенные годы.

Моржовая кость, графит цветных карандашей, гравировка. Чукотка, Уэлен, 1987. 

В 1970—80-х годах в мастерской работал едва ли не каждый третий житель посёлка. В 1990-х годах мастерская вновь, как во время войны, едва не была закрыта, однако и на этот раз уэленские художники отстояли своё право на творчество и самостоятельность.

Технология резьбы

Форму будущего сувенира всегда диктует материал. Мастер вписывает позу фигурки в изгибы кусочка, в его сколы и трещины. При этом нужно минимизировать расход материала, но, например, при ажурной резьбе в пыль может уйти до 50 процентов бивня. Мастер эскизов на бумаге не делает, а на самом куске карандашом помечает части будущей фигурки. Интересно, что ни одна ручная работа не повторяет другую в точности, даже если мастер этого захочет. Каждый бивень или рог имеет свою фактуру и цвет, двух идентичных кусков не бывает.

Рабочий инструмент резчика — бормашинка, аналогичная стоматологической, а также различные фрезы и боры. Под столом мастера стоит пылесос для сбора костяной пыли. Основная форма фигурке придается крупными вращающимися фрезами. Когда в кусочке уже можно распознать, например, будущего мамонта, начинается прописывание деталей. Более мелкими стоматологическими борами или ювелирными фрезами вырисовываются глаза, шерсть у мамонта или чешуя у рыбы.

Там, где самым миниатюрным бором не «подлезть», где нужно сделать четкие грани, начинается работа штихелями — маленькими стамесочками, какие используют при работе с металлом ювелиры. Мастер нпридает четкий контур копыту мамонта, детально прорисовывает глаза. Здесь важна аккуратность. Бывает, из–за скрытой микротрещины откалывается кусок материала. Тогда мастеру приходится переделывать сувенир в более мелкую фигурку, но резать заново всегда сложнее.

Каждый сувенир из кости или рога блестит. Мастер никогда не покрывает фигурки лаком, ведь важно сохранить текстуру кости или бивня. Фигурка тщательно полируется, для этого используется войлочный или фетровый круг, вращающийся на бормашинке, а также полировальная паста. У хорошо отполированного сувенира видна структура материала. На продольной части бивня — она полосатая, с торца куска проступает сложный геометрический узор.

В конце мастер крепит к фигурке мелкие детали. Например, мамонту нужно приклеить бивни. Они вытачиваются и полируются отдельно. Мастер в этих миниатюрных кусочках различает даже левый и правый бивни. Часто готовая фигурка — только часть большой композиции. бивень. Части композиции приклеиваются друг к другу, но иногда требуется стяжка шурупами, которые располагаются в потаенных местах. Одна композиция может состоять из десятков частей. На ее изготовление уходит до нескольких месяцев.

 

Уэленская косторезная мастерская или «Уэленская косторезка» (так часто называют её на Чукотке), является одним из самых крупных в мире центров изобразительного искусства аборигенных народов Арктики. Скульптуры, гравированные клыки, декоративные изделия, выполненные в мастерской, хранятся во многих отечественных и зарубежных музеях, их можно также увидеть в многочисленных частных коллекциях. На протяжении многих лет творчество художников УКМ привлекает к себе внимание искусствоведов, этнографов, писателей, журналистов.

Уэленская косторезная мастерская продолжает работать и сегодня, а работы уэленских резчиков и гравёров стали «визитной карточкой» современной Чукотки.

 

c XII—XIII века,
XIX век — сюжетная гравировка по кости,
XIX—начало XX века — спроизводство сувенирных предметов,
1930-е  — сосредоточения промысла постепенно в Уэлене, Наукане и Дежневе,
1931 — создание стационарной косторезной мастерской «Уэленская косторезка» в Уэлене, объединение чукотских и эскимосских мастеров,
1930-е — появление косторезных мастерских в других национальных чукотских селениях (существовали до начала 1940-х) 

 

Тобольская фабрикахудожественных косторезных изделий

ТОБОЛЬСКАЯ РЕЗЬБА ПО КОСТИ

Незначительный ввоз в Тобольск и другие города Зауралья в ХVII веке изделий из кости: ножевых черенков, «слоновых гребней», костяных нашивок и пуговиц может свидетельствовать об успехах местного производства.

Первые же косторезные мастерские появились в Тобольске в начале XVIII века. В 1721 году сюда были сосланы шведские офицеры, взятые в плен во время северной войны. Они занимались в Сибири разными ремеслами, в том числе токарной резьбой по кости – точёные табакерки пользовались спросом в высших кругах сибирской столицы.

В 1860-е годах уже ссыльные поляки занялись изготовлением брошей, табакерок, заколок, пресс-папье, а также распятий и образов Мадонны.

Основной линией развития тобольского промысла стала миниатюрная объёмная скульптура. В 1897 году при Тобольском губернском музее была создана комиссия по изучению кустарных промыслов губернии. В их возрождении видную роль сыграл тобольский художник М.С. Знаменский (1833—1892), научившийся резать кость у ссыльных поляков и потом дававший уроки косторезам-тоболякам. Самым талантливым из них оказался П.Г. Терентьев. В тобольском косторезном искусстве он заложил основы миниатюрной жанровой скульптуры.

В 1870-е годы в тобольском косторезном промысле начинается этап. этап товарного производства. Организуются косторезные мастерские, ориентированные на большие объёмы продукции и массовый спрос.

В 1874 году появилась косторезная мастерская Овешковой, которая способствовала оформлению художественного стиля тобольского искусства — выделению детально проработанной круглой скульптуры.

Традиционным здесь стала вид инкрустация — украшение изделий из белой кости костью различных естественных оттенков.

Вслед за мастерской Овешковой  открывались и другие мастерские, самая крупная из них — «Образцовая Сибирская мастерская Ю.И. Мельгуновой», учреждена в 1893 году. Изделия поступали в Санкт-Петербург, Москву, Казань, Киев, Нижний Новгород.

«По изяществу работы, разнообразию и рисункам изделия мастерской Мельгуновой выше работы других мастерских; по цене они  менее доступны  публике. Высокие цены владелица мастерской объясняет необходимостью долгой сушки и выдержки кости, приобретение рисунков и содержания лучших мастеров».

В начале XX века костерезный промысел в Тобольске приходит в упадок: рынок стал заполняться художественными изделиями фабричного производства. Владельцы мастерских стали выпускать изделия занимательного порядка: натуралистические паучки, мышка, приходящая в движение, на кусочке хлеба. Натурализм стал симптомом упадочности. И лишь некоторые мастера пытались сохранить лицо промысла в пору его расцвета. В числе лучших мастеров ведущим оставался Порфирий Григорьевич Терентьев.и Промысел возрождается после установления Советской власти.

В 1960 году создана Тобольская фабрика художественных косторезных изделий. На фабрике хранится единственная по уникальности коллекция произведений из мамонтовой кости, зуба кашалота, клыка моржа: ажурные шкатулки, шахматы, письменные принадлежности.

 «По изяществу работы, разнообразию и рисункам изделия мастерской Мельгуновой выше работы других мастерских; по цене они  менее доступны  публике. Высокие цены владелица мастерской объясняет необходимостью долгой сушки и выдержки кости, приобретение рисунков и содержания лучших мастеров».

В 1920-е годы в Тобольске  создаётся музей изящных искусств и художественно-промышленные мастерские с отделением резьбы по кости, а в 1928-м году у косторезов появился свой цех при «Многопромсоюзе». Через пять лет курировать работу тобольских резчиков стал московский Научно-исследовательский институт художественной промышленности.

В конце 1920-х годов в городе была создана артель «Коопэкспорт», обеспечивавшая поставку изделий за границу.

Во второй половине 1930-х годов в ассортименте тобольского промысла получают развитие многофигурные композиции.

В конце 1950-х годов сказывается влияние резьбы других центров. В коллектив тобольской артели влились выпускники Московского, Ломоносовского, Абрамцевского и Хотьковского учебных заведений.

В 1950—60-е годы изменился традиционный подход к поделочному материалу. Дело в том, что для тобольской резьбы характерна круглая скульптурная форма. Однако со временем бивень мамонта, а затем и зуб кашалота стал дефицитным сырьём, необходимо было переориентироваться на простую поделочную кость-цевку. Этот рубеж был преодолен благодаря сотрудничеству с НИИХП.

В 1960 году артель «Коопэкспорт» реорганизовали в Тобольскую фабрику художественных косторезных изделий. Так началась новая история тобольской резьбы по кости. В настоящее время на фабрике трудится 60 резчиков. 

Кривошеин. Копозиция Соловей-разбойник  
XVII век — поизводство изделий из кости для местного потребления,
начало XVIII века — появление первых косторезных мастерских,
1874 — появление косторезной мастерской Овешковой,
1893 — учреждение «Образцовой Сибирской мастерской Ю.И. Мельгуновой»,
1897 — создание комиссии по изучению кустарных промыслов губернии при Тобольском губернском музее,
1920-е — создание музея изящных искусств и художественно-промышленных мастерских с отделением резьбы по кости,
1928 — появление косторезного цеха при «Многопромсоюзе»,
конец 1920-х —  создание артели косторезов «Коопэкспорт», работающих на экспорт,
1960 — реорганизация «Коопэкспорта» в Тобольскую фабрику художественных косторезных изделий

 

Варнавинская художественная фабрика резьбы по кости

ВАРКО

ООО «ВАРКО» (Варнавинская резная кость) — предприятие, возродившее традиции народного косторезного промысла в Нижегородской губернии.

Резьба по кости — искусство такое же древнее, как и резьба по дереву. Зародилось оно на русском Севере, близ села Холмогоры, в среде жителей тундры и морских побережий. Материалом для работы служили моржовый клык и бивень мамонта. Первыми изделиями были наконечники для гарпунов и стрел, ножи, рукоятки и ножны для ножей, иглы для шитья, чашки, детали оленей и собачьей упряжек, украшения, фигурки различных животных для амулетов.

Музейные документы свидетельствуют, что резные изделия из кости на нижегородской земле появились в конце XVIII—начале XIX века. Характер резьбы по кости был очень близок к манере деревянной резьбы нижегородских мастеров того времени. Резьбой по кости украшались рукояти ножей и другого холодного оружия, плашки для перочинных ножей, мундштуки, подсвечники, приклады и цевьё ружей, украшения и предметы утилитарного назначения.

 

Возрождение промысла в XX веке связано с именем мастера Парфена Черникова, который был приглашен в Нижний Новгород из всемирно известного центра косторезного искусства Холмогоры Архангельской области .В 1971 году открыт участок для обучения молодёжи по профессии резчика по кости. Наставником стал Парфён Черникович.

В 1973 году участок преобразован в филиал Казаковского производственного ювелирного объединение со специализацией резьбы по кости.

В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку» и рог. Кроме того, в работе используются и ценные виды кости — мамонта и моржа. Форма кости, её белый цвет и матовость поверхности дают возможность народным мастерам, используя народные приемы декорирования, создавать оригинальные произведения.

Работа выполняется вручную с помощью лобзика, специальных приспособлений и инструментов. Изделия варнавинских косторезов отличает изысканная ажурная или рельефная резьба, гравировка. Рельефная резьба заключается в следующем: на костяной пластинке по контурам нанесенного рисунка режущими инструментами выбирают фон, оставляя при этом выпуклые рельефы на поверхности кости. Ажурная резьба на проем отличается от рельефной тем, что в местах фона сверлят отверстия. При гравировке вначале на костяной пластинке делают рисунок, затем гравировальной иглой наносят линии различной глубины.

 

В 1989 году  филиал становится самостоятельным предприятием — Варнавинской художественной фабрикой резьбы по кости. В 1992 году предприятие было приватизировано в ООО «ВАРКО».

Варнавинским мастерам-резчикам свойственен постоянный поиск новых выразительных решений, видов обработки и сочетаний материалов, своеобразие форм, орнаментации и композиции изделий.

Начиная с 2000—2001 года мастерами фабрики освоена художественная обработка местного сырья — рога лося. Каждое изделие режется мастером от начала до конца вручную, без применения штампов и шаблонов, что позволяет сохранять авторскую индивидуальность.

Первоначально основным направлением в работе было изготовление вязальных крючков и резных плашек для ножей, которые, в свою очередь, делал Павловский завод «Сувенир». Изготовляли также пуговицы, пряжки и запонки, но спрос на них был маленький. Постепенно развивались и другие направления, главным образом, сувенирные.

Сегодня в ассортименте предприятия насчитывается более 300 наименований изделий утилитарного и декоративного назначения, 285 наименований отнесено к изделиям народных художественных промыслов.

 

 

конец XVIII—начало XIX века — появление резных изделий из кости на нижегородской земле,
1971 — открытие участка для обучения молодёжи по профессии резчика по кости,
1973 — преобразование участкав филиал Казаковского производственного ювелирного объединения со специализацией резьбы по кости,
1989 — филиал становится самостоятельным предприятием Варнавинской художественной фабрикой резьбы по кости,
1992 — создание предприятия ООО «ВАРКО».

 

ВЫВОДЫ лекции №3

 

ЭТАПЫ РАЗВИТИЯ РЕМЁСЕЛ 
1883 —1917
Стимулирование организации кустарных артелей, вoзвышения кycтapных пpoмыcлов  o ypoвня xyдoжecтвeнныx. Организация мaccoвoго пpoизвoдcтва бытoвыx издeлий, мeбeли, oбyви и oдeжды в неоpyccкoм cтилe
1917—1930
Уничтожение частников, объединение мастеров в артели, перепрофилирование  артелей
1930—1960
Укрупнение артелей. Организация НИИХП и возвышение его роли
 
1960—1963
Искусственное разрушение ремесленного способа производства с артельной формой организации и принудительное вливание артелей в государственную промышленность, объединение новообразованных государственных предприятий Минместпромом РФ, постановка на поток ремесленной продукции, заточенность на массовый выпуск товаров
1963—1991
Стабильный период существования государственных предприятий художественной промышленности (период застоя)
1992—1995
Ликвидация Минместпрома РФ, разрушение НИИХП, большинства предприятий народных промыслов: распродажа оборудования, сдача в аренду производственных и складских помещений разнообразным коммерческим организациям, роспуск уникальных коллективов

    

Видеопрезентация с аудиозаписью лекции №3, 8 февраля 2017 года, Плиний Старший

       Эксперт: Анна Наволоцкая

 

Другие лекции цикла «ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы»
Лекция 2
Лекция 4
Лекция 5

 

 

Запустите волну сарафанного радио:

54 человек готовы участвовать в продвижении публикации, но ждут Вашего решения. (присоединиться)

сарафанных баллов

С помощью сарафанного радио публикацию прочитали: 2 человека

У нас не ставят лайков, мы выражаем признательность автору иначе! Каждый сарафанный балл, который Вы перечислите на баланс публикации, превратится в одного уникального читателя. Члены сообщества ИнфоНарод.РФ зарабатывают сарафанные баллы тем, что распространяют публикации. А в будущем, они так же вкладывают баллы в распространение других публикаций. Будьте ответственны! Не помогайте публикациям продвигаться, если они негативно влияют на окружающий мир. И наоборот, помогайте, если они направлены на развитие общества!

Зарегистрируйтесь в системе ИнфоНарод.РФ, чтобы продвигать публикации.

Еще никто не оставлял комментарии


Image CAPTCHA

Логотип

Сибирский Вернисаж

Канал о культуре, архитектуре и общественной жизни Новосибирска от Анны Наволоцкой, кандидата архитектуры, члена общественного совета при Минкульте НСО, члена Худ. совета мэрии Новосибирска, руководителя НФ "Сибирский Вернисаж"

Предложить публикацию

@

Модератор содержания канала: Наволоцкая Анна Валерьевна
Дата создания: 16.03.2016 (18:03)