Лекция 3. ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы
Автор: Наволоцкая Анна ВалерьевнаДата публикации: 14.02.2017 (18:05)
Информация помечена тегами:
ремёсла народно-художественные промыслы кустарные промыслы абрамцевско-кудринская резьба Умелец Идеал Богородская резьба Усольская финифть Ростовская финифть Устюгская чернь КУБАЧИНСКИЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ИЗДЕЛИЯ Казаковская филиграеь Федоскинская миниатюра Палехская миниатюра Мстёрская миниатюра Кисловодский фарфор Семикаракорский фаянс Ярославская майолика Холмогорская резьба Уэленская резьба Тобольская резьба Варнавинская резьба Матрёшка Наволоцкая Инфонарод|
РЕЗЬБА ПО ДЕРЕВУ АБРАМЦЕВСКО-КУДРИНСКАЯ РЕЗЬБА Абрамцевско-куринская резьба сформировалась в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево. Возникновение промысла тесно связано с художниками абрамцевского кружка и в первую очередь Е.Д. Поленовой, организовавшей в усадьбе С.И. Мамонтова в 1882 году столярно-резчицкую мастерскую, в которой учились и работали резчики из окрестных сёл: Хотьково, Ахтырки, Кудрино, Мутовки.
Василий Петрович Ворносков В 1890 году один из учеников В.П. Ворносков, основал собственное производство в родном селе Кудрине и стал работать по заказам абрамцевской мастерской. Эта, первоначально небольшая, мастерская и легла в основу будущего промысла. В кудринской мастерской сформировался особый стиль орнаментальной резьбы, были найдены удачные сочетания плоскорельефной резьбы с геометрической, заложены принципы органичного использования резного декора в утилитарных предметах. В первые годы работы большую помощь в становлении особого «ворносковского» стиля оказали профессиональные художники — В.И. Соколов, С.В. Малютин, сотрудники Кустарного музея.
Мастера одной из артелей у дома В.П. Ворноскова, 1913. Усиление пресса внутренней торговли, директива всемерно удешевлять продукцию неизбежно била по художественному качеству резьбы. Если лучшие работы требовали набора инструмента до 35 стамесок, то к 80-м годам в «массовке» обходились тремя—пятью. Практика, разрушающая процесс творчества любого народного мастера, сохраняется до сих пор: нормативные документы, что давали «допуски» в доли миллиметров, как при машинной обработке металла, после длительной борьбы отменены, но начали действовать экономические законы рынка. Возможно, благодаря этому точность и выверенность даже свободного растительного узора стала характерной особенностью стиля так называемых авторских или «творческих работ» 70-х.
Ковш. Автор Н.П. Бровина. Шкатулка. Автор 3.М. Зенкова. Ахтырская артель,Хотьково Ученики В.П. Ворноскова организовали свои маленькие предприятия. В Хотьковском округе появились поначалу небольшие артели: в Хотькове (1910), Мутовках (1918), Куприне (1921), Левкове (1931), Ахтырке (1932). Позднее они объединились в Ахтырскую объединенную артель (1936, 1940), преобразованную в Хотьковскую фабрику резных художественных изделий (1960), ТОО «Народное искусство» (1980-е).
Портал «Охрана границ СССР», В.П. Ворносков. 1937 Кроме резьбы по дереву здесь получила развитие и резьба по кости. На Хотьковской фабрике резных художественных изделий выпускались декоративная миниатюрная скульптура из кости и украшения с ажурной и рельефной резьбой, изделия и скульптура из твердых пород дерева (например, из самшита). Однако после развала Советского Союза косторезный промысел пришёл в упадок. Как и большинство предприятий народных промыслов, фабрика была практически разрушена: оборудование распродано, производственные и складские помещения сданы в аренду разнообразным коммерческим организациям, работа художников-косторезов перестала быть востребована, а уникальный коллектив распущен.
И только в 2013 году, когда хотьковской резной костью занялись новые владельцы, производство возродилось. Были снова открыты мастерские, закуплено новое оборудование. Для работы на фабрике были приглашены лучшие мастера косторезного искусства со всей России, восстановлены лучшие традиции уникального хотьковского стиля резьбы по кости. Как и полвека назад, когда фабрика только начинала осваивать резьбу по кости, огромный вклад в её становление и развитие вносят знаменитые мастера-резчики из Холмогор.
Серьги Вероника. Хотьковская фабрика резных художественных изделий Фабрика резных художественных изделий — одно из самых успешных предприятий в области народных промыслов, а изделия, созданные её мастерами, пользуются исключительным успехом на многочисленных выставках и неизменным спросом среди покупателей. Традиции абрамцевско-кудринской резьбы сохраняются благодаря усилиям Абрамцевского Художественно-Промышленного Колледжа им. В.М. Васнецова, в котором студенты осваивают азы промысла.
Богородский резчик
Чумаков-Орлеанский Владимир (Россия, 1962) «Мужик и медведь» Cамым знаменитым центром резнчицкого ремесла стало село Богородское, расположенное в 29 километрах от Сергиева Посада. Игрушечные промыслы Сергиева Посада и села Богородского специалисты называют двумя ветвями на одном стволе. Действительно промыслы имеют общие корни: традиции древней столпообразной пластики и школы объемной, рельефной резьбы по дереву при Троице-Сергиевой Лавре, известной с XV столетия. В Сергиевом Посаде существует предание о том, как в середине XVIII века один житель посада вырезал из липового чурака куклу размером в 9 вершков (40 см) и продал ее купцу Ерофееву, торговавшему у Лавры. Тот поставил ее как украшение в лавке. Игрушка тут же была куплена с большой выгодой для купца. После этого Ерофеев заказал целую партию таких игрушек.
Полешная игрушка, Сергиев Посад По другому народному преданию, давным-давно в селе жила семья. Задумала мать позабавить малых детей. Вырезала она из чурбачка фигурку «ауку». Дети порадовались, поиграли и забросили «ауку» на печь. Раз муж стал собираться на базар и говорит: «Возьму-ка я «ауку» да и покажу на базаре торгашам». «Ауку» купили и еще заказали. С тех пор и повелась резьба игрушки в Богородском. И стала она называться «богородской». Народные мастера, работая примитивным инструментом, сумели создать из дерева правдивые, реалистические липы фигурки животных и людей, из народной жизни, басен и сказок. Особенно интересны игрушки с движением: на планках, с балансом, с кнопкой. Эти незамысловатые, но всегда остроумные по конструкции приспособления делают игрушку живой, выразительной и особо привлекательной. Считается что самые ранние из сохранившихся произведений богородского промысла (находящиеся в Государственном историческом музее, Государственном Русском музее, Музее народного искусства им. С.Т. Морозова и Художественно-педагогическом музее игрушки) датируются началом XIX века. Вероятнее всего, правомерным будет отнести зарождение резной богородской игрушки к XVII—XVIII векам, а становление промысла к концу XVIII—началу XIX веков.
Отцы-основатели игрушечного промысла Богородском была организована артель. Это помогло богородчанам приобрести экономическую независимость от сергиевских скупщиков. Инициаторами создания артели стали уже достаточно известные в то время резчики А.Я. Чушкин и Ф.С. Балаев. Во главе артели стоял своеобразный «художественный совет», который состоял из старейших и опытных мастеров. Вновь вступающих в артель резчиков ставили сначала на самую легкую работу, если молодой мастер справлялся с изготовлением простой игрушки, ему усложняли задачу: выполнение фигур животных, многофигурных композиций. В том же 1913 году в Богородском была открыта учебно-показательная мастерская с инструкторским классом, а в 1914 на её базе заработала земская школа, в которой обучались мальчики на полном пансионе.
В первое десятилетие после Октябрьской революции в Богородском сохранялись старые земские образцы, продукция промысла в большом количестве уходила на экспорт. В 1923 году была восстановлена артель «Богородский резчик», в которой продолжили свою работу мастера старшего поколения и Богородский промысел занимает одно из ведущих мест. Изменение общественного уклада стимулировало мастеров на поиски новых форм и художественных решений. Однако именно в то время возникает наметившаяся ещё в «земский период» проблема «станковизма». В 1930-х годах появляется так называемая игрушка-скульптура, отличавшаяся новизной темы. Следующее два десятилетия (1930—1950-е) в дела промысла вновь вмешиваются художники-профессионалы и художественные критики — в основном сотрудники созданного в этот период научно-исследовательского института художественной промышленности (НИИХП). Не только в Богородском, но и на других промыслах начинается откровенная политизация. Мастерам называли темы, чуждые крестьянской природе и народному пониманию красоты. В Богородском реакцией на идеологический прессинг, стало развитие сказочной темы. Условность богородской резьбы, как нельзя лучше способствовала выражению необычного в сказке, созданию ярких и запоминающихся образов.
Цех резьбы в артели «Богородский резчик», 1960
Одной из самых трагических дат в истории богородского промысла можно назвать 1960 год, когда была ликвидирована традиционная для художественных промыслов артельная организация труда и заменена фабричной. Этот процесс иногда метко называют «офабричивание» промысла. С этого времени начинает умирать промысел, а на смену ему приходят понятия «художественная промышленность».
В 1970—1980-х годах на Богородской фабрике художественной резьбы работало около 200 резчиков. Среди них были и мастера высокого класса, которые разрабатывали интересные образцы, были мастера-исполнители. В связи с бурными событиями в конце 1980-х начале 1990-х годов, положение на промысле ухудшилось ещё больше. В настоящее время богородский промысел находится в бесконечном процессе борьбы за выживание, но фабрика продолжает выпускать продукцию. Сложная ситуация сложилась и в богородском художественно-промышленном техникуме. Это постоянный недобор именно местной молодежи; приток студентов из субъектов федерации с одной стороны способствует популяризации богородской художественной резьбы, а с другой сводит к нулю классическую богородскую традицию.
Как создают Богородскую игрушку?
На игрушку идёт хорошо просушенная от нескольких месяцев до трёх лет на открытом воздухе древесина липы, осины и ольхи. Игрушка бывает токарной и ручной работы: с первой проще — детали будущих игрушек вытачивают на станке, выпиливаются по шаблону, сборщики их соединяют, а живописцы делают роспись, если необходимо, и покрывают лаком. Игрушка резная — ствол пилят на части, которые потом разрубают вдоль волокон на треугольные поленья в зависимости от необходимого размера игрушки. Потом игрушку «зарубают», т.е. придают ей самые общие очертания будущего произведения. Острейшим прямым богородским ножом («щучкой») снимают всю лишнюю древесину и моделируют форму. Окончательная отделка игрушки связана с работой мелкими полукруглыми стамесками (описка), с помощью которых изображается шерсть животного, перья птицы или детали одежды людей, тяжелые и легкие ткани, мех, кружева, ленты. Другой прием окончательной отделки игрушки связан с ошкуриванием формы мелкой наждачной бумагой. Этим приемом обычно пользуются, чтобы передать гладкие поверхности. Затем деревянное чудо расписывается красками или покрывается лаком. Но чаще игрушки оставляют неокрашенными, сохраняя природный цвет и структуру дерева.
УМЕЛЕЦ, Киров Упоминания о таких народных промыслах, как плетение из лозы, бересты, соломки и соснового корня относятся к 19 столетию. Плетение из лозы Плетение из ивового прута как ремесло появляется в России в XIX веке. Возникновению его во многом способствовала европейская мода на плетеные изделия и мебель. В Австро-Венгрии, Германии, Франции, Италии создавались музеи, школы лозоплетения, выпускались учебные пособия, ива стала растением, специально культивируемым на плантациях. Завезенные в Россию изделия из ивы пользовались широким спросом владельцев поместий; возникновение такого спроса и стимулировало опыты российских крестьян в области плетения из лозы. На новую моду, новое дело быстро отреагировали и вятские кустари. Благо сырья у них было в изобилии и уже существовали свои традиции плетения из природных материалов.
Плели мастера ручные корзины и короба для переноски угля, жита, снега, производили тару для развоза пива и водки, делали рыболовные морды (верши). На высоком уровне было развито производство плетеных кузовов для саней, тарантасов и экипажей. На вятских базарах горожане с удовольствием раскупали удобные кресла, стулья, санки, тележки для детей, дорожные корзины, корзины для белья и цветов, мелкую посуду, разнообразные ширмы. В конце XIX века рождается еще одно направление в промысле — начинает развиваться производство мебели из белых ивовых прутьев. Плетеная мебель мастера А.В. Исупова: диван, кресло, детское кресло, стул, табурет, — в 1890 году была представлена на Казанской выставке. В 1896 году этот же мастер стал участником и Всероссийской выставки в Нижнем Новгороде. В 1893 году в Вятке открыта корзиночная мастерская, всего в губернии было открыто пять подобных мастерских. В «Памятной книжке Вятской губернии» (1894) говорится о повсеместном распространении выделки плетеной мебели из лозы и о дальнейшем «распространении выделки гнутой мебели и обучения мебельщиков». 1895 год — открытие бесплатной берестяной мастерской работниками земского музея для дальнейшего развития уже сложившегося к концу 19 века бурачного промысла. В 1909 году на Международной выставке в Казани изделия Вятской корзиночной (плетюшечной) мастерской отмечены Большой серебряной медалью. В 1914 году была разработана программа практических занятий корзиночно-мебельной мастерской, рассчитанной на три года обучения. Прейскурант кустарного склада Вятского земства предлагал покупателям не только различную плетенную из лозы мебель, но и корзинки с переплетом из хвоща и соломы, комплекты ивовых корзин разного размера по 3—6 штук, корзинки для бумаг и цветов, ножей и вилок, ридикюли. После революции с началом гражданской войны настали сложные времена и для ремесленников. Промысел в массе своей постепенно утрачивался. Однако в районах области, на крестьянских дворах, плетение еще существовало. Для себя умельцы продолжали плести самое необходимое и простое — корзины, верши, иногда даже мебель. Сохранением традиций лозоплетения занимались лишь в немногочисленных артелях. Плетение из соснового корня Самобытный вятский промысел — плетение из соснового корня известен с конца XIX века. Центром промысла было село Бобино с примыкавшими к нему селениями. Причиной тому служили два фактора — наличие необходимого материала в Бобинском бору и близость центра сбыта — города Вятки. На других же территориях Вятского края промысел развития не получил, так и оставшись малоизвестным. В 1890 году газета «Вятские губернские ведомости» так писала о современном состоянии промысла: «Плетут разнообразные изделия, которые не могут не обратить на себя внимание по прочности, красоте и дешевизне: в большом количестве выделывают «чаруши», употребляемые для печения хлеба, а также сундуки, корзины для белья, баулы, корзины для бумаг и мелкие изделия. Хорошие сорта плетеных изделий идут через скупщиков в Петербург, Москву, даже Харьков и Одессу. Чарушников в Вятском уезде считается 101 человек. Лучшим мастером считается Николай Тимофеевич Бабинцев (село Бобино), уже экспонировавший на выставках и имеющий награды». В прейскуранте Вятского кустарного склада, начиная с 1892 года предлагается следующий перечень сплетенных из соснового корня предметов: корзины дорожные (круглые и овальные, с замками и ремнями) с камышовой отделкой, корзины разные с металлическими шарнирами и петлями (базарницы, клубочницы, сухарницы), погребцы дорожные с прибором. Несложность промысла, отсутствие крупных приспособлений и незначительное количество инструментов давали возможность вести работы в жилых помещениях, не требуя отдельных мастерских. Материалами для производства служили сосновые и еловые корни, причем материал кустари всегда заготавливали сами.
Подготовка соснового корня Хорошим корнем считается такой, который при очистке получается длинным, тонким, ровным по всей длине и гибким, как бумажный шнур. Добытй корень сначала очищали от коры, расщепляли на 2—4 части. Затем эти широкие и узкие «ленты» замачивали и только после этого приступали к плетению. Плетеные корневые изделия вятских кустарей всегда отличались прочностью. С годами они не теряли своего вида, лишь слегка темнели, приобретая приятный охристо-коричневый оттенок. Крепость и долговечность материала объясняются наличием в корнях сосны смолы, способной отталкивать воду, в результате чего изделия не поддаются гниению. Поэтому неудивительно, что в крестьянских хозяйствах часто встречались изделия, сохранившиеся от дедов и прадедов.
Короб из соснового корня В годы сталинских пятилеток кустари села Бобино объединяются в промартель «Бобинская артель по плетению корневых изделий». Плетение из соломки В 1871 году на заседании комиссии, учрежденной при Вятском губернском статистическом комитете по содействию Московской Политехнической выставке, было предложено приобрести образцы корзинок и шляп, сплетенных их соломы, обратившись с этой целью в Унинской волостное правление. И действительно, в Унях изделия из соломы плелись и на продажу. А работал мастер профессионально. Это подтвердили строчки в «Памятной книжке Вятской губернии» за 1873 год, через два года после первого письменного упоминания: «Плетением корзин и шляп из соломы занимается один человек в Унинской волости в Глазовском уезде, вырабатывая до 50 шляп по 30 коп. и 30 корзинок по 40 копеек каждая». Имя этого первого искусного кустаря по соломке история не сохранила.
Головной убор из соломы В 1889 году «Вятские губернские ведомости» перепечатали заметку из «Волжского вестника», касающуюся нашего Слободского уезда: «…Здесь кустари в основном занимаются выделкой посуды и мебели. «Новинку», в смысле развития кустарной промышленности, представляет северо-западная Георгиевская волость, отстающая от города в 26 верстах. В этой волости с 1888 года появился новый промысел — выделка соломенных шляп. Этим ремеслом занимаются, главным образом, крестьянские мальчики, лет двенадцати-тринадцати, тем более что первым распространителем этого искусства оказался крестьянский мальчик села Шестакова Иван Елькин, который выучился ему у волостного писаря Олькова, а последний вынес шляпное ремесло из Орловского уезда, где этот промысел существует уже давно. И в Слободском кустарно-шляпное искусство было развито достаточно хорошо. Поэтому именно слободские шляпники в 1890 году Иван Лукич Елькин, Василий Иванович Елькин, Терентий Кириллович Козлов и Кузьма Тимофеевич Князев выставили свои изделия на Казанской выставке. В 1899 году Вятское земство, желая быстрее внедрить соломенный промысел на территории губернии, открыло при кустарном музее и складе соломенную мастерскую. Цикл обучения в вятской земской мастерской длился один месяц, обучали новому ремеслу бесплатно и всех желающих. После таких мер изделия соломенной мастерской внесли в прейскурант Вятского склада и экспонировали на выставках. И хотя в архивах не зафиксировано какого-то одного центра по обработке соломки, это ремесло через мастерскую получило широкое распространение в Вятской губернии. Изделия из соломки не только качественно совершенствовались, но и расширялся их ассортимент. Мастерская стала предлагать «сумки конусные, ридики, шляпы женские черные, детские пестрые». На Всероссийской выставке в Санкт-Петербурге в 1902 году был открыт Вятский кустарный отдел, где в широком ассортименте представлены изделия из соломки. В 1909 год проходит Международная выставка в Казани — Вятская корзиночная (плетюшечная) мастерская получает за свои изделия Большую серебряную медаль. В начале XX века соломку уже научились красить в самые ходовые цвета: красный, розовый, фиолетовый, красно-фиолетовый, желтый, оранжевый, серый, зеленый. Но переменчивая мода и массовое распространение аксессуаров фабричного изготовления постепенно вытесняют соломенные изделия с вятского рынка.
История плетеных из ржаной соломки шкатулок начинается только в ХХ веке. Адрес зарождения этого промысла на Вятке — село Камешница Оричевского района. Долгое время здесь работала мастером Валентина Григорьевна Бояринцева, научившаяся этому ремеслу еще в детстве. В 1978 году она рассказывала: «От своих родителей я слышала, что плести шкатулки научил селян вернувшийся с Первой мировой войны солдат. А он выучился у кого-то из фронтовых друзей. С тех пор и стали заниматься этим делом. Разные формы изделий — это плод коллективного творчества». Так в трудное время по окончании Первой мировой войны зародилось новое вятское ремесло. Постепенно к промыслу обратились не только женщины Камешницы, но и соседних деревень Шиховых и Коноваловщины. В 1940 году в Камешнице была организована художественно-промысловая артель «Самолет». В 1959 году газета «Кировская правда» дважды написала о Камешницкой артели, о ее новом изделии — сундучке из соломки.
Бурачный промысел
Мастера украшали бураки прорезным узором, тиснением или росписью. В росписи вятских бураков сложился собственный грубоватый стиль исполнения, сочетавший красный, синий, желтый, зеленый тона. Для вятской бурачной росписи характерны небольшие растительные мотивы: цветы, бутоны, листья и прочие композиции, в которых цветы группировались в гирлянды и букеты. Расписанные масляными красками с применением белильных разживок, вятские бураки выделялись среди бураков с иными широко известными разновидностями русской бурачной росписи. М.Н. Шатров в своей книге «Кировские кустари» (1938 год) пропагандирует берестяное плетение как основательно сложившийся вятский промысел.Было время, когда бурачное производство считалось утраченным. В дома селян и горожан пришла другая посуда, заменившая бураки. Однако в 1970-х годах вятский бурак вновь появился в магазинах, уже обновленный как удобная тара для сыпучих продуктов, которая одновременно украшала городские кухни. Выполнен бурак был в старых вятских традициях — с росписью и тиснением, — но изготовлялся он уже из сшивной, пластовой бересты.
После 1917 года настают сложные времена для ремесленников. Уничтожение частников, объединяли мастеров в артели, а артели после стали перепрофилировать. Но все-таки некоторые мастера продолжают работать и создавать изделия в русле народных традиций. В районах Кировской области, а точнее, на крестьянском дворе, плетение еще живет, для себя умельцы продолжают плести самое простое — корзины, корзинки, верши. В 1927 году в связи с кооперированием кустарей была организована артель «Вятская игрушка». В 1935 году из артели «Вятская игрушка» выделяется промысловое товарищество имени Второй пятилетки. Восстанавливаясь после Великой Отечественной войны, предприятие меняет название — становится артелью «Победа». Газета «Кировская правда» за 1940 год сетует: «Заброшены все виды плетения, хотя берега рек и озер области поросли ивой». Через семь лет эта же газета констатирует: «В нашей области издавна существовал кустарный промысел — плетение различных изделий из ивы. Но за последние годы это производство было заброшено. Сейчас Кировский Союз художественных изделий принимает меры к возобновлению этого производства. В артели «Новая игрушка» Проснинского района создана бригада кустарей, которые обучаются плетению из ивы бельевых корзин, сухарниц, ваз и других вещей». В 1960 году происходит объединение артели «Победа» с Камешнинской промартелью «Самолет», в результате чего образуется Кировская фабрика художественных изделий. В 1964 году эта фабрика объединяется с фабрикой «Идеал», а в 1968 году предприятие реорганизуется в Экспериментальную фабрику художественных изделий. В 1975 года — на базе цеха надомного труда Экспериментальной фабрики создано предприятие «Умелец». Главной целью «Умельца» стало возрождение народных художественных промыслов, бытовавших на территории Вятского края. Время создания предприятия — это время, когда передача ремесла «от отца к сыну», как было в старину, уже прервалась. И потому была проведена большая работа совместно с Научно-исследовательским институтом художественной промышленности по нахождению вятских умельцев и обучению ремеслу нового поколения. За первые пятнадцать лет деятельности предприятия восстановлены такие промыслы, как плетение из лозы, соломки, бересты, соснового корня, дранки, изготовление плетеной мебели, ручного ткачества, вязания из кроличьего и козьего пуха.
Продукция предприятия «Умелец», 1980-е В 1975 году Кировским областным художественным Советом производимые «Умельцем» изделия впервые отнесены к изделиям народных художественных промыслов. 1978 год — начало возрождения в Кировской области выворотных бураков на Уржумском производственном участке предприятия «Умелец»; возрождение ремесла по плетению изделий из соснового корня на производственном участке в поселке Демьяново.
Изделия из лозы предприятия «Умелец», 1980-е 1980 год — возрождение плетения из лозы, создание специального участка.. Газета «Кировская правда» от 3 августа 1985 года констатирует, что «темпы роста предприятия «Умелец» превышают запланированные как по объему товарной продукции, так и по ее реализации... В течение десяти лет «Умелец» не имеет рекламаций на качество своих изделий». В 1991 году предприятие «Умелец» становится участником Ассоциации «Народные художественные промыслы России» (Москва). В 1997 году «Умелец» награждается за победу в смотре-конкурсе и продвижение отечественных товаров на Межрегиональной выставке-ярмарке «Малый бизнес—1997». Вскоре предприятие «Умелец» создает учебный центр, который выпускает будущих мастеров народных промыслов - молодых специалистов для предприятия.
Идеал
Заставка из книги М.Н. Шатрова «Кировские кустари» (Киров, 1938), художник А. Люстрицкий В письменных источниках производство изделий из капа относится к XVIII веку. Известный общественный деятель, историк В.Н. Татищев, работавший в начале XVIII века на Урале, в книге «Предложение о сочинении истории и географии России» указывал, что «в Вятке вырабатывается каповая посуда». Подтверждением тому, что здесь уже существовал развитый каповый промысел, служат и письма архиерея вятского и великопермского Алексия Титова к жене Петра I Екатерине в марте 1721 года: «..челом бью в дар Вашему Величеству от убогия моея келий часы серебряные... еще же Вашему Величеству челом бью двенадцать чашек каповых, которые у нас на Вятке строятся...». Родоначальником каповых дел на Вятской земле считается столяр из города Слободского Григорий Макаров. К концу XIX века в этом промысле уже работало более сорока человек. Центр его находился в Вятке, а ряд мастерских — в двух ближних волостях: Троицкой и Щербининской. «От них идет масса дешевых корешковых изделий». Кап, который встречается все реже, используют только на фанеровку и мелкие вещи. В 1909 году в нем занято уже 163 человека. Поскольку в основном производят более дешевые корешковые предметы, у мастеров пропадает охота колесить по Руси. Изделия свои они продают теперь через земский склад или (в основном) через 2—3-х скупщиков, имеющих хорошо поставленную связь даже с заграницей — Англией, Францией, Германией. Вятское земство выставляет каповые изделия на Международной выставке в Турине в 1910 году и получает золотую медаль.
Скупщики добывали материал, распиливали его и заготовки раздавали кустарям. Спрос был «настолько велик, что ни кустарный склад, ни скупщики не в состоянии удовлетворить его хотя бы наполовину». Обсуждая проблемы промысла, очередная сессия Земского собрания приходит к решению: чтоб «кустарному складу занять подобающее место в жизни промысла», необходимо создать образцевую или учебную мастерскую для калевщиков, оборудовав ее станками и круглой ленточной пилой. Но надвигающиеся революционные события оттеснили проблемы вятских каповщиков. Первая советская артель каповщиков возникла в Вятке, объединив в 1924 году 11 городских мастеров. Свое название — «Экспорт» — она получила не случайно: изделия вятских мастеров, как и прежде, пользовались за границей большим спросом. Выло решено создать подобную артель, но уже объединив 100 мастеров, в городе Халтурине. Она получила звонкое название «МЮД», что означало «Международный юношеский день» Название оправдало себя: работать в артель пришла в основном молодежь. Но помимо этих двух артелей оставалось еще много кустарей, работавших в одиночку по деревням, неподалеку от Вятки. Так, по обследованиям 1925 года выясняется, что в 57 селениях проживали 285 каповщиков. В 1935 году после совещания кустарей, специально созванного в Вятке, чтобы обсудить возникшие проблемы, «Вятская правда» писала: «Главная беда — почти исчез кустарь «искусник», который любил производить сложные изделия из корешка, любоваться ими, не жалея времени на выработку... На совещании кустари указали на причины, которые побудили многих бросить свой промысел. Главная из них: погоня артелей за выработкой однообразного ассортимента (портсигары, коробки, пудреницы), невнимание к кустарю-надомнику, уравниловка в зарплате. Серьезная ставится задача — разбудить, поощрить инициативу кустарей, путем социалистического соревнования расширить творческую самодеятельность... Можно организовать бригады высококвалифицированных кустарей, которые явились бы школой высшего мастерства. Восстановить профтехшколу... пересмотреть расценки, премировать наиболее ценные изделия». Непосредственным предшественником современного предприятия «Идеал Плюс» является артель «Идеал», образованная в июне 1943 года в деревне Лопатовской. Со дня своего образования артель специализировалась на производстве изделий из капокорня, причем до октября 1946 года производство велось исключительно надомным трудом — в артели числилось 6 человек административного персонала и 81 надомник.
В 1950 году для артели «Идеал» начато строительство производственного здания и сушилки, однако в это же время наступили трудности с заготовкой капокорня – его запасы в вятских лесах сильно сократились. 1952 году проблема с заготовкой капокорня получает необходимое разрешение — вятским производителям изделий из капа дозволено производить заготовку капокорня в Курганской и Новосибирской областях, а несколько позднее и на территории Башкирской АССР. Последовавшие затем успехи предприятия получили высокую оценку на Всероссийской выставке изделий народных художественных промыслов (Москва, 1960), по итогам которой артели «Идеал» присужден Диплом второй степени за выпуск широкого ассортимента изделий из капокорня. В том же 1960 году артель «Идеал» была реорганизована в фабрику — Кировскую фабрику капокорешковых изделий «Идеал». Расширяется производство, усложняется технология. Так, в 1962 году на фабрике налажено оформление изделий (бусы, пуговицы, пряжки, головоломки, курительные трубки и проч.) методом механического выжигания.
Шкатулка. Автор Е.А. Шишкина. Артель «Победа», Киров, 1954 Вскоре последовала реорганизация предприятия. 1 января 1964 года к Кировской фабрике капокорешковых изделий «Идеал» было присоединено другое крупное предприятие в сфере народных художественных промыслов — Кировская фабрика художественных изделий, образованная в 1960 году из артелей «Самолёт» (организована в 1940) и «Победа» (организована в 1934), занимавшихся производством изделий из дерева.
В 1965 году фабрика передана в ведение Министерства местной промышленности РСФСР. В 1967 году на фабрике «Идеал» организован участок инкрустации соломкой, а в 1969 году начато строительство здания фабрики — дом №12 по улице Бородулина города Кирова. Введен в эксплуатацию производственный корпус. В 1970 году деятельность фабрики была скорректирована, что отразилось и на названии предприятия — Кировская фабрика художественных изделий «Идеал» переименовывалась в Кировскую экспериментальную фабрику художественных изделий, главной задачей которой должно было стать улучшение производства традиционных изделий, восстановление в области забытых промыслов, создание образцов новых видов изделий. В 1975 году, предприятие опять получило новое название — фабрика художественных изделий «Идеал». Изделия из капа, ассортимент предприятия «Идеал», 1980-е Под таким названием предприятие проработало до 1993 года, когда его переименовали в товарищество с ограниченной ответственностью «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал». В 1999 году оно сменило хозяйственно-организационную форму, став закрытым акционерным обществом. В 2001 году Министерством промышленности, науки и технологий РФ изделия ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал» утверждены в качестве изделий народных художественных промыслов. Тем не менее в 2006 году ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал» было ликвидировано, и выпуск ее продукции прекратился. 21 августа 2006 года на производственных площадях, ранее принадлежавших ЗАО «Производственно-торговое предприятие художественных изделий «Идеал», организованно новое предприятие ООО «Идеал Плюс», выпускающее аналогичную продукцию, которая вскоре также оказывается признанной в качестве изделий народных художественных промыслов. В 2010 году на предприятии возобновлено производство плетеных шкатулок из ржаной соломки, а также производство музыкальных шкатулок, аналогичных тем, что некогда производили мастера вышеупомянутой артели «Самолёт».
При создании продукции компании «Идеал плюс» используется древесина лиственных пород (липа, береза). Вся художественная обработка изделий — резьба по дереву, кистевая роспись, инкрустация соломкой, выжигание выполняются вручную с использованием традиционных инструментов (кисти, резака).
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ Казаковская филигрань, предприятие художественных изделий
Сувенир «Санки». Сундучок «Сказка» Один из древнейших видов художественной обработки металла — скань (от древнерусского — свивать), или — филигрань (от итальянского filigrana, в свою очередь это слово происходит от латинского слов filum (нитка) и granum (зерно), поскольку узор иногда выполняется не только из витой проволоки, но из мельчайших металлических шариков). Филигрань можно назвать апофеозом древнего ювелирного искусства. Для изготовления филиграни применяется способ скручивания тончайшей проволоки из драгоценных металлов (золота или серебра). На Руси филигранные изделия встречаются уже в раскопках курганов IX века. Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVII веке потребность в них увеличивается. Появляется разделение труда, отдельные мастера осуществляют изготовление проволоки, сканных элементов. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. С XIX века изделия из филиграни выпускались фабриками в больших количествах. Они — разнообразны и по назначению и по ассортименту; дорогая посуда, церковная утварь, принадлежности туалета. Красносельский ювелирный промысел способствовал возникновению в советские годы филигранного производства в селе Казаково Горьковской области и в поселке Мстера, Владимирской области. В казаковской артели «Металлист», организованной в 1927 году, входящей в известный промысловый Павловский куст и выпускающей столовые приборы и хозяйственные инструменты, филигранный цех был организован в 1939 году. И в годы Великой Отечественной войны артель не прекращала своей работы: плели офицерские погоны, делали для них звездочки, изготавливали портсигары. В послевоенное время — освоили ножевое и вилочное производство.
Подстаканник, выпускавшийся в 70-х годах XX века В развитии искусства филиграни заметных успехов казаковская артель достигла в послевоенные годы. В первых филигранных изделиях этой артели, в частности в работах О. Таракановой, чувствовалось подражание кружевным узорам. В дальнейшем был выработан свой тип филигранного орнамента. Особенно успешно стала развертываться творческая работа в этой артели в 50-х годах. В артель пришли молодые художницы Л. Савельева и В. Касаткина; была начата работа не только над филигранным узором, но и над формой изделий, что сильно способствовало улучшению художественного качества продукции. Филигранные вазы и сухарницы, имеющие форму корзиночки, блюда, чаши и т. д., разработанные по рисункам этих художниц, — бесспорное достижение артели. Это кропотливый труд: за день сборщица может набрать на листе бумаги не больше шести подстаканников, а ювелир-монтировщик смонтировать не более двенадцати. Трудоемкие изделия собираются месяцами.
Шкатулка «Россия» Приемником традиций и навыков Казаковскои артели стало ЗАО «Казаковское предприятие художественных изделий» (КПХИ). Предприятие наследует и развивает богатейшие традиции прошлого, ищет и осваивает все новые виды изделий. Казаковский завод выпускает самые разнообразные художественные изделия: декоративные вазы и чаши, шкатулки с музыкой, подстаканники, вазы, конфетницы, женские украшения, чайные ложки, кубки, медали, значки, ордена и знаки различия для Российской армии. В последние годы на предприятии стали изготавливать предметы церковного направления — настольные и подвесные лампады, оклады к иконам, кресты, панагии. Кроме того, на предприятии изготавливаются филигранные изделия с геральдикой и символикой как государственных органов, так и частных компаний. С 1998 года предприятие получило право работать с клеймом Патриарших мастерских с благословения Патриарха Всея Руси. Летом 2009 года КПХИ работало 3 дня в неделю. В сентябре 2010 года предприятие вошло в федеральную программу сохранения и развития народных художественных промыслов и ремесел, и положение наладилось — только успевали выполнять заказы. В конце 2012-го работали практически без выходных.
Коллектив ЗАО «Казаковское предприятие художественных изделий» — 92 человека. Подготовка мастеров проводится через Государственное образовательное учреждение среднего профессионального образования «Павловский техникум народных художественных промыслов России» и наставничество.
Великоустюгский Завод «Северная Чернь» СЕВЕРНАЯ ЧЕРНЬ Чернение по серебру, как вид народного художественного промысла, известно со времен Киевской Руси. Серебряные изделия, украшенные черневыми узорами, изготавливались уже в X веке. Особой же известностью пользовалась северная чернь по серебру. Впервые Великоустюгское чернение по серебру было упомянуто в середине XVIII века, когда было решено отправить в Москву мастера Великого Устюга Климшина (по др. источникам Климушкина) для обучения черневому искусству местных ремесленников. Наверно, немало дней провел в дороге мастер Михаил Климшин, добираясь из родного города в Москву.
Серебряная табакерка работы Михаила Климшина Около года работал мастер в столице, обучая здешних ювелиров, — вот как ценилось искусство земляков Климшина! Судя по всему, московские серебряники многому научились: сохранилось немало их работ второй половины XVIII века. Черневому искусству способствовало наличие в Великом Устюге множества лавок по торговле серебром, которое является основным сырьем для промысла, а также условий для сбыта черневых изделий. Секрет Великоустюгской черни передавался «из рода в род» и постепенно совершенствовался мастерами. Северную чернь характеризует особо прочный черневой состав, пропорции составляющих частей которого сохранялись как профессиональный секрет великоустюжских мастеров. Стилистические особенности их творчества оказали влияние на работы мастеров Архангельска, Вятки, далёкого Тобольска.
Табакерка фабрики купцов Поповых в Оружейной палате В 1761 году братья Степан и Афанасий Поповы открыли фабрику, которая выпускала серебряные с чернью изделия, а также эмалевую посуду с серебряными накладками. Мастера, жившие в городе, пришли на фабрику. Их изделия прославили Устюг: модные тогда табакерки, ларцы, подносы, коробочки с интересными сюжетными рисунками пользовались большим успехом в Москве и Петербурге.
В то время и в других русских городах — Костроме, Вологде, Тобольске изготовляли черневые изделия не без влияния великоустюжских мастеров, но они не были столь разнообразны и красивы по форме, как в Великом Устюге, нигде бы вы не встретили столько привлекательных сюжетов и такой прекрасной ювелирной отделки. 15 лет просуществовала фабрика Поповых. Потом один из пожаров, от которых часто страдал город, уничтожил здание. Владельцы были разорены и не смогли восстановить свое дело... Но северная чернь не умерла — мастера продолжали работать семьями. В 1786 году в Великом Устюге была открыта серебряная управа, которая вела учет выпускаемых Устюжскими мастерами серебряных изделий. Известными черневыми мастерами XVIII века считаются Михаил Климшин, Петр Петрович и Иван Петрович Жилины, Иван Алексеевич Кошков.
В начале XIX веке на северное черневое искусство огромное влияние оказал классицизм. Черневые рисунки того времени становятся графичными с четко прорисованными деталями. Вместе с тем в изделиях северной черни времен классицизма наглядно проявляются черты, присущие народному искусству, такие, как декоративность и богатство узора, традиционная законченность композиций. Любовь к своему городу устюжане выражали в многочисленных панорамах, помещаемых на самых разнообразных предметах. Несмотря на миниатюрные размеры, тонко награвированные пейзажи достоверно передают основные архитектурные ансамбли знаменитой набережной Великого Устюга. В XIX веке Великий Устюг оказался не в состоянии конкурировать с крупными производствами столицы, которые выпускали дешевые серебряные изделия с простыми орнаментами, это вынудило сократить производство. В начале же XX века черневое производство в Великом Устюге практически прекратило существовать, и единственным видным мастером оставался Михаил Иванович Кошков, который долгое время хранил секрет состава северной черни. Он передал секрет черни своему внуку Михаилу Павловичу Чиркову.
Повсеместно распространены узоры со стилизованными акантовыми листьями В 1929 году под руководством М.П. Чиркова было организовано промышленное предприятие «Экспортная мастерская». С 1931 года в мастерскую начали набирать учеников, которых обучал сам Чирков, и мастерская начала постепенно расширять свою деятельность. Под его руководством молодые мастера освоили художественные приемы и технику черневого дела. Но уже в 1933 году мастерская была ликвидирована, а на ее базе была организована кустарно-промысловая артель «Северная Чернь», где был налажен выпуск ювелирных изделий.
Е.П. Шильниковский,.Серебряная медаль и диплом выставки Парижской выставки, 1937
В 1932 году образовавшаяся артель «Северная чернь» налаживает выпуск серебряных изделий с изысканным цветочным орнаментом. К созданию новых рисунков Чирков привлек выпускника Петербургской академии художников художника Е.П. Шильниковского. который сумел восстановить утерянные традиции. Также он ввел новые темы черневого рисунка, в частности, русские сказки. В 1937 году на Парижской выставке крупная партия серебряных изделий с рисунками Е.П. Шильниковского на тему произведений А.С. Пушкина получила серебряную медаль и диплом.
Артель в 1961 году была преобразована фабрику «Северная Чернь». Сегодня его наследником является крупное предприятие ЗАО «Великоустюгский Завод «Северная Чернь» — крупнейший производитель серебряных изделий, украшенных черневыми узорами. Ассортимент предприятия насчитывает множество изделий, основную часть которых составляет посудная группа. Все изделия изготовлены вручную с соблюдением старинной технологии промысла.
Кубачинский художественный комбинат КУБАЧИ
Одним из традиционных видов декоративно-прикладного искусства Дагестана является художественная обработка металла, непревзойденным центром которого считается аул мастеров Кубачи. Истоки кубачинского искусства уходят в глубокую древность. По свидетельству исследователей и результатам археологических раскопок установлено, что исторические корни художественной обработки металла в Дагестане уходят в медно-бронзовый век, в IV—III тысячелетие до н.э. Кубачинский ювелирный промысел — традиционный дагестанский с художественный промысел с центром в посёлке Кубачи Дахадаевского района Дагестанской АССР. Изделия кубачинских мастеров известные ещё с VII века нашей эры, уже тогда они высоко ценились в странах Ближнего востока и в Закавказье. Кубачинцы-зерихгерани выплавляли железо из руды в местностиоколо аула Чумли, а затем металл привозился в Угбуг-Кубачи, где его окончательно обрабатывали.
Аул Кубачи известен как центр ювелирного, медно-чеканного, оружейного дела, а также промыслов по обработке камня и дерева. Слава Кубачей связана с вековыми традициями в начале мастеров-кольчужников, позже златокузнецов, украшавших холодное и огнестрельное оружие, а также ювелиров.
Музей кубачинского художественного комбината Художественная обработка металла известна здесь с глубокой древности. Кубачинские изделия, украшенные чернью, гравировкой, насечкой золотом, резной слоновой костью высоко ценились на протяжении столетий как в странах мусульманского Востока, так и в Европе. Кроме ювелирного и оружейного дела, мужское население Кубачей занималось также созданием широко бытовавшей в Дагестане медно-чеканной утвари, художественной обработкой камня и дерева.
Кубачинский стиль Начиная с IX века жители села занимались изготовлением кольчуг, холодного оружия, однако прославились они изготовлением художественно отделанного холодного и огнестрельного оружия, женских украшений. Термин «кубачинское оружие» — достаточно широко известен в кругах музейных работников, коллекционеров оружия, ценителей художественного металла. Изготавливались также пряжки для поясов газыри, серьги, браслеты. Секреты профессии передавались из поколения в поколение. Каждый мастер владел личными секретами ремесла. В Кубачинском ювелирном искусстве с начала ХХ века используются разнообразные виды гравировки, которая отличается от всех известных аналогов. Это отличие проявляется в формах резцов, их заточке, приемах нанесения с их помощью узоров на декорируемую поверхность.
Мастер за работой В 1924 году мастерами из села Кубачи была организована художественная артель «Ремесленник». Мастера в этот период наряду с традиционными женскими украшениями и оружием начинают изготавливать портсигары, подстаканники, чайные ложки и другие предметы столового серебра. В последующие десятилетия к славе кубачинских оружейников прошлого добавилась известность поселка Кубачи как центра современного декоративно-прикладного искусства, развивающего художественные традиции своих предков. В 1932 году правительством страны был выделен государственный фонд серебра для производства кубачинских изделий различного ассортимента. Артель «Ремесленник» была переименована в артель «Экспорт». В 1937 году на Всемирной выставке искусств в Париже изделиям мастеров артели были присуждены высшие награды — Гран-при. В связи с большим значением с. Кубачи и в целях сохранения его традиционного народного искусства по решению правительства в 1938—1940 годах было построено здание производственных мастерских. В 1960 году артель была реорганизована в «Кубачинский Художественный Комбинат» (КХК).
Браслет
В последнее время кубачинские мастера заняты возрождением искусства женских украшений, забытых декоративных приемов, а также работают над созданием новых уникальных изделий в соответствии с меняющейся рыночной конъюнктуре. Для кубачинских серебряных изделий характерна чернь по серебру, покрывающая изделие и сочетающаяся с резьбой, гравированным орнаментом, золочением, филигранью, сканью, чеканкой, золотой насечкой, резной костью, цветной эмалью, вставками из полудрагоценных камней, инкрустацией из костяных пластинок.
Художественная обработка серебра, других цветных металлов постигается в Кубачах с детства, изучается в общеобразовательной школе, в учреждении дополнительного образования — школе искусств им Р. Алиханова.
Вологодские художественные изделия ВОЛОГОДСКАЯ ФИНИФТЬ. УСОЛЬСКИЕ ЭМАЛИ «Финифть» означает «светлый, блестящий камень» (греч.). Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Направление появилось в XVII веке в городе Сольвычегодске, бывшем тогда в составе Вологодской губерни, потом подобной финифтью стали заниматься в Вологде.
Ларец серебряный, золоченый, украшенный расписной эмалью, XVII dtr Усольская эмаль в свою очередь оказала сильное влияние на развитие эмальерного искусства других центров, в частности Московского. Неслучайно многих мастеров неоднократно вызывали в Москву для поднятия «финифтяного дела». Так в 1745 году был вызван из Сольвычегодска Яков Попов, а в 1757 году в делах главного магистрата упоминаются имена великоустюгского мастера Ивана Клестова и сольвычегодского финифтянщика Никиты Буравкина, которые обучали финифтяному делу московских мастеров.
Чаша серебряная, позолоченая. украшена расписной эмалью. Сольвычегодск, конец 17 века. Диаметр 19,8 см
Расцвет усольских эмалей был непродолжителен. Уже в начале ХVIII века, когда город теряет свое экономическое значение, вызванное реформами Петра Первого и расширением географических границ страны, начинается угасание многих ремесел, в том числе и эмальерного.
Усольская эмаль. Вологда. 1960-е Возрождение древнего эмальерного промысла началось с конца 1960-х—1970-е годы ХХ века. В 70-х годах века группа вологодских художников-ювелиров изучила и возродила древнее мастерство. На Вологодском заводе опытных и художественных изделий существовал экспериментальный цех, мастера которого занимались разработкой ювелирных изделий и сувениров с эмалями.
Подстаканник, вологда, 1960-е В связи с политикой государства, направленной на возрождение местных художественных промыслов, в Великом Устюге на Кузинском заводе механических изделий Министерства оборонной промышленности был открыт цех сувенирных изделий и художественных промыслов, который просуществовал до 1985 года. В цехе наладили производство эмалевых изделий (ювелирных украшений), но мастера на первых порах работали в традициях ростовской финифти и одновременно занимались изучением местных особенностей эмали по скани. Когда же в Вологде были построены новые корпуса завода Опытных и художественных изделий (ОХИ, позднее ВОХИЗ), было решено именно на этом предприятии восстановить древнюю технологию перегородчатых и живописных эмалей. Для этой цели была приглашена группа художников – эмальеров, работавших в Великом Устюге и был разработан ассортимент изделий с перегородчатыми эмалями. Работая в традиционном русле, художники много экспериментировали, создавали созвучные времени и эпохе предметы, расширяли технологии. Наряду с традиционными орнаментами перегородчатых эмалей и живописных «усольских» появились произведения с потёчными эмалями, в которых цветные эмали сплавляются друг с другом в причудливом рисунке, металлическая медная основа изделия начинает золотиться, мерцать и гореть сквозь тонкие эмалевые слои, оттеняя и придавая глубину и яркость самим эмалям.
Большую помощь в восстановлении эмальерного искусства оказали сотрудники НИИХП Министерства РСФСР. С помощью НИИХП в 1980 году художница Т.С. Горичева создала первые образцы изделий с горячими перегородчатыми эмалями. В 1984 году мастера возродили технологию росписи по эмалям с многократным муфельным обжигом. Под руководством художника В.В. Попова, который возглавил эмальерный цех предприятия, работала замечательная плеяда молодых художников и мастеров. Художники изучали музейные коллекции, работали в фондах музеев Москвы, Ленинграда, Вологды, Великого Устюга, Сольвычегодска. В ассортименте предприятия появились небольшие декоративные тарелки, панно, браслеты, кольца, серьги, колье, флакончики для духов, сундучки, шкатулки, на которых вновь ожили и расцвели сказочно небывалые цветы с нежными полупрозрачными лепестками. Огромный вклад в развитие усольских эмалей внесли художники Николай и Ирина Ганичевы. Они некоторое время даже жили в Сольвычегодске, чтобы до тонкостей постичь дух этого древнего ремесла. Богоматерь Казанская, ООО «Творческая мастерская «Вологодская финифть»
После реорганизации ВОХИЗа и прекращения его производственной деятельности (2003 год) специалисты и часть художников объединились и создали ООО «Творческая мастерская «Вологодская финифть», которое существует с апреля 2003 года. Основным направлением вновь созданного предприятия было создание эмалевых икон и предметов культового назначения в северных традициях. С 2010 года на предприятии освоен выпуск ювелирных украшений и сувенирной продукции с эмалями, выполненных с соблюдением технологий древнего промысла. Сейчас промыслом росписи по эмали занимается предприятие города Вологды — Творческая мастерская «Вологодская финифть».
Ростовская финифть Финифтью на Руси называют художественную эмаль. Единого мнения относительно происхождения слова «финифть» не существует. Одни учёные считают, что оно происходит от греческого «фингитис», что означает «светлый, блестящий камень», другие же полагают, что оно произошло от византийского слова химипет, в свою очередь ведущего начало от греческого глагола, означающего «лить, плавить».
В музее фабрики «Ростовская финифть» Специалистов художественных ремёсел и эмальеров из Царьграда (Константинополя) в X веке привезла на Русь княгиня Ольга.
Ростов Великий с XVIII века и до наших дней является центром эмальерного искусства в России. Ростовская финифть дополняется филигранью. Элементами филиграни являются скань — скрученная металлическая нить, и зернь — напаянные в завитках узора шарики. Это древний вид ювелирного искусства, он упоминается в Библии. Есть предположение, что филигрань на Руси стала известна раньше X века, от армянских ювелиров. Которые, в свою очередь, переняли это искусство от народов Ближнего Востока. Сохранились сведения о существовании в XVIII веке мастерской финифти при Ростовском архиерейском дворе и отдельных мастерах, работавших по заказам монастырей и церквей города. Основателем миниатюрной живописи «финифти» по некоторым источникам является Митрополит Арсений Моцеевич. Финифтяные миниатюры украшали предметы церковного обихода и одеяния священников: митры, потиры, оклады Евангелий, напрестольные кресты. В 1770-х годах в Ростове появились цеха, объединившие ремесленников по их специальностям. В числе прочих был организован цех иконописцев, куда входили мастера финифти.
Панно Вид Ростовского Кремля. Конец XIX века После революции мастера своей преданностью к искусству смогли сохранить промысел, объединившись в артель «Возрождение», которая в 1960 году реорганизовалась в фабрику «Ростовская финифть». В становлении советского стиля в финифти важную роль сыграл автор эскизов к агитационному фарфору известный художник С.В. Чехонин (1878—1936), по рисункам которого выполнялись изделия того периода.
Князь Василько, Фабрика «Ростовская финифть», 1962
Советский период жизни России сформировал новую идеологию, иные формы выражения в искусстве. В 60-е годы расширился ассортимент выпускаемой продукции, финифтяные миниатюры стали изготавливаться в сочетании со сканью. Каждый элемент ювелирного рисунка скручивается вручную и приклеивается на бумагу, далее весь собранный узор посыпается серебряным порошком- припоем и спаивается газовой горилкой. Благодаря сканной оправе наладилось массовое производство различных ювелирных изделий с живописной эмалью. Коллектив фабрики пополнился талантливой молодежью — выпускниками Федоскинского и Красносельского училищ. Вместе с мастерами старшего поколения живописцы вносили разнообразие в тематику росписи, ювелиры плодотворно работали над созданием новых форм изделий, их роль в оформлении живописных работ все более возрастала.
Финифть сразу с момента ее появления была ориентирована на высокое искусство миниатюры. Она с самого начала была в числе искусства «элитарного». Однако, уровень ее элитарности менялся на протяжении исторического развития. Вторая половина и особенно последняя четверть XX века свидетельствуют: финифть становится иным, чем прежде, но по-прежнему уникальным явлением искусства. Сложившиеся традиции, богатейшее наследие, осевшее в запасниках музеев и частных коллекциях, а также своеобразная уникальная среда, сами стали формировать из художника «вообще» (космополита) мастера ростовской миниатюры со всеми особенностями его творческих принципов.
Вполне отчетливо проявившийся в 1990-х годах интерес мастеров финифти к иконописным началам есть доказательство того, что финифть вновь обрела свои естественные корни.
Учат «огненному письму» на отделении по подготовке художников по эмали в Холуйском художественном училище имени Н.Н. Харламова и с 1960 года ведётся ежегодно Федоскинское училище миниатюрной живописи. осуществляет набор студентов на отделения декоративной росписи на эмалях «Ростовской финифти».
ЛАКОВАЯ МИНИАТЮРА Лаковое дело зародилось еще до новой эры в Китае. Оттуда оно попало в другие страны Дальнего Востока, а в эпоху средневековья распространилось в Индии и Иране. В XVI—XVII веках восточные лаковые изделия были завезены в Европу и, покорив европейцев своей красотой, вызвали стойкую моду на лаки. Начало развиваться местное лакирное производство. Начало развиваться местное лакирное производство. Поначалу европейские лаки подражали дальневосточным и по сюжетам, и по манере исполнения. Однако уже в XVIII внке на некоторых лакирных предприятиях начинают расписывать изделия реалистически исполненными цветочными букетами, пейзажами, жанровыми сценками в духе Ватто или малых голландцев. Во Франции этим занялась фирма братьев Мартэн (первая половина—середина XVIII века), в Англии — возникшие в середине XVIII века Предприятия в Понтипуле, Уолверхемптоне, Бирмингеме, в Германии – табакерочная фабрика И.Г. Гтобвассера в Брауншвейге, основанная в 1763 году. В России интерес к лакам стал проявляться лишь с петровских времен. В 1721 году один из кабинетов Петра I в петергофском дворце Монплезир был украшен 94 лаковыми панно, весьма искусно исполненными русскими мастерами в китайском стиле. В Петербурге и его окрестностях возникли предприятия М. Бооля (пригласившего для налаживания производства французских мастеров), И. Кина, И. Пеца, Д. Орловской, И. Эка и др. В Москве и Подмосковье наиболее известны были фабрика Лукутина, Фабрика А.И. Аустена, мастерские Вишняковых, Н. Нажевщикова, братьев Сорокиных. Существовало много мелких провинциальных мастерских: Христиана Флака, Шимера, Шубарева и Данилевича и др. Мода на лакирные изделия из папье-маше проникла во многие слои общества — от аристократов до мещан.
ФЕДОСКИНСКАЯ МИНИАТЮРА История федоскинского промысла восходит к 1795 году, когда купец П.И. Коробов организовал в купленном им сельце Данилкове (в настоящее время входит в состав Федоскина) козырёчное производство — производство лакированных армейских козырьков. Через три года Коробов побывал на фабрике Иоганна Штобвассера, в Брауншвейге, перенял там технологию изделий из папье-маше и завёл на своей фабрике изготовление популярных в то время табакерок для нюхательного табака, украшенных наклеенными на крышку гравюрами, иногда раскрашенными и покрытыми лаком. Во второй четверти XIX века табакерки, бисерницы, шкатулки и другие изделия стали украшать живописными миниатюрами, выполненными масляными красками в классической живописной манере. После смерти П.И. Коробова фабрика непродолжительное время находилась во владении его дочери Е.П. Коробовой, перейдя затем по родственной линии в собственность московским купцам Лукутиным, которым принадлежала на протяжении восьмидесяти пяти лет. В 1828 году Пётр Васильевич Лукутин (1784—1864).
В 1904 году лукутинская фабрика закрылась. В мае 1910 года десять мастеров, на выделенную С.Т. Морозовым московскому губернскому земству крупную денежную ссуду, учредили «Федоскинскую трудовую артель бывших мастеров фабрики Лукутиных». Первые изделия артели, направленные на продажу в Москву, получили высокую оценку Московского земства и Кустарного музея.
В 1912 году в артели работало 14 мастеров и девять учеников. Ассортимент артели насчитывал около 160 наименований изделий, которые по своему качеству не уступали знаменитым лукутинским и значительно превосходили аналогичные изделия вишняковской мастерской. В первые послереволюционные годы артель пережила большие сложности, обусловленные падением спроса на продукцию и негативным отношением новых властей, облагавших мастеров непосильным налогом и даже предпринимавших неоднократные попытки закрыть мастерские. Перелом в отношении к федоскинской миниатюре наступил после 1923 года, когда их изделия были удостоены диплома I степени на Всесоюзной выставке сельскохозяйственной и культурно-промышленной продукции в Москве. Производство стало расширяться, увеличился спрос на федоскинскую продукцию, которую стали активно продавать за границу.
Н.С. Семёнов. Шкатулка Пастушок, 1930-е
Большую творческую помощь в 1930-х годах оказали федоскинским миниатюристам известные искусствоведы А.В. Бакушинский и В.М. Василенко.
В 1930—1950-х годах художники Федоскина преимущественно занимались копированием произведений станковой живописи. Для расширения ассортимента изделий и обогащения творческого начала в деятельности артели в 1945 году при ней была создана экспериментальная мастерская, научное и творческое руководство которой осуществлял НИИ художественной промышленности. Были возрождены утраченные способы декорировки изделий — «скань», «цировка», «шотландка», «малахит», роспись по перламутру и др. Впервые перед художниками-миниатюристами была поставлена задача перевоплощения в декоративную миниатюру натурных зарисовок. Принципиально новый этап в истории федоскинской миниатюрной живописи, ознаменованный ростом авторского начала, пришёлся лишь на конец 1950-х годов. Художники создают оригинальные авторские произведения, в которых творчески переосмысливаются традиции федоскинской миниатюры. Основные темы их творчества — природа Подмосковья, русские песни и сказки, героическое прошлое России. В 1960-х годах артель была преобразована в Федоскинскую фабрику миниатюрной живописи.
В.Н. Домахин. Шкатулка Крестьянская свадьба, 1990 В 1931 году при Федоскинской артели была создана школа кустарного ученичества (ныне Федоскинская школа миниатюрной живописи). В 1950—1980-х годах школа готовила специалистов по лаковой миниатюре, жостовской росписи по металлу и ростовской финифти. В настоящее время традиции федоскинской миниатюры развиваются, в основном, художниками, работающими самостоятельно.
ПАЛЕХСКАЯ МИНИАТЮРА Народный промысел, развившийся в поселке Палех Ивановской области, представляет собой лаковые миниатюры темперой на папье-маше. С XVIII века Палех — центр иконописи в традициях русской живописи XV—XVII веков. После революции 1917 года перед палехскими иконописцами встала необходимость поиска новых форм реализации своего творческого потенциала. В 1918 году мастера объединились в Палехскую художественную декоративную артель, выпускавшую деревянные изделия с росписью. В 1923 году они были представлены на художественно-промышленной выставке в Москве и удостоены диплома второй степени. Днем рождения палехского искусства принято считать основание 5 декабря 1924 года «Артели древней живописи».
Зубков И. Жнитво.(1863—1938),1929. ГМПИ.
Первоначально в «Артель» вошли семь человек: Иван Голиков, Иван Баканов, Александр и Иван Зубковы, Александр и Владимир Котухины, Иван Маркичев. Вскоре к ним присоединились Дмитрий Буторин, Алексей Ватагин и другие. В 1925 году работы палешан получили признание на Международной выставке в Париже. В июне 1932 года в «Артели древней живописи» работало более 100 человек, из них 48 мастеров, 20 кандидатов в ученики. Иллюстрации И. Голикова к «Слову о полку Игореве», Палех,1934 В марте 1935 года артель преобразована в «Товарищество художников Палеха». В 1940 году оно было закрыто, в 1943 году — восстановлено. В 1954 году «Товарищество» преобразовано в Художественно-производственные мастерские (ПХПМ). В этом же году было создано Палехское отделение Союза художников РСФСР. В 1989 году Палехские художественно-производственные мастерские были закрыты.
Т. Ходова. Пластина «Крестьянский праздник». Палех, 2003. Фрагмент
Свадьба в Палехе. Колыгина Ольга, Палех, 2015 1926 года при «Артели древней живописи» возродилось ученичество. На рубеже 1920—1930 годов была открыта профтехшкола, реорганизованная в 1935 году в художественный техникум, а с 1936 года — в Палехское художественное училище имени М. Горького. В настоящее время в училище ведется обучение по специальности «Декоративно-прикладное искусство и народные промыслы» (лаковая миниатюрная живопись). В 1934 году был создан Государственный музей палехского искусства. Его коллекция насчитывает более 15,4 тысячи единиц хранения. В ее состав входят 1,5 тысячи икон XIV—XX веков, произведения западноевропейской живописи XVI—XVIII веков, более трех тысяч произведений лаковой миниатюры, скульптура, графика, старопечатные книги, строчевышитые изделия, предметы быта и этнографии. В структуре Государственного музея палехского искусства четыре мемориальных музея: Дом-музей П.Д. Корина, Музей-мастерская Н.В. Дыдыкина, Дом-музей И.И. Голикова, Музей-усадьба Н.М. Зиновьева. :
МСТЁРСКАЯ МИНИАТЮРА В XIV веке Мстёра наряду с Палехом и Холуем являлась одним из центров русской иконописи. Во Мстёре говорят, что мстерские «богомазы» ценились особенно. Например, когда надо было реставрировать рублёвскую «Троицу» или Богоматерь Владимирскую, то приглашали именно из Мстёры. Сами же жители видят во всём этом «тайный» смысл. Считается, что «мстёра» в переводе с угро-финского означает «тёмная вода». Так и мстёрские художники, как рыба в тёмной воде, – себе на уме, варятся в своём соку. Вся живопись Мстёры — набор тайных символов, можно сказать, древние мистерии в красках. К середине XVIII века появились так называемые «мелочные письма» — иконы с миниатюрными сценами и множеством деталей. В начале XX века с появлением хромолитографий в промысле наступил кризис. А после революции отпала необходимость в иконах.
В 1920-е годы кустари Мстёры создали артель «Древнерусская живопись». Работали на полуфабрикате (деревянном белье), привозимом из города Семёнова. Расписывали коробки, шкатулки, ларцы, солоницы, куклы-матрёшки и другое. В 1924 году артель начала осваивать роспись масляными красками настенных ковриков на полотне. Качество этого вида продукции было сомнительным как со стороны профессионального мастерства, так и содержания: «Первый поцелуй», «Прощание у колодца», «Котята в корзинке» и другие были живописными поделками мещанского вкуса. Низкое качество продукции затрудняло сбыт. Требовалось серьезным образом определить художественную направленность промысла. К этому подключился Научно-исследовательский институт художественной промышленности (НИИХП).
Г. Дмитриев. Шкатулка «Сказка о золотом петушке». Мстёра, 1938 Первые пробные опыты росписи на папье–маше были сделаны Н.П. Клыковым в 1928 году, а 22 июня 1931 года живописный цех отделился от столярной мастерской и художники начали самостоятельную работу. В начале 1931 года артель направила мастеров в Москву на курсы для изучения техники росписи на папье-маше и на родину русских лаков в Федоскино для освоения процесса производства этого материала.
Во Мстёру приехали искусствоведы А.В. Бакушинский и В.М. Василенко. Они непосредственно на месте проводили исследовательскую работу по выявлению истоков местных иконописных традиций, определяли основы предполагаемого стиля мстёрской живописи.
А.Котягин. Овальная пластина «Взятие Измаила в 1790 году». Мстёра. 1942 1930 год стал для Мстёры переломным. Общее собрание артели постановило выделить из её состава цех живописцев по росписи папье-маше в самостоятельный и ведущий, ходатайствовать о присвоении артели наименования «Пролетарское искусство». Пять лучших мастеров: Н.П. Клыков, А.И. Брягин, Е.В. Юрин, И.А. Серебряков, В.И. Савин – начали новое дело освоения миниатюрной живописи. Уже к середине 1930-х годов искусство Мстёры получило высокую оценку за рубежом. На всемирных выставках в Милане (1935), Париже (1937) и Нью-Йорке (1938) мстёрские миниатюристы были удостоены дипломами, золотыми и серебряными медалями.
С 1940 до 1960-х годах во многих центрах лаковой миниатюры, в том числе и в Мстёре стала господствовать станковая живопись — художники в основном стали копировать картины русских художников XIX века. Особая декоративная специфика миниатюры, основанная на условности ее художественного языка, была нарушена. В 1960 году при ПК ЦТММ открылся музей лаковой живописи. В нем хранятся миниатюры ведущих художников Мстеры с 1960-х годов по настоящее время. В 1960—1970-е годах мстёрское искусство переживает творческий подъём. Художники вновь с обострённым интересом обращаются к традициям древнерусской живописи. Используя фольклорные сюжеты, мастера создают не просто иллюстрации к сказке, песне, былине, а самостоятельные композиции. Они чаще обращаются к героико-революционной тематике. По-новому (в единой композиции, а не отдельными клеймами) используется приём объединения нескольких эпизодов, более стилизованный пейзаж, живопись более плоскостна и декоративна.
Е.Зонина. Шкатулка «Призыв Минина к нижегородцам». Мстёра. 1977 В 1970—1990-х годах мастера мстёрской миниатюры активно развивали искусство промысла, сохраняя традиционную узорность и декоративность строгой лаконичной композиции, мягкий колорит, построенный на ярких звучных красках.
Новые лица мстёрского промысла Даниила Молодкин родился в поселке Мстёра в семье художников. Учился там же в известном Мстёрском художественном училище. Сюжеты кажутся несколько необычными для русской росписи, но если вдуматься, то первые мастера в Палехе тоже ведь использовали сюжеты современных для себя сказок
Миниатюра Данилы Молодкина, Мстёра, 2000-е
Холуйские художественно-производственные мастерские ХОЛУЙСКАЯ МИНИАТЮРА Первоначально слободские умельцы, как их соседи в Палехе и Мстёре, занимались иконописью. Это были, недорогие иконы, предназначенные для сельского населения и для Троице-Сергиевой лавры В 1861 году в Холуе было открыто первое во Владимирской губернии художественное училище. Затем в 1882 году появились рисовальные классы, которые были преобразованы в иконописно-рисовальную школу. А в 1901 году появились иконописные мастерские. После революции Холуйские мастерские были закрыты, и людям приходилось заниматься делами, далекими от художества. Коренное отличие холуйской миниатюры от других, аналогичных, производств было заложено с самого начала: по совету занимавшегося развитием народных промыслов искусствоведа А.В. Бакушинского, для экономии средств мастера обучались работе не на предметах, планируемых для росписи, а на листах картона, окрашенных в черный цвет и покрытых лаком. В 1934 году художники Холуя объединились в артель, которая стала впоследствии градообразующим предприятием, воспитавшим много талантливых художников.
С. Мокин. Пластина «Призыв Степана Разина». Холуй. 1943 Признание холуйской миниатюры пришло далеко не сразу. Однако художники артели, такие как К. Костерин, С. Мокин, Д. Добрынин, В. Пузанов-Молев приложили максимум усилий для выработки собственного неповторимого стиля. Проведенная ими колоссальная работа дала свой положительный результат. В 1937 году холуйская миниатюра получает бронзовую медаль на Всемирной выставке в Париже. Выставляется на знаменитых мировых выставках она и в последующие годы. После Великой Отечественной войны сюжеты и темы холуйских миниатюр становятся разнообразнее. Начинают проявляться черты нового, абсолютно оригинального и своеобразного направления русского лакового промысла, отличного от произведений Палеха, Федоскина и Мстеры. В 1959 году был создан Музей Холуйского искусства, сейчас он имеет статус Государственного музея. С 1961 года изделия с Холуйской лаковой миниатюрой со своей живописью выходят на международный рынок.
В 70-х и 80-х годах Холуйская миниатюрная живопись развивалась интенсивно. Создавались новые произведения, пополняя фонды местного музея и ассортиментного кабинета Ивановского и Плесского художественных музеев в Ивановской области, Московского музея декоративно-прикладного и народного искусства, Музея народного искусства, где самая большая коллекция Холуйской лаковой миниатюры, отдела Исторического музея на Куликовом поле. Эти годы характерны расширением ассортимента выпускаемых изделий лаковой миниатюры, количество образцов, с которых художники выполняют небольшими тиражами изделия для рынка, насчитывает более 700 штук.. .В ночь на Ивана Купалу, Мстёра, 1989 В 1992 году государственное предприятие «Художественная фабрика лаковой миниатюры» перешло в собственность работников путем приватизации и стало называться ТОО «Диплома 1 степени Холуйские художественно-производственные мастерские».
В 2000 году предприятие преобразовались в ПК «Холуйские художественные мастерские», в 2009 году реорганизовались в ООО «Холуйская художественная фабрика лаковой миниатюры». На сегодняшний день на предприятии трудится около 200 человек. С 2000 года продукция Холуйских художественных мастерских относится к изделиям народных художественных промыслов на основании решений секции лаковой миниатюры художественно-экспертного совета по народным художественным промыслам Администрации Ивановской области. На сегодняшний день эта разновидность лакового промысла претерпела значительные изменения. За годы существования холуйской миниатюры художники мастерской полностью преодолели некоторые недостатки и ограниченность изображений. Современная холуйская миниатюра несет в себе четко прослеживающиеся индивидуальные черты и имеет своеобразный облик.
КЕРАМИКА Феникс КИСЛОВОДСКИЙ ФАРФОР За 200-летнюю историю Кисловодск, маленький городок на Северном Кавказе приобрел широкую известность своим климатом и целебной минеральной водой. В середине ХIХ века — это один из самых престижных курортов России. Модный курорт открывал превосходные перспективы для развития ремесел. Из разных мест приезжали сюда мастера — резчики по рогу и кости, оружейники. В 30-х годах произошло объединение кустарей в артель, а уже в 1937 году изготовленные ею изделия из кости экспонировались на международной выставке в Париже. История завода началась в 1952 году, когда из артели, специализирующейся по изготовлению сувениров из кости, выделяется самостоятельное производство, связанное уже с фарфором — Кисловодкий ХудожПромКомбинат. (клеймо КХПК) В 1967 году он преобразовывается в Кисловодскую фабрику сувениров (клеймо КФС, с 1970 по 1985 год КС в круге).
Кружка для минеральной воды, Кисловодск, 1980-е Нелегко это было — найти свое место среди знаменитых на всю страну фарфоровых заводов. Кисловодская мануфактура пошла своим путем, отказавшись от выпуска традиционной столовой посуды, всегда имеющей надежный рынок сбыта. В 60-е годы завод изготавливал заурядные памятные кружки для отдыхающих в Кисловодске.
Каза Пастораль, Кисловодск, 1990-е В 1975 году появляется первое фарфоровое изделие, декорированное ручной лепкой, — туалетный набор «Декоративный». Год спустя он удостаивается серебряной медали ВДНХ, а на предприятии создается творческая группа по освоению новой техники декорирования. Именно технике ручной лепкисуждено на четверть века определить лицо кисловодского фарфорового производства. В данном случае виртуозное владение приемом переросло в творческое направление. Хотя единичные случаи применения лепки, как авторского приема, известны в истории фарфористики, но именно «Феникс» развивает её до блестящих образцов, не зная равных ни в уровне техники, ни в разнообразии, ни в массовости его применения. Лепка сегодня остается «визитной карточкой» предприятия.
Наряду с блестящими образцами лепки в последнее время применяются и другие известные виды декорирования фарфора. Используются сложные технологии ангобной, подглазурной, миниатюрной и люстровой росписи. Восьмидесятые стали годами становления и расцвета. Фактически, именно с этого периода можно уверенно говорить об оформлении кисловодской школы как самостоятельного направления в российской фарфористике. Закономерным признанием этого обстоятельства стало присвоение «Фениксу» в 1988 году статуса предприятия традиционных народных художественных промыслов. («Фениксом» он стал около 1988 году, а ранее, с 1985 по 1988 год назывался ПО «Сувенир»).
Тарелка «Птица и яблоко», Кисловодск, 1990-е Конец девяностых ознаменовался для «Феникса» принципиально новым направлением, возникшим на основе созданного к тому моменту уровня профессионального мастерства. В этот период организуется сначала один, затем несколько участков, объединяющих мастеров: живописцев и лепщиков, прошедших специальное обучение, дающее право на авторскую подпись произведенного изделия. Тогда же предприятие было преобразовано в ЗАО« Кисловодский фарфор — Феникс».
Аксинья СЕМИКАРАКОРСКИЙ ФАЯНС Семикаракорский народный художественный промысел России находится в городе Семикаракорск Ростовской области на правобережье реки Дон, вблизи устья реки Сал. Изготовление керамики существовало на данной территории с момента расселения в степи человека — с энеолита, переходного периода между поздним каменным и ранним бронзовым веком (IV тысячелетие до н.э.). На настоящий момент в окрестностях города открыты 27 поселений, содержащих керамический материал различных археологических культур, начиная с энеолита и заканчивая казачьим периодом. Исключая керамический импорт из Греции и Причерноморья, большая часть материала относится к керамике местного производства на основе местного сырья — глин и суглинков четвертичного периода, слагающих грунты на территории района. Керамическое производство, близкое к современному, возникает примерно во второй половине ХIХ в. и первоначально связано с пришлым населением, позже в промысел включается и казачье население. Вначале ХХ века происходит укрупнение масштабов гончарного производства до артелей. В 1936 году гончары — (тогда промысел назывался кустарным), административно входили в Семикаракорский РПК (райпромкомбинат). В 1970—1972 годы. строится керамический цех, который становится базой промысла. С 1972 года основным материалом для производства становится фаянс, а основой производственного процесса — технология Конаковского фаянсового завода им. М.И. Калинина.
Блюдо Край донецкий, Аксинья, 1989 И в этом смысле Семикаракорский промысел наследует лучшие традиции русского фаянса. С этого времени Семикаракорская керамика выпускает продукцию, именуемую по общепринятой терминологии — твердый глинистый фаянс, декорированный ручной подглазурной росписью и покрытый бесцветной глазурью (с высокой степенью белизны 65—68) и исключительно ручным изготовлением и декорированием.
Чайно-кофейный сервиз, Аксинья, Семикаракоры Начиная с 1973 года, изделия Семикаракорского райпромкомбината впервые отнесены к категории изделий народных художественных промыслов. Начиная с 1971 года, формировался художественный стиль Семикаракорского промысла, в котором принимали участие художники, народные мастера предприятия, специалисты и искусствоведы Московского Научно-исследовательского института художественной промышленности. Удалось создать оригинальное художественное направление Семикаракорское письмо — это полихромная мазковая подглазурная роспись с использованием букетно-растительного орнамента с акцентом на более крупном центральном цветке, сюжетные композиции в стиле русских лубочных картинок, использующие фольклорные казачьи мотивы, стилизованные донские пейзажи с применением солей металлов в росписи, и все это — Семикаракорский фаянс. Тончайший слой стеклянной глазури защищает нарядную кистевую роспись, поэтому после длительного использования изделий она не утрачивает первоначальной свежести восприятия.
В настоящее время на предприятии работает сильная творческая группа, в которую кроме модельщиков, живописцев и комплексного мастера, входит 7 художников. Творческая группа работает над расширением ассортимента высокохудожественных изделий, внедрением в производство новых технологий. Работой творческой группы руководит художественный совет предприятия, основной задачей которого является обеспечение высокого художественного уровня выпускаемой продукции, определение художественно-стилевой направленности работы предприятия. С 2000 года на предприятии открыт класс декоративно-прикладного искусства, в котором обучаются талантливые дети Семикаракорска, постигая азы художественного творчества. Четверо живописцев обучаются в ПИЮФУ на художественно-графическом факультете. В творческий коллектив входит 5 членов Союза художников РФ. Работы Семикаракорских мастеров и художников экспонируются на отечественных и зарубежных выставках, удостоены дипломами, золотыми, серебряными и бронзовыми медалями.
На данный момент Семикаракорский фаянс развивается как самостоятельное направление донской культуры и является наивысшим достижением декоративно- прикладного искусства в керамике донского региона.
Варнавинская художественная фабрика резьбы по кости ВАРКО ООО «ВАРКО» (Варнавинская резная кость) — предприятие, возродившее традиции народного косторезного промысла в Нижегородской губернии. Резьба по кости — искусство такое же древнее, как и резьба по дереву. Зародилось оно на русском Севере, близ села Холмогоры, в среде жителей тундры и морских побережий. Материалом для работы служили моржовый клык и бивень мамонта. Первыми изделиями были наконечники для гарпунов и стрел, ножи, рукоятки и ножны для ножей, иглы для шитья, чашки, детали оленей и собачьей упряжек, украшения, фигурки различных животных для амулетов. Музейные документы свидетельствуют, что резные изделия из кости на нижегородской земле появились в конце XVIII—начале XIX века. Характер резьбы по кости был очень близок к манере деревянной резьбы нижегородских мастеров того времени. Резьбой по кости украшались рукояти ножей и другого холодного оружия, плашки для перочинных ножей, мундштуки, подсвечники, приклады и цевьё ружей, украшения и предметы утилитарного назначения.
Возрождение промысла в XX веке связано с именем мастера Парфена Черникова, который был приглашен в Нижний Новгород из всемирно известного центра косторезного искусства Холмогоры Архангельской области .В 1971 году открыт участок для обучения молодёжи по профессии резчика по кости. Наставником стал Парфён Черникович. В 1973 году участок преобразован в филиал Казаковского производственного ювелирного объединение со специализацией резьбы по кости.
В 1989 году филиал становится самостоятельным предприятием — Варнавинской художественной фабрикой резьбы по кости. В 1992 году предприятие было приватизировано в ООО «ВАРКО». Варнавинским мастерам-резчикам свойственен постоянный поиск новых выразительных решений, видов обработки и сочетаний материалов, своеобразие форм, орнаментации и композиции изделий. Начиная с 2000—2001 года мастерами фабрики освоена художественная обработка местного сырья — рога лося. Каждое изделие режется мастером от начала до конца вручную, без применения штампов и шаблонов, что позволяет сохранять авторскую индивидуальность. Первоначально основным направлением в работе было изготовление вязальных крючков и резных плашек для ножей, которые, в свою очередь, делал Павловский завод «Сувенир». Изготовляли также пуговицы, пряжки и запонки, но спрос на них был маленький. Постепенно развивались и другие направления, главным образом, сувенирные. Сегодня в ассортименте предприятия насчитывается более 300 наименований изделий утилитарного и декоративного назначения, 285 наименований отнесено к изделиям народных художественных промыслов.
ВЫВОДЫ лекции №3
ЭТАПЫ РАЗВИТИЯ РЕМЁСЕЛ
•
1883 —1917
Стимулирование организации кустарных артелей, вoзвышения кycтapных пpoмыcлов o ypoвня xyдoжecтвeнныx. Организация мaccoвoго пpoизвoдcтва бытoвыx издeлий, мeбeли, oбyви и oдeжды в неоpyccкoм cтилe
•
1917—1930
Уничтожение частников, объединение мастеров в артели, перепрофилирование артелей
•
1930—1960
Укрупнение артелей. Организация НИИХП и возвышение его роли
•
1960—1963
Искусственное разрушение ремесленного способа производства с артельной формой организации и принудительное вливание артелей в государственную промышленность, объединение новообразованных государственных предприятий Минместпромом РФ, постановка на поток ремесленной продукции, заточенность на массовый выпуск товаров
•
1963—1991
Стабильный период существования государственных предприятий художественной промышленности (период застоя)
•
1992—1995
Ликвидация Минместпрома РФ, разрушение НИИХП, большинства предприятий народных промыслов: распродажа оборудования, сдача в аренду производственных и складских помещений разнообразным коммерческим организациям, роспуск уникальных коллективов
•
|
Видеопрезентация с аудиозаписью лекции №3, 8 февраля 2017 года, Плиний Старший
Эксперт: Анна Наволоцкая
|
Другие лекции цикла «ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ РЕМЁСЛА СЕГОДНЯ: проблемы, конфликты, перспективы»
Лекция 1
Лекция 2
Лекция 4
Лекция 5
|
Запустите волну сарафанного радио:
54 человек готовы участвовать в продвижении публикации, но ждут Вашего решения. (присоединиться)
|
|
С помощью сарафанного радио публикацию прочитали: 2 человека
У нас не ставят лайков, мы выражаем признательность автору иначе! Каждый сарафанный балл, который Вы перечислите на баланс публикации, превратится в одного уникального читателя. Члены сообщества ИнфоНарод.РФ зарабатывают сарафанные баллы тем, что распространяют публикации. А в будущем, они так же вкладывают баллы в распространение других публикаций. Будьте ответственны! Не помогайте публикациям продвигаться, если они негативно влияют на окружающий мир. И наоборот, помогайте, если они направлены на развитие общества!
Еще никто не оставлял комментарии
Сибирский Вернисаж
Канал о культуре, архитектуре и общественной жизни Новосибирска от Анны Наволоцкой, кандидата архитектуры, члена общественного совета при Минкульте НСО, члена Худ. совета мэрии Новосибирска, руководителя НФ "Сибирский Вернисаж"
Модератор содержания канала: Наволоцкая Анна Валерьевна
Дата создания: 16.03.2016 (18:03)
Сибирский Вернисаж
Канал о культуре, архитектуре и общественной жизни Новосибирска от Анны Наволоцкой, кандидата архитектуры, члена общественного совета при Минкульте НСО, члена Худ. совета мэрии Новосибирска, руководителя НФ "Сибирский Вернисаж"
Предложить публикацию
Модератор содержания канала: Наволоцкая Анна Валерьевна
Дата создания: 16.03.2016 (18:03)
